Para los expertos en arte el nombre de Claude Lorrain resulta familiar; en cambio, puede ser desconocido para el resto, pues no goza del prestigio de los grandes maestros del Renacimiento o de los impresionistas cuyas obras se han hecho populares. Sin embargo, fue un innovador y, para muchos, el primer pintor paisajista.
Con maestros de la talla de Leonardo, Miguel Ángel y Rafael en el cinquecento (el siglo que comenzó en 1501) se creyó que la pintura había alcanzado su máxima expresión. El peso de su rico legado produjo una crisis, pues la generación siguiente no tenía claro hacia dónde dirigirse. Las formas clásicas del Renacimiento comenzaron a exagerarse (el manierismo) y solo el talento de artistas como Tintoretto (1518-1594) o El Greco (1541-1614) evitaron que las comparaciones se vuelvan odiosas y destructivas. La posterior aparición de Caravaggio (1573-1600) con su naturalismo fue una bocanada de aire fresco al pasar de una tradición pictórica cuyas figuras remedaban esculturas a representaciones que parecían de carne y hueso. En ese entorno, donde el barroco también se abría paso, aparece Lorrain.
Claude Lorrain (1600-1682) nació en Francia un siglo después de aquella época dorada. Desde muy joven se trasladó a Italia donde desarrolló su carrera artística. Aunque su estilo nunca nos atrajo, reconocemos en él un extraordinario innovador: fue el primero en colocar el paisaje como el gran protagonista de un cuadro en lugar de emplearlo como el fondo de una escena. Se trata de vistas campestres, a veces con alguna construcción clásica o un lejano grupo de personas, pero donde la naturaleza ocupa el primer lugar.
PINTANDO AL REVÉS.
Cuando hablamos de pintar al revés no hacemos alusión a un aspecto técnico, como en el caso de Leonardo Da Vinci que era zurdo, escribía de derecha a izquierda y colocaba las letras en posición inversa, obligando a la lectura con un espejo[1]. Hablamos de algo totalmente diferente.
Imaginamos que un pintor recrea el paisaje que se extiende delante de él. Cuando observamos “Vista de Toledo” de El Greco entendemos que, más allá de algunas libertades, el artista representó con su peculiar estilo la ciudad en donde vivía. Lo mismo pasa cuando observamos “Amapolas” de Claude Monet: suponemos que ha sido fruto del artista contemplando la naturaleza.
Por el contrario, Lorrain no pintó lo que veía, sino lo que imaginaba. A pesar que utilizó elementos realistas, producto de su estudio de la campiña romana y las colinas aledañas, idealizó la naturaleza creando paisajes de ensueño bañados de sol. Volcó en sus telas imágenes de lugares que no existían.
Décadas después de su muerte los viajeros juzgaban un paisaje de acuerdo al ideal de belleza propuesto en los cuadros del Lorrain. E. H. Gombrich escribe “acaudalados ingleses fueron aún más allá y decidieron modelar el trozo de naturaleza que les pertenecía, en sus parques o haciendas, según los sueños de belleza de Claude Lorrain”[2]. Esos idílicos entornos naturales con castillos en ruinas impulsaron a los admiradores de Lorrain en la Gran Bretaña a transformar sus jardines para imitar aquellas creaciones[3]. Como en un cuento borgeano, todo sucedía a la inversa: en lugar que un paisaje inspirara una pintura, una pintura inspiraba un paisaje.
Incluso la palabra pintoresco se popularizó cuando comenzó a aplicarse específicamente a paisajes o jardines que recordaran a las pinturas de Lorrain. Luego, y como consecuencia de su uso primitivo, ese adjetivo –pittoresco en italiano, picturesque en inglés, pittoresque en francés- se extendió para describir objetos y lugares que nos parecen propios de una obra de arte.
DOS DETALLES MÁS DE CLAUDE LORRAIN
Debido a la fama que Claude Lorrain obtuvo en su tiempo, afloró una multitud de imitadores que vendía sus copias como si fueran originales. Para preservar su obra, el pintor creó el Liber Veritatis, un cuaderno de 195 dibujos con todas sus obras descritas en detalle, incluyendo datos de la venta, como el nombre del cliente y el precio del cuadro.
El espejo de Claude, un pequeño instrumento oscuro utilizado por los paisajistas ingleses de finales del siglo XVIII y principios del XIX, recibió su nombre en homenaje a Claude Lorrain. Gracias a su convexidad permitía ver secciones del paisaje a menor escala en tonalidades sepias, sirviendo como referencia para la creación de bocetos. Para utilizarlo, el artista debía dar la espalda al paisaje y observar el reflejo en el cristal.
Norman Foster creó algunos de los edificios más originales e impactantes de fines del siglo XX y principios del siglo XXI. Como Zaha Hadid, César Pelli, Frank Gehry y Santiago Calatrava, logró unir estructura, tecnología y arte rompiendo con los moldes que lo precedían.
The Gherkin, Londres, Inglaterra, 2001
Nacido en 1935 en Manchester, Inglaterra, estudió arquitectura en su ciudad natal y luego hizo una maestría en la Universidad de Yale en Estados Unidos. Poco después de su regreso se asoció a Richard Rogers, otro extraordinario arquitecto; junto a él, Su Rogers y Wendy Cheesman conformó en Londres el legendario estudio Team 4 en los años ’60. Luego fundó su propio estudio que hoy está presente en más de 20 países y cuenta con unos 1200 empleados. Ha recibido el premio Pritzker, una especie de Premio Nobel de la Arquitectura, en 1999 y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2009.
EL MOVIMIENTO “HIGH-TECH”
Norman Foster tempranamente adhirió al High-Tech, que consagra los últimos adelantos industriales, tales como el uso del vidrio y del acero, a la arquitectura de su tiempo.
Cúpula del Reichstag, Berlín, Alemania, 1999
A primera vista podría decirse que era un movimiento rebelde e innovador; sin embargo, “exaltaba tecnologías que pasaban rápidamente a la historia. No es difícil ver en los edificios de Rogers y Foster una nostalgia por la maquinaria victoriana y una fría pasión por los últimos adelantos en materiales y métodos estructurales”[1].
LOS APORTES DE NORMAN FOSTER
Jonathan Glancey afirma: “a comienzos del siglo XXI, a Foster se le considera por unanimidad el arquitecto con más éxito del mundo… Esto se debe, por un lado, a su dinamismo y, por el otro, al gran equipo que le rodea… Pero más importante aún ha sido el hecho que su arquitectura ha conectado con su generación…”[2].
Hearst Tower, New York, Estados Unidos (2003)
En nuestra opinión, Norman Foster es un genio creativo cuya ambición por innovar nunca se detiene. Se ha dicho que “sus edificios realmente son high-tech; no pueden ser superados ni siquiera por algo que un inventor pudiera idear para un servicio de inteligencia”[3].
EDIFICIO ALEPH
Ubicado en la calle Petrona Eyle entre la avenida Juana Manso y la calle Olga Cossettini de Puerto Madero se encuentra el Edificio Aleph, o, como dice su letrero, las “Aleph Residences”. Se trata de una inversión realizada por el Faena Group quien encargó al estudio de Norman Foster.
Con sus nueve pisos mantiene la misma altura de los edificios de la zona, que parecen diminutos frente a las torres que se encuentran a pocas cuadras. Con su minimalismo, este edificio de viviendas quizás posea el brillo de otras obras del arquitecto inglés, pero reserva su encanto para su interior.
Inaugurado en 2012, y siempre bajo el concepto high tech, cuenta por fuera con balcones y pantallas móviles color bronce oscuro que permiten regular el paso de la luz y el calor para crear ambientes a la medida.
Dejemos que el propio Estudio Foster + Partners describa su propia creación “El bloque de apartamentos de 9 pisos que encierra un patio ajardinado público. Los materiales son brillantes y cálidos, con acristalamiento de aluminio bronceado y protección solar, suelos de piedra caliza y una paleta de colores orgánicos. Los apartamentos de doble aspecto, llenos de luz y bien ventilados, contienen una combinación de secciones de dos niveles con techos abovedados y salas de estar de doble altura. Las habitaciones externas difuminan los bordes entre la vida exterior e interior”[4].
LA JEFATURA DE GOBIERNO DE LA CIUDAD (BUENOS AIRES, ARGENTINA)
En una decisión estratégica, la Jefatura de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires decidió trasladarse al sector sur de la ciudad. Para la nueva sede ubicada en el barrio de Parque de los Patricios, Norman Foster y su equipo diseñaron un edificio que ocupa toda la manzana.
La elección del vidrio para las paredes no fue casual: no solo inunda de luz natural las oficinas, sino que representa la transparencia que debe regir en la administración pública, promoviendo, además, la comunicación franca entre los colaboradores.
Este centro cívico de techo ondulado de hormigón a la vista fue inaugurado en abril de 2015. Puede albergar hasta 1,500 empleados. Posee un innovador diseño con un layout adaptable a los cambios de la estructura organizacional. Además, cuenta con terrazas internas donde se encuentran las estaciones de trabajo distribuidas en cuatro niveles y dos grandes patios.
La Casa de la Ciudad se encuentra en armonía con el entorno natural del parque adyacente y con la arquitectura de un barrio que supo tener una fuerte impronta fabril.
El genio de Norman Foster brilla a través de sus obras, siempre sorprendentes, consistentes e innovadoras. Nadie sabe aún cómo serán los edificios del futuro, pero estamos seguro que este extraordinario creador británico lo ha anticipado.
A Marco Polo, siervo de Jesucristo, pastor en Villa Soldati, que ha dedicado su vida a servir a Dios y a los demás.
Se cuenta que un pastor afroamericano durante una visita a Londres, Inglaterra, decidió visitar el Cementerio de Abney Park. Tomó un tour a pie que ofrecía visitar las tumbas más famosas. Cuando el grupo llegó hasta una lápida con forma de escudo, el visitante estalló en lágrimas y cayó al suelo repitiendo:
– ¡Hazlo de nuevo! ¡Hazlo de nuevo! ¡Hazlo de nuevo!
Era una oración que elevaba en llanto a Dios porque allí yacían los restos de un hombre que marcó una diferencia en su generación y en las siguientes, hasta el día de hoy: William Booth, el fundador del Ejército de Salvación.
Booth había nacido en 1829 en Nottingham, Inglaterra, en el seno de una familia de buena posición económica que luego cayó en la pobreza. A los 13 años debido a la falta de dinero tuvo que interrumpir sus estudios y trabajar como aprendiz en una casa de empeños. Dos años después sucedió algo que cambió su definitivamente su vida: decidió creer en Jesucristo. Desde luego, su posición social era la misma, pero descubrió su propósito en la vida. Comenzó a leer la Biblia y a predicar el evangelio a los pobres en su tiempo libre junto a un amigo suyo, Will Samsom, que murió poco después de tuberculosis. En ese entonces Booth tenía apenas 20 años.
No solo había perdido a su amigo sino también su empleo. Pasó un año desocupado y se dirigió a Londres donde comenzó a predicar en las calles. Fue ordenado como pastor metodista, pero renunció en medio de conflictos; incluso su participación en campañas de evangelización fue prohibida por el consejo de iglesias al que pertenecía y tuvo que continuar por su cuenta. Nunca desistió; su vocación era más fuerte que sus problemas.
En 1865 creó junto a su esposa una organización cristiana donde el servicio a los más necesitados -no solo en lo espiritual sino también en lo material- ocupó el lugar preponderante. 13 años después declaró “La misión cristiana es … un ejército de salvación”. Su obra es mundialmente conocida pues, ya constituida como institución, el Ejército de Salvación se expandió a decenas de países. Aunque William Booth predicaba el nuevo nacimiento podía decir como la bíblica Epístola de Santiago “la fe sin obras está muerta”[1].
Las reformas sociales que promovió fueron revolucionarias para la época, entre ellas hogares para prostitutas y expresidiarios, abogados para pobres, comunidades agrícolas para la enseñanza de técnicas de cultivo y la creación de clínicas populares. Llegó a afirmar que si el estado no cumple con sus obligaciones sociales, será tarea de cada cristiano cerrar la brecha. Su propósito final era que las personas fueran salvas por Jesucristo y, como parte de esa salvación integral, abolir la pobreza y terminar con los vicios que aquejaban a la sociedad de su tiempo.
En la introducción de su libro “Darkest England and the Way out” (en castellano “Inglaterra oscura y sin salida”) afirma:
“No tengo intenciones de desviarme en lo más mínimo de los principios básicos que han regido mis actos en el pasado. Mi única esperanza con respecto a la superación definitiva de la miseria de la humanidad, ya sea en éste o en el mundo venidero, es que el hombre se regenere o transforme por el poder del Espíritu Santo a través de Jesucristo. Pero al proporcionar alivio para la miseria terrenal, creo que sólo estoy haciendo más fácil y posible lo que ahora parece difícil e imposible: que hombres y mujeres encuentren su camino hacia la Cruz de nuestro Señor Jesucristo”[2].
La obra del Ejército de Salvación en favor de los pobres y parias de la Inglaterra victoriana, donde las diferencias entre las clases sociales eran enormes, es un ejemplo para todos nosotros, para todos los hombres y todos los tiempos. Es fácil culpar al gobierno, a los poderosos y a los opresores, pero es difícil dejar nuestra comodidad y hacer algo por sus víctimas.
ANÉCDOTAS QUE PINTAN UNA VIDA
Compartimos algunas anécdotas que ilustran la titánica labor de William Booth y los miles de voluntarios que en todo el mundo que se sumaron a su equipo.
LAS CAJAS DE FÓSFOROS Y LOS SALARIOS JUSTOS
Entre otras iniciativas, el Ejército de Salvación creó una fábrica de fósforos en el área de Londres. Las cajas llevaban el siguiente eslogan “Luces en la Inglaterra más oscura, seguridad contra incendios, salarios justos por trabajo justo”. No nos debe sorprender la última frase. Esa fábrica pagaba 4 peniques por docena mientras las grandes compañías solo pagaban 2.5 peniques. Booth y su Ejército de Salvación predicaban con el ejemplo.
LA MÁXIMA AMBICIÓN: NO SER CONOCIDO SINO DAR A CONOCER
En su ancianidad William Booth se reunió con Eduardo VII, el rey de Inglaterra, quien elogió al Ejército de Salvación y su obra. La respuesta fue contundente:
– Majestad, hay hombres que ambicionan oro, otros desean convertirse en grandes artistas de la música o del canto, otros ambicionan la fama y el poder político, pero desde que yo conocí a Cristo como Salvador de los pecadores mi ambición fue darle a conocer a las almas[3].
3. LA CÁRCEL COMO PRECIO
La acción social del Ejército de Salvación ente 1870 y 1880 generó conflictos no solo con pandillas sino también con las autoridades en toda Inglaterra porque predicaban el evangelio en los mercados y lugares públicos. Tal como sucede hoy en algunos países cuyos gobiernos levantan la bandera de los derechos humanos pero se oponen a la libre expresión, los “soldados” voluntarios del Ejército eran encarcelados rutinariamente, acusados de alterar al orden público. Sin embargo, nada los detenía. Finalmente, en 1892 el Parlamento Británico sancionó una ley que permitió las reuniones al aire libre reconociendo que no podían frenar una fuerza que bendecía a su nación[4].
4. GUERRA CONTRA LA TRATA DE NIÑOS Y EL ABUSO SEXUAL INFANTIL
Trabajando en equipo con la reformadora social Josephine Butler, el Ejército de Salvación expuso los espantosos niveles de prostitución juvenil en Londres. Catherine, la esposa de William Booth, escribió a la reina Victoria y al Primer Ministro y en un acto sin precedentes condenó en público a los miembros del Parlamento por su falta de voluntad política para resolver el tema. La presión dio resultado: en 1885 se elevó la edad del consentimiento sexual a los 16 años, se proscribió el secuestro de niños y se otorgó mayor poder a la policía para buscar niñas secuestradas[5].
5. UNA SOLA PALABRA
Se cuenta que en ocasión de una tremenda helada próxima a la Navidad, el Ejército de Salvación habían utilizado todos sus recursos en servir a los más pobres. El “General” Booth quería enviar un mensaje de motivación a sus “soldados”. Apareció un ricachón que le ofreció pagar un telegrama masivo, pero con una condición: el mensaje solo podía contener una palabra. Booth pensó un instante, tomó un papel, escribió algo y se lo entregó al donante que, tras leerlo, emitió el cheque para el telegrama. La nota de Booth decía simplemente: “otros”[6].
6. LA LUCHA JUNTO A LOS OBREROS
En 1889 los obreros de los astilleros londinenses estallaron en huelga, cansados del maltrato y la escasa paga que los obligaba a vivir sumergidos en la pobreza. ¿Cómo ayudar a sus famélicas familias? El Ejército de Salvación entregó miles de comidas a los huelguistas. “Ben Tillett, líder del sindicato portuario, luego recordó que la acción del Ejército de Salvación fue un factor importante en la victoria de los trabajadores portuarios en mejorar su paga y condiciones”[7]. Desde Australia, el propio Ejército de Salvación envió el dinero de las ventas de su revista “Grito de Guerra” al fondo de la huelga portuaria de Londres. El libro de William Booth “La Oscura Inglaterra y cómo salir de ella” de 1890, que contiene una propuesta radical basada en las Escrituras, se considera un factor clave en la reforma social que años después se produjo en Inglaterra.
7. LA ABUELA DEL PAPA FRANCISCO Y EL EJÉRCITO DE SALVACIÓN
En su primera homilía ecuménica Francisco I contó una sabrosa anécdota de su niñez, cuando los protestantes eran considerados por la iglesia romana como herejes condenados al infierno. El papa argentino tenía 4 años y caminaba con su abuela y vio que del otro lado de la calle caminaban dos mujeres con el uniforme del ejército de salvación. Él preguntó:
– Abuela, ¿esas quiénes son? ¿monjas o religiosas?
– No. Son protestantes, pero son buenas”
Gracias al testimonio del Ejército de Salvación el futuro papa argentino recibió la primera lección de ecumenismo[8].
[2] Booth, William, “La Inglaterra oscura y cómo salir”, Ejército de Salvación, original 1890, edición sin fecha, p.6
[3] Vila, Samuel, “Gran diccionario enciclopédico de anécdotas e ilustraciones”, Editorial Clie, 1959, 1991, Anécdota 2136
[4] Clifton, John y Naomi Clifton; Coke, Kerry y Nick; “Marchando hacia la Justicia – La Organización Comunitaria y El Ejército de Salvación”, Centre for Theology & Community, 2015, Traducción con permiso de Solimar Lugo-Machado, marzo 2017, p. 7
[5] Clifton, John y Naomi Clifton; Coke, Kerry y Nick; Op. cit., p.7
[6] Relatado por nuestro amigo y pastor Gerardo Muniello en su mensaje online del 24 de mayo de 2020, emitido por Youtube
[7] Clifton, John y Naomi Clifton; Coke, Kerry y Nick; Op. cit., p.8 y 9
Este curioso y pequeño pasaje peatonal sobrevive escondido detrás de la Estación Flores. Con una única entrada por la calle Bolivia, corre paralelo a las vías del del Ferrocarril Sarmiento, de las cuales está separado solo por una reja metálica.
Es corto y angosto. Su breve trayecto sirve de frente a una antigua construcción de dos plantas de color gris y reminiscencias art nouveau.
Este edificio de viviendas posee seis puertas en la planta baja, numeradas del 1 al 6, y cuatro balcones en la planta alta.
Además, las bases de los tres últimos balcones se apoyan sobre columnas, formando pórticos que lejanamente nos recuerdan a los del barrio londinense de South Kensington. Nótese el parecido.
El acceso al pasaje se encuentra en Bolivia 202. En la entrada hay dos puertas enrejadas tras las cuales se abre un piso de baldosas. Los pórticos reducen el ancho del pasaje que, más que una calzada, parece una vereda. Se recorre en segundos, terminando contra una pared, por lo que no tiene salida a la calle Condarco.
LA FECHA Y EL CREADOR
Aunque varias fuentes sostienen que “son casas que datan de 1914, construidas por el arquitecto e ingeniero J. Arnaut para ser utilizadas por personal ferroviario”[1], [2], según una inscripción en el propio edificio, el proyecto fue realizado por el ingeniero catalán José Arnavat[3], quien se había radicado en Argentina desde hacía varias décadas.
Foto por Alejandro Machado, utilizada con su permiso
De acuerdo a lo conversado con el Dr. Eduardo Balbachan, la fecha debe ubicarse alrededor de 1908, año del fallecimiento del Ing. Arnavat. Además, nos ratificó que el edificio de viviendas del pasaje Marcoartú fue construido por el FerrocarrilSarmiento para sus obreros.
EL NOMBRE Y EL ORIGEN
El nombre recuerda a Daniel E. Marcoartú[4], el donante del predio. Una resolución municipal del 24 de diciembre de 1906 habla de la cesión que este vecino hizo en favor de la Municipalidad “de la superficie de terreno compuesta de 449 metros 4 decímetros cuadrados con destino a la regularización de las calles Avellaneda y Bolivia”[5] que sirvió para el edificio y el pasaje.
Aparentemente siempre mantuvo el mismo nombre. Dice Alberto Gabriel Piñeiro: “esta denominación, cuya presencia ya puede corroborarse en el Plano Bemporat de la Capital Federal, Índice General de las calles del Municipio, Edición 1931/1932, aún subsiste, conservando su carácter no oficial”[6]. Tal como afirma, aunque formalmente no es un pasaje público ni posee un nombre oficial, se lo conoce y reconoce como Pasaje Marcoartú. Se lo encuentra en Google Maps y las entradas al edificio tienen su propio código postal, C1406GGB. Como ya hemos mencionado, las casas están numeradas de 1 al 6 sin seguir la altura de las calles paralelas.
ACERCA DEL INGENIERO JOSÉ ARNAVAT
José Arnavat se había graduado en la Escuela de Ingenieros de Barcelona, llegando a la Argentina en 1872. En Buenos Aires realizó varias obras, como la Capilla y Colegio de las Hermanas Adoratrices en la calle Paraguay 1419, un petit hotel en la avenida Córdoba 1739[7] y el ex Gran Hotel España en la Avenida de Mayo 930.
En el excelente trabajo de investigación de Alejandro Machado para el Catálogo General del Modernismo Catalán, aparece otra obra suya muy cerca del pasaje Marcoartú, un pequeño hotel familiar en la calle Bogotá 2527[8]. Arnavat, además, fue secretario de la SCA (Sociedad Central de Arquitectos) de la Argentina[9].
UNA HISTORIA QUE PARECE UNA HISTORIETA
Resultó muy difícil recabar anécdotas ocurridas en el pasaje Marcoartú. Solo obtuve una cuya veracidad es dudosa. El relato vino de una anciana que vivió sobre la calle Condarco, del otro lado del pasaje. Según ella ocurrió hace más de sesenta años.
Había un ladronzuelo que vivía del arrebato. Al parecer, tomaba el tren bien temprano en Moreno y cuando se detenía arrancaba carteras o maletines huyendo a la carrera. En la Estación Flores sus robos ocurrían al menos dos veces por semana. Cuando el policía asignado a la estación lo perseguía, el adolescente trepaba la verja del pasaje Marcoartú con una velocidad felina y saltaba la tapia que daba hacia Condarco.
El agente pasaba vergüenza porque el comisario se había hartado de las denuncias, pero él, que lo había pasado mal de chico, no quería usar violencia innecesaria para atrapar el delincuente. Entonces resolvió hacer algo extraño. Durante toda una semana, con las primeras luces de cada día, se dirigió al pasaje a untar de grasa el paredón por el cual trepaba el ratero.
El jueves temprano se escuchó el grito de una mujer a quien le habían robado la cartera. El agente amagó correr y vio una figura escapar y saltar las rejas. En lugar de seguirlo por el andén salió disparado hacia al pasaje donde vio que el muchacho luchaba por encaramarse a la pared, pero resbalaba. Lo detuvo por detrás, lo tiró al piso y le puso las esposas. Cuando lo dio vuelta se dio cuenta que no era el mismo muchacho sino un hombre mayor con un par de cicatrices en la rostro. En la comisaría se enteró que era un ladrón muy buscado cuyo prontuario incluía un homicidio. Según la viejita, el comisario lo felicitó por la detención y nunca de enteró de la treta. En cuanto al jovencito, siguió robando y no hubo grasa que lo detuviera. Tristemente, semanas después apareció muerto en una zanja por la zona de Padua.
BONUS 1: OTRA EVIDENCIA DEL PARECIDO DEL EDIFICIO DEL PASAJE MARCOARTÚ CON LAS CONSTRUCCIONES DE SOUTH KENSINGTON LONDRES
En su trabajo final “Evolución de la Vivienda en París, Buenos Aires y La Plata inserción del Petit-hotel” la Arq. Julieta Derdoy, bajo la dirección del Arq. Fernando Aliata, escribe en la página 71: “Las series de casas estilo cottages típicamente británicas no fueron frecuentes en distintos barrios de Buenos Aires, se pueden ver especialmente en Belgrano. Un pequeño conjunto de casas de sectores medios destacables son el sobrio pasaje Marcoartu en Flores, 1914 y el complejo proyectado por Lorenzo Siegrist, 1913, en Carbajal y Conde en Belgrano”. Los covered back porch son típicos del estilo victoriano.
BONUS 2: UN TANGO QUE MENCIONA A MARCOARTÚ
Hay un tango que menciona al pasaje Marcoartú y hace referencia también a Alejandro Dolina y a su famoso Ángel Gris. Este tango en 1997 recibió una mención especial en un concurso titulado “Un tango a mi barrio”.
(Letra de Daniel Parisi)
Burlona y artera, la noche se anida malandras y santos pierden la razón suena la chicharra, señal de suicidas revientan los tacos en el Odeón. Turbios claroscuros donde sin cautela dibujé la estela de mi juventud. Plátanos heridos ocultan, desvelan dolinescos ángeles sobre el Marcoartú. Flores, tus calles prohibidas me vieron crecer anhelando el fuego de rojas mujeres de lento vaivén. Flores, brilla la indecencia de tu soledad. Ronca la avenida, lucís como el centro de [una gran ciudad Casitas baratas como almidonadas de eternos eneros quietos como el sol rebotan las huellas de mil afiebradas pelotas que nunca se van al “augolî. La vida y la muerte huelen a lavanda contra la muralla de piedra y verdín vamos Baldomero, levántate y anda que hoy dan dos de cowboys en el San Martín. Flores, tus calles prohibidas me vieron crecer anhelando el fuego de rojas mujeres de lento vaivén. Flores, brilla la indecencia de tu soledad Ronca la avenida, lucís como el centro de una gran ciudad.
AGRADECIMIENTOS ESPECIALES
Agradezco al Dr. Eduardo Balbachan por su asesoramiento. Fue el primero en presentarnos esos mágicos callejones a través de su obra “Los ignorados Pasajes de Buenos Aires”, publicada por la Editorial Rodolfo Alonso en 1982 y luego en una versión ampliada y mejorada por Corregidor en 2010. El trabajo del Dr. Balbachan es imprescindible para cualquier publicación sobre el tema y espero que reciba el merecido reconocimiento público por su enorme contribución al conocimiento de la Reina del Plata.
Agradezco también a Alejandro Machado, gran experto en edificios porteños, por siempre compartirme generosamente la información que le solicito El relevamiento que ha hecho de esas obras y sus creadores es extraordinario, reflejando su admirable pasión por la Ciudad de Buenos Aires. Recomiendo su página en Facebook “Cronista de tu Ciudad”, https://www.facebook.com/groups/cronistadetuciudad/ y todos sus blogs, entre ellos, “Red de Blogs de Arquitectura Argentina” http://blogs-patrimoniales.blogspot.com/ junto al recordado Fabio Perlin o el mencionado en este artículo, “Arquitectos Españoles en Argentina y España”, http://arquitectos-argentina-espania.blogspot.com/ en colaboración con el catalán Valentí Pons Toujouse.
[5] Balbachan, Eduardo Luis, “Los ignorados pasajes de Buenos Aires”, Corregidor, Buenos Aires, Argentina, 2010, p..78
[6] Piñeiro, Alberto Gabriel, “Las calles de Buenos Aires, sus nombres desde su fundación hasta nuestros días”, Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, 2ª Edición, 2005, p.162
[7] Liemur, Jorge Francisco y Fernando Aliata, Op. cit., p.70
[9] Liemur, Jorge Francisco y Fernando Aliata, Op. cit., p.71
CRÉDITOS MULTIMEDIA
Todas las fotografías fueron tomadas por el autor de esta nota y es el dueño de todos sus derechos a excepción de la imagen con el nombre grabado del Ing. Arnavat en el edificio del pasaje Marcoartú que pertenece a Alejandro Machado y es utilizada con su permiso.
La palabra cementerio tiene su origen en el término griego koimêtêrion (“dormitorio”) que a su vez deriva de la expresión koimáõ que significa “me acuesto”[1]. Se atribuye a los cristianos el primitivo uso de la palabra cementerio con ese significado: “lugar de los que duermen”. De hecho, el apóstol Pablo llama así a los cristianos que ya han muerto cuando él escribe a mediados del siglo I: “Tampoco, hermanos, queremos que ignoréis acerca de los que duermen, que no os entristezcáis como los otros que no tienen esperanza. Porque si creemos que Jesús murió y resucitó, así también traerá Dios con él a los que durmieron en Jesús”[2].
Para muchas personas el cementerio es un lugar de honda tristeza pues yacen allí los restos de sus seres queridos. Ha sido el lugar de dolorosas despedidas y momentos de profundo recogimiento. En un diálogo que tuve con el escritor argentino Jorge Luis Borges, hablando de la Recoleta comentó:
– El otro día fui a caminar por el cementerio. Allí descansan los restos de mis padres. En ese momento pensé: si mis padres están en algún lugar seguro que no es en este sitio donde todo es polvo y corrupción[3].
Sin embargo, los cementerios no solo producen tristeza sino también nos recuerdan la historia; los epitafios nos acercan a quienes nos precedieron y la arquitectura de muchas tumbas nos hace admirarlas como auténticas obras de arte. Por eso, presentamos aquí cementerios extraordinarios en breves reseñas para que Ud. decida si desea conocerlos.
1. CEMENTERIO DE LA RECOLETA, BUENOS AIRES, ARGENTINA
Aunque el cementerio de la Recoleta fue establecido en 1822, recién en 1881, gracias a una completa remodelación que imitaba el estilo de los cementerios europeos, adquirió su nueva fisonomía[4]. Las décadas siguientes constituyeron la época de oro de la Argentina y las familias adineradas contrataron famosos arquitectos y escultores para adornar las tumbas de sus seres queridos. “Estos príncipes de las pampas copiaron a los burgueses italianos y franceses no solo en sus ropas y en su espíritu, sino también las esculturas que admiraban en los cementerios de Père Lachaise en París y Staglieno en Génova”[5].
Contiene 4,970 bóvedas en sus casi cinco manzanas y media. En su mayoría se levantan como pequeños edificios que contienen ataúdes, altares y símbolos religiosos coronados por ángeles y cruces en sus techos.
Confluyen en ellas una gran cantidad de estilos arquitectónicos como el eclecticismo, art nouveau, el art deco o incluso, el arte egipcio.
Una de las mayores curiosidades, tanto por su diseño como por su historia, es la tumba Tomás Guido quien fuera amigo personal y compañero de armas del General José de San Martín. Su tumba fue levantada por su hijo, el poeta Carlos Guido Spano, con piedras traídas de la Cordillera de los Andes.
Algunos sepulcros, como en de la familia Leloir, de la cual Luis Federico es el más conocido por haber recibido el Premio Nobel de Química en 1970, son imponentes. Otros sorprenden por sus historias y su arte, como el de Rufina Cambaceres.
El Cementerio de la Recoleta reúne la mayor concentración de tumbas de celebridades, empresarios y políticos argentinos, como la de Evita y la de Domingo Faustino Sarmiento. Tanto el cementerio en general como muchas de sus tumbas han sido declaradas sido declaradas Monumento Histórico Nacional.
2. CEMENTERIO DE PÈRE LACHAISE, PARÍS, FRANCIA
Este gran cementerio parisino de calles empedradas y jardines ingleses toma su nombre del confesor del Rey Luis XIV, el padre La Chaise.
Es un lugar verde y apacible ubicado sobre una suave loma con unos 70,000 terrenos cedidos en concesión para tumbas y sepulcros. Muchos de ellos son verdaderos monumentos que homenajean a quienes yacen allí. En particular nos llamaron la atención los recuerdos a soldados muertos, muchos de ellos anónimos, que dieron la vida por su patria.
Además, descansan allí grandes protagonistas de la historia y la cultura francesa, como Molière, Balzac, Champollion, Maria Callas, Edith Piaf e Yves Montand, e incluso extranjeros fallecidos en París como Frédéric Chopin, Oscar Wilde y Jim Morrison.
En el centro del cementerio se encuentra el imponente crematorio que constituye por sí mismo una extraordinaria obra de arquitectura diseñada por Jean-Camille Formigé.
Forma un complejo con el columbario anexo y ha sido declarado Monumento Histórico Nacional.
3. CEMENTERIO JUDÍO, PRAGA, REPÚBLICA CHECA
Este cementerio fue utilizado desde principios del siglo XV hasta 1787. Aunque hoy conserva unas 12,000 lápidas, se estima que debajo de ellas descansan los restos de más de 100,000 israelitas.
Durante más de 300 años fue el único lugar de Praga donde se le permitió a la comunidad hebrea enterrar a sus muertos, por lo que debajo de cada tumba visible hay muchas otras de personas desconocidas que vivieron, amaron y sufrieron.
Está ubicado en Josefov, el barrio judío de Praga, que tiene una triste y larga historia, iniciada cuando en 1096, durante la Primera Cruzada, se obligó a los judíos a concentrarse en un barrio amurallado.
Junto a la entrada del cementerio -cuya visita es conmovedora- se encuentra el antiguo edificio de la Jevrá Kadishá, la fraternidad fúnebre, que se ocupaba de los ritos funerarios que son de gran relevancia para la comunidad judía. El edificio, que se puede visitar, parece un pequeño castillo. Su construcción data de 1906 pero la Jevrá Kadishá de Praga fue creada en 1564[6].
Umberto Eco en 2011 publicó una novela que lleva el nombre del sitio, “El Cementerio Judío de Praga”, donde desenmascara la historia de los tristemente célebres “Protocolos de los Sabios de Sion”.
4. CEMENTERIO NACIONAL DE ARLINGTON, VIRGINIA, ESTADOS UNIDOS
Muy cerca de Washington D.C., apenas cruzando el río Potomac, se encuentra el cementerio militar más grande de los Estados Unidos, el Cementerio Nacional de Arlington.
Fue creado durante la Guerra de Secesión y contiene los restos de veteranos de todas las épocas, desde la Guerra de Independencia de los Estados Unidos hasta las invasiones militares en Afganistán e Irak.
Impacta la enorme cantidad de lápidas blancas en fila con los nombres de hombres y mujeres que sirvieron (y murieron) por su país.
Hay algunas tumbas especiales como la Tumba del Soldado Desconocido o el Memorial a John F. Kennedy que son muy visitadas, pero hay otros sitios importantes de recuerdo como el de las víctimas del fatídico 9-11, el correspondiente a los fallecidos en la explosión del transbordador espacial Challenger y el dedicado a las 259 víctimas del atentado aéreo a un vuelo de Pan Am en Escocia.
El lugar inspira un hondo respeto y mueve a reflexionar sobre la vida, la guerra y la muerte.
5. EL CEMENTERIO O NECRÓPOLIS DE COLÓN EN LA HABANA
Este magnífico cementerio levantado en la segunda mitad del siglo XIX fue creado para albergar la tumba de Cristóbal Colón. Sin embargo, nunca recibió los restos descubridor de América que por aquel entonces yacían en la catedral de La Habana.
Declarado Monumento Nacional, tiene magníficas bóvedas y tumbas anteriores a la revolución castrista, de gran valor histórico, cultural y artístico.
Quizás el sepulcro más visitado sea el panteón de la familia Falla y Bonet; entre otros elementos incluye una pirámide trunca granito gris pulido con un Cristo de bronce sobre ella. Considerada una de las piezas funerarias más bellas del planeta, es creación del escultor español Mariano Benlliure.
Una de las mayores curiosidades es que es el único lugar en la isla -según me explicaron allí- donde existe la propiedad privada. Aunque no hemos podido aún documentarlo, el guía que nos acompañó en la visita contó que por esa razón durante un tiempo una mujer trasladó allí su oficina.
Ángeles, mármoles y cruces en un tono intensamente blanco hacen de este cementerio una extraordinaria galería de escultura al aire libre digna de admirar y visitar.
6. CEMENTERIO GREYFRIARS, EDINBURGO, ESCOCIA
Este cementerio no se destaca como el de la Recoleta, el Père Lachaise o el de Colón en La Habana por su arte, ni tampoco como el Cementerio Judío de Praga o el Nacional de Arlington por el recogimiento, sino por la simpatía y el misterio.
Hablamos de simpatía pues cerca de la entrada se encuentra la famosa estatua de Bobby, el perrito que permaneció durante 14 años -hasta su muerte- junto a la tumba de su dueño. Hay una lápida que recuerda a este Skye Terrier que vivió a mediados del siglo XIX, que, en realidad, se encuentra enterrado en otro lugar del cementerio.
Pero dijimos misterio porque la leyenda cuenta que en el cementerio habita el fantasma de George “Bloody” Mackenzie, un abogado y político que encarceló en una prisión vecina a 1200 covenanters presbiterianos opuestos al gobierno católico que regía el Reino Unido durante la segunda mitad del siglo XVII. Muchos de los reos fueron ejecutados y otros murieron debido al maltrato. Finalmente el rey Jacobo II fue derrocado en la Revolución Gloriosa en 1688 y tres años después Mackenzie murió y fue enterrado en este cementerio. Incluso hay tours nocturnos por el Greyfriars, considerado uno de los lugares más tenebrosos del planeta.
Al lado de Greyfriars se encuentra nada menos que la Georges Heriot’s School, un antiguo colegio que dicen que inspiró Hogwarts, “el mejor colegio de magia y hechicería del mundo”, según la saga de Harry Potter.
De paso, no hay visita a la ciudad de Edinburgo que no incluya la vista de la cafetería donde, según se cree, J.K. Rowling creó al famoso personaje.
7. CEMENTERIO DE LA SAINT’S PAUL CHAPEL, DE LA TRINITY CHURCH, NEW YORK, ESTADOS UNIDOS
La Capilla de San Pablo (en inglés, St. Paul’s Chapel), ubicada sobre la avenida Broadway en el Bajo Manhattan, forma parte de la famosa Trinity Church vecina a Wall Street. Fue construida en 1766, siguiendo el influyente diseño de la iglesia St Martin-in-the-Fields erigida en Londres por James Gibbs en 1721.
Esta iglesia episcopal que sobrevivió a los atentados de 2001 contra sus vecinas, las Torres Gemelas, cuenta en sus jardines con un antiguo cementerio abierto al público que recibe un millón de visitantes por año.
Están enterrados allí varios héroes de la independencia y otros neoyorquinos ilustres. A diferencia de los grandes cementerios, este pequeño camposanto no muestra panteones o bóvedas, sino simplemente tumbas identificadas por lápidas, la más antigua de 1704[7]. Otra sepultura datada en 1750 tiene una estrella sobre la piedra cincelada por un herrero pues en aquel entonces no había especialistas en la zona. En la segunda mitad del siglo XVIII comenzaron a aparecer otros símbolos de fe en las tumbas y en ocasiones algún epitafio acompañando el nombre de las personas y la fecha de su defunción.
Este cementerio declarado Sitio Histórico Nacional es en sí mismo un valioso documento sobre el pasado de la ciudad y la nación, incluso antes de la declaración de su independencia. Constituye, a la vez, un remanso en medio del ajetreo de la Bolsa de Comercio de New York y las agencias bancarias. Invita a meditar sobre la vida y hacer lo que amamos mientras podamos.
CEMENTERIO GENERAL DE CHICHICASTENANGO, GUATEMALA
Guatemala conserva un alto porcentaje de la población indígena, en su mayoría correspondiente a tribus descendientes de los mayas. Entre ellos todavía se practica lo que se conoce como animismo católico, una fusión entre el cristianismo de los conquistadores y las creencias religiosas prehispánicas que mantiene vivas un conjunto de tradiciones, como las procesiones rituales.
En Chichicastenango, sede de un maravilloso mercado indígena que es también el más grande de Centroamérica, se vive una intensa espiritualidad. Según la tradición maya, honrar a los muertos mueve a los vivos a aceptar la inevitabilidad de la muerte.
Su cementerio, ha considerado por la National Geographic como uno de los más coloridos del mundo[8]. Sin embargo, no es un lugar bullicioso; más bien se impone un reverente respeto por los ancestros.
Los parientes pintan las tumbas de diferentes colores y para integrante hay un color asignado según su rol dentro de la familia. Vale la pena admirar las tumbas y entender que a través de sus colores el pueblo expresa su fe.
RESUMIENDO
Desde luego, los cementerios nos recuerdan la pérdida de los seres amados y la brevedad de nuestro paso por la vida, pero también son silenciosos testigos de la historia; en cada visita pueden revelarnos algunos de los secretos del pasado. Además, constituyen un espacio único de arte y arquitectura que nos conmueve por los sentimientos que comunica.
[1] Corominas, Joan, “Breve Diccionario Etimológico de la Lengua Castellana” de Joan Corominas, Biblioteca Románica Hispánica, Gredós, 1961, tercera edición “muy revisada y corregida”, 2000, p.144
Un joven europeo con asombrosas dotes histriónicas visita la corte de un gran rey mogol que está enamorado de una mujer imaginaria. Precedido por dudosos antecedentes el recién llegado logra ganar un espacio en el reino, lo que enciende la ira de sus detractores. A pesar de esa enconada oposición, sus pretensiones ocultas pronto se harán públicas y cambiarán la historia del pueblo.
En forma paralela pero no simultánea, la historia de tres jóvenes toscanos, Nico, Il Machia y Argalia, fluye y confluye hasta que uno de ellos decide romper filas y lanzarse a la aventura de recorrer nuevos caminos emprendiendo una carrera militar. Cada uno debe forjar su propio destino en una Florencia que se ha liberado del tutelaje religioso de Girolamo Savonarola y vive una suerte de destape renacentista bajo el mecenazgo de los Medicis.
Además, sirviendo como puente y centro del relato, aparece una princesa oriental errante, Qara Köz, con alma de hechicera, junto a su inseparable Espejo.
No podemos contar más de esta novela ambientada en el siglo XVI pues esperamos que sus misterios los devele la lectura. Sin embargo, manteniendo esa reserva, resaltamos el peculiar realismo mágico de Salman Rushdie que nos sumerge en el tiempo y en la historia haciendo que lo asombroso parezca natural. En “La Encantadora de Florencia” el autor, un indio radicado en Inglaterra, presenta la confluencia de dos culturas: la oriental y la occidental, cada una con su propia atmósfera: una poblada de imágenes, la otra poblada de ideas. En la intersección de estos conjuntos aparecen los símbolos y también las paradojas, creencias eternas y, a la vez, cambiantes como los sentimientos de los cuales se alimentan: la credulidad y el escepticismo, la apoteosis y el linchamiento, y, desde luego, el amor y el desprecio. Si le gustan los relatos de época y las fantasías, este libro es para Ud.
Quizá el joven protagonista europeo, que se hacía llamar Mogor dell’ Amore, represente al propio escritor: deja una cultura para instalarse en otra contando historias, historias que el público debe decidir si creer o no creer en ellas.
ACERCA DEL AUTOR
Salman Rushdie, nacido en 1947, se hizo famoso por su novela “Los Versos Satánicos” de 1988, considerada blasfema por algunos grupos musulmanes cuyas autoridades promovieron el asesinato del escritor llegando a poner precio a su cabeza. Debido a la gravedad de las amenazas Rushdie ha pasado largos años en la clandestinidad protegido por el gobierno británico. Pese a ello, en lugar de acomodarse a lo “políticamente correcto” ha sido fiel a sus convicciones expresándose libremente a través de la escritura. En 2007 fue la Reina Isabel II le otorgó el título de caballero a pesar de la indignación del mundo islámico.
Norman Foster creó algunos de los edificios más originales e impactantes de fines del siglo XX y principios del siglo XXI. Como Zaha Hadid, César Pelli, Frank Gehry y Santiago Calatrava, logró unir estructura, tecnología y arte rompiendo con los moldes que lo precedían.
The Gherkin, la monumental creación de Norman Foster con forma de misil en Londres, Inglaterra; delante, las torrecillas de la St Andrew Undershaft Church
Nacido en 1935 en Manchester, Inglaterra, estudió arquitectura en su ciudad natal y luego hizo una maestría en la Universidad de Yale en Estados Unidos. Poco después de su regreso se asoció a Richard Rogers, otro extraordinario arquitecto; junto a él, Su Rogers y Wendy Cheesman conformó en Londres el legendario estudio Team 4 en los años ’60. Luego fundó su propio estudio que hoy está presente en más de 20 países y cuenta con unos 1200 empleados. Ha recibido el premio Pritzker, una especie de Premio Nobel de la Arquitectura, en 1999 y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2009.
EL MOVIMIENTO “HIGH-TECH”
Norman Foster tempranamente adhirió al High-Tech, que consagra los últimos adelantos industriales, tales como el uso del vidrio y del acero, a la arquitectura de su tiempo. Uno de los primeros frutos de este movimiento es el Centro Pompidou de París, del mencionado Richard Rogers, Renzo Piano y Peter Rice.
Centro Pompidou de París, una de las primeras muestras del movimiento High-Tech, creación de Richard Rogers, Renzo Piano y Peter Rice.
A primera vista podría decirse que el High-Tech era
un movimiento rebelde e innovador; sin embargo, “exaltaba tecnologías que pasaban
rápidamente a la historia. No es difícil ver en los edificios de Rogers y
Foster una nostalgia por la maquinaria victoriana y una fría pasión por los
últimos adelantos en materiales y métodos estructurales”[1].
LOS APORTES DE NORMAN FOSTER
Jonathan Glancey afirma: “a comienzos del siglo XXI, a Foster se le considera por unanimidad el arquitecto con más éxito del mundo… Esto se debe, por un lado, a su dinamismo y, por el otro, al gran equipo que le rodea… Pero más importante aún ha sido el hecho que su arquitectura ha conectado con su generación…”[2].
Vista interior de la cúpula del Reichstag, en Berlín, Alemania, creación de Foster
En nuestra opinión, Norman Foster es un genio creativo cuya
ambición por innovar nunca se detiene. Se ha dicho que “los edificios de
Foster realmente son high-tech; no pueden ser superados ni siquiera por algo
que un inventor pudiera idear para un servicio de inteligencia”[3].
Los invitamos a conocer algunas de sus obras:
1. THE GHERKIN (“EL PEPINILLO”), EN 30 ST. MARY AXE
(LONDRES, INGLATERRA)
Originalmente denominado Swiss Re Building, este edificio se encuentra cerca de la Tower of London (en español, la Torre de Londres). Cuenta con 40 plantas y 180 metros de altura. Parece sacado de una película futurista. Aunque se lo conoce como “El Pepinillo”, su diseño nos recuerda a un cohete, un misil o a una bala.
Construido por la empresa sueca Skanska, fue inaugurado en 2004. Por su sistema de ventilación, su esqueleto de acero y sus paredes de vidrio consume la mitad de la energía de un edificio tradicional del mismo tamaño. El diseño aerodinámico de Foster también busca aprovechar el flujo del viento.
Su peculiar aspecto y su imponente altura lo hacen visible
desde largas distancias, habiéndose convertido en una de las construcciones más
emblemáticas de la ciudad.
2. LA NUEVA CÚPULA DEL REICHSTAG Y LA REMODELACIÓN DEL
EDIFICIO (BERLÍN, ALEMANIA)
La modernísima y espejada cúpula no es la única intervención de Norman Foster en el Reichstag, sede del Parlamento Alemán; el célebre arquitecto inglés fue el responsable de la remodelación completa del edificio que había sido levantado en el siglo XIX y luego devastado por los bombardeos de la 2ª Guerra Mundial.
La remodelación se realizó entre 1996 y 1999, respetando su fachada neoclásica. Foster comentó al respecto “El enfoque más simple hubiera sido destripar el Reichstag e insertar un edificio moderno en lugar del marco existente. Pero cuanto más nos fijamos en la conciencia del edificio, más nos dimos cuenta de que la historia aún resonaba en su interior y que no podíamos simplemente eliminarla”[4]. Por ello conservó la estructura original, manteniendo y destacando las diversas capas históricas que representa, uniendo pasado y presente.
La cúpula original del edificio hecha en metal y vidrio quedó seriamente dañada en 1933 cuando, un mes después del nombramiento de Adolf Hitler como canciller, un incendio provocado destruyó la sala plenaria del Parlamento Alemán. Luego, hacia el final de la 2ª Guerra Mundial, el Reichstag fue blanco de los soviéticos que erróneamente lo consideraban un emblema del dominio nazi. Durante muchos años aquel glorioso edificio quedó en ruinas. Sin embargo, tras la caída del Muro de Berlín, el gobierno decidió trasladar su sede a Berlín y remodelar el primitivo templo de la democracia alemana.
La actual cúpula vidriada creada por Norman Foster diferencia el viejo Reichstag del nuevo, el pasado del presente. Además su diseño 360º representa a la nueva Alemania surgida tras la caída del muro de Berlín: una nación unida y sin exclusiones.
Parece un enorme jardín de invierno cuya luminosidad representa transparencia. En su centro hay una suerte de embudo formado por 360 espejos.
Además, se puede pasear por las terrazas que la rodean, teniendo bellas vistas de la ciudad que estuvo dividida durante la mayor parte de la segunda mitad del siglo XX.
3. JEFATURA DE GOBIERNO DE LA CIUDAD (BUENOS AIRES,
ARGENTINA)
En una decisión estratégica, la Jefatura de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires decidió trasladarse al sector sur de la ciudad. Para la nueva sede ubicada en el barrio de Parque Patricios, Norman Foster y su equipo diseñaron un edificio que ocupa toda la manzana.
La elección del vidrio para las paredes no fue casual: no solo inunda de luz natural las oficinas, sino que representa la transparencia que debe regir en la administración pública, promoviendo, además, la comunicación franca entre los colaboradores.
Este centro cívico de techo ondulado de hormigón a la vista fue inaugurado en abril de 2015. Puede albergar hasta 1,500 empleados. Posee un innovador diseño con un layout adaptable a los cambios de la estructura organizacional. Además, cuenta con terrazas internas donde se encuentran las estaciones de trabajo distribuidas en cuatro niveles y dos grandes patios.
La Casa de la Ciudad se encuentra en armonía con el entorno natural del parque adyacente y con la arquitectura de un barrio que supo tener una fuerte impronta fabril.
4. HEARST
TOWER (NEW YORK, ESTADOS UNIDOS)
Subiendo por la 8 Av., muy cerca del Columbus Circle, el Lincoln Center y el Central Park se encuentra la obra más emblemática de Norman Foster erigida en Manhattan. Es la sede central de Hearst Corporation, un holding dedicado a la comunicación.
Inaugurada en 2006, la torre de vidrio y acero se levanta sobre un edificio de seis plantas construido en 1928, cuya fachada original se conserva.
El caminante se sorprende al ver este curioso diseño de 46 plantas y 182 metros de altura, sostenido y a la vez decorado por soportes triangulares que proveen una sensación de movimiento.
El edificio ha recibido varios premios de arquitectura y es
el primer rascacielos ecoamigable de New York, con una gran cantidad de
avances tecnológicos que reducen el consumo de energía y, a la vez, ofrecen un
alto confort. La Hearst Tower es otra prueba de la triada distintiva de Foster:
innovación, estética y solidez.
5. QUEEN ELIZABETH II GREAT COURT, MUSEO BRITÁNICO
(LONDRES, INGLATERRA)
Se trata del gran salón de ingreso al Museo Británico. Una suerte de cilindro, en cuyo interior hay una magnífica sala de lecturas, ocupa el centro. Alrededor suyo, el techo está cubierto con un diseño teselado hecho en vidrio y acero, los materiales favoritos de Foster. Un teselado es un patrón de figuras que tapiza totalmente una superficie plana sin huecos ni figuras superpuestas.
Por décadas la Great Court estuvo ocupada por estantes de tres pisos de altura correspondientes a la Biblioteca Británica. En 1997, cuando la colección de libros fue trasladada a otro edificio, se abrió la oportunidad de recuperar este magnífico espacio.
Foster y su estudio convirtieron el patio interior del British
en la plaza pública cubierta más grande de Europa. Inaugurada en 2000, también
presenta restaurada la decoración original de 1846 con su vestíbulo neoclásico
de entrada.
6. AYUNTAMIENTO DE LONDRES
(LONDRES, INGLATERRA)
El Ayuntamiento de Londres está ubicado en la orilla del río Támesis, muy cerca del famoso Tower Bridge (en español Puente de la Torre). Realizado bajo diseño de Norman Foster, fue inaugurado en 2002. Su peculiar aspecto nos recuerda el caparazón de un caracol, aunque se dice que deriva de una esfera.
Con una superficie vidriada de tonalidades azules y grises
ha embellecido la ribera en la zona de Southwark. Por dentro, una larga
escalera en espiral llega hasta lo más alto de este llamativo edificio de 10
plantas.
7.
MILLENNIUM BRIDGE (LONDRES, INGLATERRA)
Muy cerca de la St. Paul Cathedral (la Catedral de San Pablo) se encuentra el Millenium Bridge, un puente peatonal sobre el río Támesis cuyo original diseño, visto a la distancia, provee una sensación de sinuosidad. El diseño de Norman Foster y su estudio, en conjunto con Sir Anthony Caro y Ove Aru & Partner, cuenta con dos plataformas de soporte y un sistema de cables que lo hace colgante.
Tras ganar el concurso para su construcción en 1996, recién fue inaugurado en 2000; sin embargo, problemas de balanceo al soportar un alto peso durante su inauguración obligó a cerrarlo. Tras reforzar su estructura, fue reabierto en 2002; hoy es muy visitado por locales y turistas que al cruzarlo tienen la sensación de estar muy cerca del agua.
Un detalle curioso es que el film “Harry Potter y el misterio del príncipe” aparece el Millennium Bridge que es destruido por los “malos” de la película.
El genio de Norman Foster brilla a través de sus obras, siempre sorprendentes, consistentes e innovadoras. Nadie sabe aún cómo serán los edificios del futuro, pero estamos seguro que este extraordinario creador británico lo ha anticipado.
“Hahn” en alemán, “Coq” en francés, “Rooster” en inglés o “Gallo” en español, es una obra de la artista alemana Katharina Fristch. Fue presentada al público por primera vez en 2013, en Trafalgar Square, la famosa plaza ubicada en el corazón de Londres.
Dos hechos nos sorprenden: sus gigantescas dimensiones y su impetuoso color azul. “Las personas se ven a ellas mismas en los animales; este gallo representa fuerza y personalidad en medio de esta plaza, ahí está con la cabeza bien alta” dijo su creadora durante la primera exhibición. “el gallo debía de ser azul porque es el color de las muchas interpretaciones: los frescos del arte italiano, el azul que aquí (Reino Unido) llaman real porque lo lleva el estandarte de la monarquía, el color intenso del mar y del cielo que a tantos artistas ha inspirado a lo largo de la historia”[1].
Más allá de los simbolismos y las alusiones, la artista creó una figura esbelta y vigilante que comunica dignidad; además, el color añil no solo lo vuelve intenso sino absolutamente original. Con sus más de cuatro metros de altura, el gallo de Katharina Fristch impone autoridad.
“Hahn” fue realizado en resina de poliéster reforzada con fibra de vidrio y fijada sobre una estructura de de acero inoxidable. Tuve la suerte de admirarla en la terraza del Edificio Este, de la National Gallery de Washington DC, Estados Unidos, dedicado al Arte Moderno, en octubre de 2016. Una inscripción indicaba que pertenecía al Glenstone Museum, Potomac, Maryland.
ACERCA DE KATHARINA FRISTCH Y SU ARTE
Esta artista alemana nacida en 1956 realizó inicialmente estudios superiores en Historia e Historia del Arte en la Universidad de Münster (WWU), pero en 1977 pasó a la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, también de su país. Luego se desempeñó como Profesora de Escultura en esa misma academia. La creación de figuras de gran tamaño y el uso de una intensa monocromía caracterizan sus obras.
Originalmente trabajaba a mano, pero desde hace unos años envía a fábricas detalladísimas instrucciones para la construcción de moldes para sus creaciones. Por lo tanto, puede haber varias obras idénticas basadas en un modelo diseñado por ello y fundidas en el mismo molde.
Katharina Fristch es de aquellas artistas que prefiere que las obras hablen por sí mismas.
[1] Rodríguez, Conxa, “Gallo, que no gallina”, Diario “El Mundo”, Madrid, España, edición digital del 26/03/2013
CRÉDITOS MULTIMEDIA
Todas las fotografías y videos fueron tomados por el autor de esta nota y es el dueño de todos sus derechos a excepción de las dos últimas, tomadas del sitio http://art-sheep.com/art-sheep-features-katharina-fritsch-2/ y del sitio https://curiator.com/art/katharina-fritsch/oktopusrespectivamente.
“Safe” es una nueva miniserie presentada por Netflix. El personaje central es interpretado por Michael C. Hall, el protagonista de la serie Dexter. Ambientada en un suburbio indefinido de una ciudad de Inglaterra, transcurre mayormente dentro de un barrio cerrado de gente adinerada, donde todos suponen que se conocen.
La trama comienza con la desaparición de una pareja de adolescentes tras una descontrolada fiesta en una de las glamorosas casas de dos plantas, jardín y piscina, organizada por una joven durante un viaje de sus padres. A partir de allí se suceden la búsqueda, los descubrimientos y las revelaciones, que muestran -como suele ocurrir- que nada es lo que parece.
Podría decirse que hay dos historias: la de los padres -la principal- y la de los hijos, menos desarrollada aunque paralela. De todos modos, el guionista se las arregla para hacernos notar que no existe una sin la otra, y que es la dinámica familiar la que determina cada comportamiento. Además, aunque es obvio para una serie de intriga, resalta el necesario contraste entre la imagen pública y el verdadero interés que subyace debajo de las apariencias. No es exagerado decir que es un show de agendas ocultas.
En mi opinión, “Safe” mantiene la tensión y atrapa al espectador todo el tiempo, pero abusando de los golpes de efecto. Con tanta novela de suspenso, sorprender al espectador resulta cada vez más difícil, pero la exageración puede quitarle credibilidad al relato.
Lo mejor reside en el último capítulo, donde -entre otros méritos- la historia se muestra desde el otro lado, contando lo que no se vio en los otros siete capítulos. La sucesión de acontecimientos conducen a un inesperado desenlace, por el cual la serie es digna de verse hasta el final.
Bill Gates, en su libro “Camino al Futuro”, publicado en los ’90, señaló que el error de IBM, empresa que perdió el liderago en computadoras personales, consistió en diseñar software que solo fuera compatibles con sus propios sistemas operativos. Netflix está padeciendo algo parecido. Ha dejado de ser una compañía de películas y series a demanda para convertirse en una productora que da prioridad a sus propios contenidos.
El cliente cada vez tiene menos opciones para elegir. Cerca del 50% de las sugerencias de Netflix a sus clientes son producciones propias. Uno entiende que en economías de escala es mejor negocio invertir en la creación de films y series que pagar regalías a competidores, pero llega un punto donde el espectador ya no encuentra lo que desea y lo busca en otro lado y en otra compañía.
Netflix ha transformado la forma de ver películas: la persona ya no necesita ir al cine, sino que el cine la visita. Ella misma puede elegir cuando y dónde quiere ver una serie y en qué dispositivo (celular, laptop, tablet, TV), a un precio accesible: eso lo ha convertido en un gigante.
Sin embargo, su estrategia, sin duda beneficiosa para sí mismo en el corto plazo, lo ha hecho levantar muros y el cliente hoy no necesita un hueco para escaparse, pues las puertas están siempre abiertas. Espero que no termine comulgando con Henry Ford cuando decía “el cliente puede elegir el color del auto siempre y cuando sea negro”.
Belfast, capital de Irlanda del Norte, ha sido famosa por la violenta lucha entre católicos y protestantes. Quizás alguno recuerde aún al IRA, el Ejército Republicano Irlandés, una organización terrorista que luchaba por la separación de Irlanda del Norte de la Corona Británica. Menos conocidos han sido los grupos paramilitares unionistas, que actuaban fuera de la ley como una suerte de contraterrorismo, torturando y asesinando a sus presuntos enemigos. Películas taquilleras como “Juego de Patriotas” y “Peligro inminente” o films extraordinarios como “En el nombre del Padre” han abordado la confrontación entre estas fuerzas antagónicas.
Me imaginaba una ciudad neblinosa y hostil. En 2001 o 2002, ya no recuerdo, pude conversar en Buenos Aires con un amigo que la había visitado. “Me pareció una ciudad muy rara” me dijo, y comentó la sensación de desconfianza que percibió de la gente.
En 2017 decidí conocerla personalmente. Ya habían pasado casi 20 años de la firma del Acuerdo de Paz y había conocido otras personas habían estado allí, quienes me aseguraron que se podía recorrer sin peligro.
PRIMERA IMPRESIÓN
Al aterrizar, inmediatamente se advierte que hay algo que une a todos los irlandeses del norte: el fútbol. Probablemente sea el único país en el mundo cuyo aeropuerto lleva el nombre de un futbolista: George Best (1943-2005), quien jugó once temporadas en el Manchester United y, además de muchos títulos, obtuvo un Balón de Oro. Su nombre se encuentra en todas partes de la ciudad.
Aunque, como siempre, me había preparado para la visita, luego de dejar el equipaje en el hotel hice una caminata exploratoria por los lugares cercanos. La primera impresión fue como estar en un suburbio de Londres.
A lo largo del camino uno encuentra murales y flores que intentan darle color a la ciudad, pero no logran menguar esa tonalidad gris conferida por el color de sus edificios y su cielo cubierto de nubes.
Se ven numerosos pubs e iglesias. Recordé, no sin una sonrisa, algo que escuché en Jamaica: “aquí en cada cuadra hay un bar y una iglesia para que cada persona pase con facilidad de un estado al otro”.
PASEO 1: EL CITY TOUR
Quizás el primer recorrido recomendado sea un city tour, de los muchos que se ofrecen en buses rojos. Es una buena forma adquirir un panorama general de Belfast y sus alrededores. Brinda experiencias de dos tipos: sitios de interés específicos y una visión general de los barrios. Veamos algunos de los lugares más interesantes del recorrido.
a. Albert Clock
Es una torre con reloj en Queen’s Square, erigida en 1869. Se trata de uno de los monumentos más emblemáticos de la ciudad.
b. St Anne’s Cathedral
En español, Catedral de Santa Ana, es considerada la Catedral de Belfast. Está ubicada en Donegall St. Aunque pertenece a la Iglesia de Irlanda (protestante), curiosamente sirve a dos diócesis: la de la Iglesia de Irlanda y la Católica Romana, aunque no es sede de ninguna de las dos. Fue levantada en 1899.
c. Castillo de Belfast
Durante todo el camino se contemplan construcciones de interesante arquitectura tradicional y moderna, incluyendo centros educativos, templos y viviendas. La más llamativa es el Castillo de Belfast. Se ubica en una de las laderas Cave Hill, una colina a casi 7 kilómetros de la ciudad.
El edificio es propiedad del Ayuntamiento de Belfast, tiene bellos jardines y espléndidas vistas panorámicas.
Construido sobre las ruinas de una fortaleza normanda del siglo II, fue levantado en 1870 en piedra arenisca. Fue diseñado por el influyente arquitecto e ingeniero Charles Lanyon.
d. Crumlin Road Courthouse y Crumlin Road Gaol
Durante el paseo se destaca es la Crumlin Road Courthouse donde antiguamente funcionaban tribunales. Fue diseñado también por Charles Lanyon e inaugurado en 1850.
Enfrente está la Crumlin Road Gaol, una vieja cárcel, ya abandonada. Ambos edificios están comunicados por un pasadizo subterráneo, cuya función era el traspaso de los detenidos, reduciendo el riesgo de fuga.
e. Barrios protestantes y católicos
La visita atraviesa luego barrios de clase media baja protestantes y católicos, famosos por sus murales, que veremos con mayor detalle en la visita en un black cab.
Por ejemplo, en Shankill Road donde se observa un famoso mural que testimonia el asesinato de cinco civiles protestantes por un acto de terrorismo.
También se ve uno muy famoso de Bobby Sands, un católico que murió a causa de una huelga de hambre en una prisión oficial.
George Best omnipresente, en este caso junto a un mural que recuerda a Robert Dougan, un líder protestante asesinado a los 38 años de edad, poco antes de firmarse el Acuerdo de Paz. Dougan había sido vinculado a un grupo paramilitar pro británico.
UN POCO DE HISTORIA
Irlanda es la menor de las dos grandes islas británicas. Evangelizada por San Patricio en el siglo V. A mediados del siglo XVII se vio obligada a someterse al trono británico. La Reforma protestante nunca llegó a permear la sociedad irlandesa que en su mayoría siguió siendo católica, salvo en el norte. Por aquel entonces estaba conformada por un campesinado católico muy pobre y pequeños grupos protestantes en posiciones influyentes.
A mediados del siglo XIX se abatió sobre Irlanda la hambruna más grande de su historia. Se estima que murieron un millón de personas y otro millón se vio forzado a emigrar. Esas absurdas muertes generaron un enorme resentimiento. En vista de la indiferencia de la Corona, en la diáspora se organizó el movimiento independentista irlandés que propiciaba el camino armado. El campesinado se rebeló contra los terratenientes. Si bien hubo medidas que redujeron la tensión, no lograron mitigar el sentimiento nacionalista del pueblo irlandés y su deseo de independencia.
Así surgieron dos fuerzas nacionalistas irlandesas: el Partido Parlamentario Irlandés, fundado por un joven protestante, C. S. Parnell, que proponía la autonomía irlandesa dentro del Reino Unido y una fuerza republicana que impulsaba el rechazo total y completo a la anexión, propiciando una Irlanda completamente independiente. Entre 1919 y 1921 se desató una brutal guerra civil entre el IRA (el Ejército Republicano Irlandés) contra el ejército británico y los Black and Tans (en español, Negros y Quemados), fuerzas paramilitares pro unionistas. Finalmente, se firmó el Tratado Anglo Irlandés, por el cual la nación quedó dividida en dos regiones: Irlanda del Norte quedó formando parte del Reino Unido, con cabecera en Belfast, mientras Irlanda del Sur se autoproclamó como el Estado Libre Irlandés, con capital en Dublin. Sigamos el camino para luego retomar la historia de Irlanda del Norte.
PASEO 2: UNA CAMINATA POR UNIVERSITY ROAD: VISITANDO LA BELFAST VICTORIANA
En Belfast todo queda cerca y se puede ir caminando a la mayoría de los sitios de interés. No hay construcciones medievales. Los edificios más importantes fueron levantados en su mayoría en el siglo XIX.
Tampoco es una ciudad rica. Más bien, la decadencia del esplendor victoriano se revela en las construcciones más tradicionales, varias de la cuales se pueden conocer recorriendo a pie una amplia avenida, University Road. Se ha convertido en un importante sector comercial donde En ella confluyen antiguas iglesias y una prestigiosa universidad.
a. Queen’s University:
Universidad pública fundada en 1849, Entre sus alumnos se han destacado el Premio Nobel de Literatura Seamus Heaney y el actor Liam Neeson.
b. Elmwood Hall
Es una vieja iglesia presbiteriana, situada frente a la Queen’s University, que ha sido convertida en sala de conciertos. Fue levantada entre 1860 y 1862, en estilo ecléctico en el que prevalecen rasgos italianos. Tiene una torre rematada en aguja y campanario.
c. Crescent Church y University Road Methodist Church
Crescent Church es una iglesia construida por el arquitecto John Bennie Wilson en 1887. Originalmente fue presbiteriana, pero desde hace años pertenece a los Plymouth Brethren, en español Hermanos Libres, un grupo evangélico basado en las enseñanzas de la Biblia.
Sobre la misma calle, detrás a la derecha, se ve la torre de la que fuera la University Road Methodist Church, con su torre de arquitectura veneciana, de hermoso colorido provisto por la arenisca roja. Fue levantada en 1865 por el arquitecto William J. Barre.
PASEO 3: EL CORAZÓN DEL BELFAST: DONEGALL SQUARE
El corazón de la ciudad es Donegall Square, la plaza donde se encuentra el famoso Ayuntamiento de Belfast. Allí el movimiento es incesante todos los días.
a. Ayuntamiento (City Hall)
Sin duda es el edificio más importante y admirado de la ciudad. Para mí, la vista más interesante es desde Donegall Place, que corre al lado norte y es la principal calle comercial de la ciudad.
La construcción del edificio, de diseño neoclásico, estuvo a cargo del arquitecto Alfred Brumwell Thomas; las obras se iniciaron en 1898 y finalizaron en 1906. Tiene una enorme cúpula central -hoy de color verde debido a la oxidación del cobre- que mide 53 metros de altura; además cuenta con cúpulas más pequeñas en los cuatro extremos del edificio.
Está rodeado de hermosos jardines. Pese a ser parte del Reino Unido, la bandera británica solo flamea en ocasiones especiales evitando provocaciones.
Es posible visitarlo. Si no tiene tiempo, aunque sea aproveche a admirar su bella recepción.
Desde allí puede contemplar la vista interior de la gran cúpula.
b. Scottish Provident Building
Este glamoroso edifcio se encuentra a uno de los lados del City Hall; fue construido entre 1897 y 1902. Es un centro de oficinas y en la planta baja tiendas y cafés.
c. Church House
Muy cerca se encuentra la Church House, sede de la Iglesia Presbiteriana en Irlanda, se utiliza como centro de conferencias. Fue erigido en 1905 en estilo gótico. Cuenta con una torre de 40 metros que en lo alto cuenta con reloj y campanario.
d. Provincial Bank And Ulster Reform Club
Del otro lado pero dentro de la misma zona céntrica se encuentran dos interesantes edificios, uno junto a otro: el Provincial Bank And Ulster Reform Club.
El edificio del Ulster Reform Club es el club de negocios y social más prestigioso de Irlanda del Norte. Además cuenta con un famoso restaurante. Su color rojo y su empinada cúpula lo distinguen claramente de su vecino. Por delante se encuentra el edificio del Provincial Bank of Ireland fue levantado entre 1864 y 1869. Su fachada de piedra arenisca color gris claro cuenta con interesantes tallas y altas puertas de madera.
Digamos además que en esta zona que hay tiendas de marcas reconocidas y signos de modernidad en medio edificios tradicionales.
PASEO 4: LOS ALREDEDORES DEL RÍO LAGAN Y VICTORIA SQUARE
Belfast es una ciudad pequeña; se estima que, incluyendo sus suburbios, no alcanza el millón de habitantes. A diferencia de Europa hay poca presencia de inmigrantes de África, Asia o América. Solo se habla inglés e irlandés. Precisamente, su nombre en esta lengua, Béal Feirste, significa banco de arena en la desembocadura del río haciendo referencia al río Lagan, que muy cerca se abre hacia el mar. En Belfast todo lo marítimo atrae. Allí están los astilleros donde se construyó el Titanic y se puede visitar su moderno museo.
Además, no todo lo destacado tiene tufillo victoriano. Caminando desde el Ayuntamiento en dirección al este se ingresa a una zona más moderna, con centros comerciales, edificios públicos, vías peatonales, esculturas al aire libre y calles que bordean al río y sus adyacencias. Las calles más importantes allí -anchas como avenidas- son dos paralelas: Victoria St. y Oxford St. que se vuelve costanera.
Cerca de los tribunales llamados en inglés Royal Courts of Justice hay amplias plazas por donde caminar y relajarse, mientras uno admira pequeños detalles de escultura urbana que embellecen la ciudad.
Simplemente hay que dejarse llevar y caminar por la zona para descubrir una arquitectura totalmente diferente. Hay joyas que no pueden pasar inadvertidas:
a. Waterfront Hall
Es un centro de convenciones sobre Lanyon Place, diseñado por el Estudio de Arquitectura Robinson McIlwaine. Una de las secciones del complejo parece una proa de un barco. Fue terminado en 1997.
b. The Soloist Building
Otro edificio futurista en la zona en el Soloist Building(“El Solista” en español). Fue inaugurado en 2014. El original diseño fue realizado por el Estudio de Arquitectura e Ingeniería WDR & RT Taggart
c. Sheep on the road
Tomando como base grandes espacios, La zona combina la frescura del río con modernos edificios vidriados, renovando una Belfast que había envejecido. Sin embargo, los norirlandeses no olvidan la nota espiritual, mediante árboles, plantas y flores e interesantes esculturas, como “Sheep on the road”, de la escultora Deborah Brown que embellece un parque embaldosado. La obra es de 1990 pero fue reubicada en 1999 dentro del Laganside Art Trail, donde se disfruta ahora.
d. Lanyoyn Quay
Lanyon Quay es un edificio con vistas a Oxford St. y el río Lagan.
En su costado sobre Oxford St. tiene una obra en varios murales llamada “Dreams”, de la artista local Rita Duffy. Consiste en 40 paneles de aluminio con retratos de niños y la palabra soñar escrita en diferentes idiomas.
e. Beacon of Hope
“Faro de esperanza”, su nombre en castellano, es la escultura más emblemática de Belfast. Fue realizada en acero inoxidable y bronce fundido por el escultor Andy Scott.
Presentada en 2007, mide 19.5 metros de altura (es la segunda escultura más grande de la ciudad; la más alta es Rise, una esfera de metal que no tuvimos la oportunidad fotografiar). Este ícono de la ciudad tiene como propósito recordar que siempre debemos ser agradecidos.
f. Victoria Square
Aproveche para ver apacibles vistas del río Lagan desde el puente vecino a Beacon of Hope. Luego ascendamos la calle y busquemos Victoria St. Allí encontraremos un intenso movimiento peatonal y vehicular, donde siempre puede haber una sorpresa.
Desde varias cuadras de distancia se advierte la gran cúpula de Victoria Square, un enorme centro comercial de cuatro plantas inaugurado en 2008. Es paso obligado de los turistas, que disponen allí de un centenar de tiendas, restaurantes, cafés y sitios de esparcimiento.
Victoria Square es, en realidad, un conjunto de edificios interconectados. La cúpula tiene 35 metros de diámetro y se eleva sobre el área pública de la planta baja.
g. Spirit of Belfast
Una de las salidas de Victoria Square es por una calle peatonal que nos conduce hasta Arthur Square, principal vía de acceso al centro comercial. Allí se encuentra el “Spirit of Belfast”, una escultura hecha en acero por el artista norirlandés Dan George en 2009. Es punto de encuentro y descanso para los transeúntes que se sientan en el borde de la piedra circular donde se apoya. Vale la pena pasar por allí y admirar también los bellos edificios que la rodean.
PASEO 5: UN PASEO EN BLACK CAB POR BARRIOS CATÓLICOS Y PROTESTANTES
Es un buen momento para retomar la historia. Al convertirse en 1922 la región sur de Irlanda en un estado libre (al que hoy llamamos República de Irlanda) , el Parlamento de Irlanda del Norte votó continuar bajo la soberanía británica. Sin embargo, existía una profunda división entre unionistas (pro británicos) y republicanos (pro Irlanda unida), que en general coincidían con su adhesión al protestantismo y al catolicismo respectivamente. En aquella época los católicos nacionalistas representaban un 35% de la población, pero en la década del ’60 las proporciones comenzaron a igualarse.
En 1968 estalló el Conflicto de Irlanda del Norte, conocido en inglés como The Troubles, que duró 30 años y se cobró más de 3,000 muertos y 50,000 heridos, donde la NICRA, una asociación formada por católicos republicanos reclamó la igualdad de derechos con los protestantes unionistas en forma violenta. Luego se involucraron dos fuerzas: el IRA, el clandestino Ejército Revolucionario Irlandés, en defensa de los católicos -en realidad, los nacionalistas irlandeses- y el UVF (Fuerza Voluntaria del Ulster), organización unionista, leal a la Corona Británica.
En la década del ’70 el conflicto escaló a niveles inesperados. El sanguinario IRA Provisional (una escisión del IRA oficial) con sus mortíferos atentados que incluían civiles protestantes indefensos, y la reacción de la UFV y la nueva Ulster Defence Association, con sus brutales asesinatos de católicos, convirtieron a Irlanda del Norte y en particular a Belfast en un campo de muerte.
A principios de los ’80 miembros diez integrantes del IRA Provisional y de otra fuerza guerrillera murieron en una huelga de hambre. El primero de los presos políticos fallecidos era Bobby Sands, que había sido electo como miembro del parlamento durante su huelga. Su imagen está grabada en uno de los muros exteriores del Sinn Féin, brazo político del IRA. En la actualidad, cada vez que el secretario de ese partido hace declaraciones lo hace teniendo la imagen de Sands como fondo, pues se volvió un símbolo de su lucha.
Margaret Thatcher dijo sobre él: “Mr. Sands era un criminal convicto. Eligió acabar con su propia vida. Esa es una elección que su organización no permite a la mayoría de sus víctimas”.
Esta guerra fratricida se prolongó con breves treguas hasta los ’90. Se redujeron los asesinatos, pero persistió un combate por desgaste en el que cada contrincante prefería una victoria pírrica a ceder un ápice a su enemigo. Por algo se llamó a esta etapa “la guerra larga”. Sin embargo, mientras la guerra parecía interminable y se producían masacres de ambas partes, había negociaciones secretas por la paz, entre Gerry Adams, máximo dirigente del Sinn Féin, y líderes unionistas, que permitieron una precaria tregua en 1994, rota por una serie de venganzas y ajustes de cuentas que presagiaban una guerra sin final.
Se llegó así al famoso Acuerdo de Viernes Santo de 1998, que entre otras muchas medidas, proponía el desarme de los grupos paramilitares, la retirada de las tropas británicas, la liberación condicional de los presos pertenecientes a las organizaciones clandestinas que respetasen el alto el fuego y cambios en el sistema electoral que permitiesen la plena representación de las comunidades protestante y católica. Además, como parte del acuerdo, la Irlanda independiente debía renunciar a su reclamo constitucional de soberanía sobre Irlanda del Norte. Estos acuerdos fueron sometidos al voto popular siendo ampliamente aprobados. Por este logro, David Trimble, líder del Partido Unionista del Ulster (UUP) y John Hume, líder del católico Partido Social Demócrata Laborista (SDLP), obtuvieron ese año el Premio Nobel de la Paz.
Sin embargo, el accionar de las fuerzas paramilitares de ambos bandos continuó solapadamente y con un perfil más propio del crimen organizado que el de la guerrilla urbana. Finalmente, en julio de 2005 el IRA Provisional anunció el cese de la lucha armada. A pesar de los avances, comentan los norirlandeses que aún hay ocasionales episodios de violencia entre republicanos y unionistas, que perpetúan la mutua desconfianza.
Para visitar estos barrios hay tours en taxis, conocidos como black cabs. En mi caso, en mi primera visita contacté a una taxista, que ofrecía tours en español. Se identificó como atea, pero a la vez como católica (entiéndase como republicana). Fiel a su posición política, nos mostró lo mejor del barrio católico que visitamos y lo peor del barrio protestante.
a. El Muro de la Paz
El muro de la paz es un conjunto de barreras que separan dos barrios de trabajadores, uno católico y otro protestante. La más importante corre por Cupar Way y alcanza en ciertos sectores los cinco metros y medio de altura. Algunas de estas separaciones tienen más de 5 kilómetros de largo. Se erigieron cuando comenzaron los disturbios para evitar confrontaciones entre vecindades antagónica.
Mantuve un interesante diálogo con nuestra chofer y guía. Ingenuamente comenté:
– Como el muro de Berlín.
– ¡No! Aquí la gente quiere el muro…
Incluso hasta el día de hoy hay entradas controladas. Algunos accesos que comunican los barrios se cierran de noche y solo uno permanece abierto, a pesar que han pasado ya veinte años de los acuerdos de paz.
b. Murales en el barrio católico
Falls Road es la vía principal del West Belfast (Belfast oeste). Su nombre es sinónimo de zona católica y en algunas secciones de su trayecto muestra murales que describen la historia, la lucha o la ideología de sus habitantes. Veamos algunos:
c. Murales en el barrio protestante
Los principales murales de este barrio se contemplan en Shankill Road, la calle más importante de la zona protestante del West Belfast y en el Muro de la Paz, aunque hay otros dispersos.
d. El Banquete
The Banquet (“El Banquete”) es obra de Rita Duffy, la artista norirlandesa, autora de la ya mencionada “Dreams”, en Lanyoyn Quay. Es una enorme composición fotográfica creada para el Día Internacional de la Mujer de 2011. Aunque fue instalada en el lado protestante del Muro de la Paz, esta obra es amada por mujeres de ambos credos.
Miles de personas dejan sus ideas y firmas sobre la obra y el autor de esta nota no fue la excepción. Es un excelente corolario a la visita pues es un mural que une y no divide.
e. Despedida
Nos vamos admirando uno de los murales más grandes y famosos que expresa el amor por el barrio. En algún lugar de ese extenso mural se lee “failte go dti” es una expresión gaélica que significa ¡Bienvenido a Belfast!
“Safe” es una nueva miniserie presentada por Netflix. El personaje central es interpretado por Michael C. Hall, el protagonista de la serie Dexter. Ambientada en un suburbio indefinido de una ciudad de Inglaterra, transcurre mayormente dentro de un barrio cerrado de gente adinerada, donde todos suponen que se conocen.
En mi opinión, “Safe” mantiene la tensión y atrapa al espectador todo el tiempo, pero abusando de los golpes de efecto. Con tanta novela de suspenso, sorprender al espectador resulta cada vez más difícil, pero la exageración puede quitarle credibilidad al relato.
Bill Gates, en su libro “Camino al Futuro”, publicado en los ’90, señaló que el error de IBM, empresa que perdió el liderago en computadoras personales, consistió en diseñar software que solo fuera compatibles con sus propios sistemas operativos. Netflix está padeciendo algo parecido. Ha dejado de ser una compañía de películas y series a demanda para convertirse en una productora que da prioridad a sus propios contenidos.
Me imaginaba una ciudad neblinosa y hostil. En 2001 o 2002, ya no recuerdo, pude conversar en Buenos Aires con un amigo que la había visitado. “Me pareció una ciudad muy rara” me dijo, y comentó la sensación de desconfianza que percibió de la gente.
Aunque, como siempre, me había preparado para la visita, luego de dejar el equipaje en el hotel hice una caminata exploratoria por los lugares cercanos. La primera impresión fue como estar en un suburbio de Londres.
El edificio es propiedad del Ayuntamiento de Belfast, tiene bellos jardines y espléndidas vistas panorámicas.
