“Es fácil ser solidario con dinero ajeno” (palabras de un jubilado al Presidente de la Nación)
Al asumir el nuevo gobierno argentino se enfrentó a una grave situación social y económica. La Ley de Emergencia Económica no era una opción: era una necesidad. Un país endeudado con caída de su PBI no puede insistir en fórmulas que condujeron al fracaso. Había dos posiciones extremas: achicar el enorme gasto público o aumentar la insoportable carga impositiva. Como siempre, el peso recayó sobre aquellos que producen.
Sin embargo, mi intención no es opinar acerca de la política económica de un gobierno que recibe una pesada herencia (aunque no olvido las palabras de la expresidenta Cristina Kirchner cuando el 6 de octubre de 2016 dijo “si es tan pesada la herencia, que la devuelvan”), pues debe ser juzgada por sus resultados y no por la ideología política. Además, deseo que tenga el mayor de los éxitos para bien de todos. Mi propósito es, en cambio, examinar si la bandera de la solidaridad que el gobierno levanta es cierta y justa.
En un debate en una red social, un conocido que adhiere al actual gobierno escribió “encima les molesta la palabra solidaridad … algo que Jesus nos enseñó mucho”. Aunque Jesús no usó la palabra solidaridad, es cierto que el concepto está implícito en las palabras y el ejemplo de Jesús. Por ejemplo, en nuestra traducción del evangelio de Mateo en tres ocasiones se habla de la compasión de Jesús (Mateo 9:34, 14:14 y 15:32). Además, en el Sermón del Monte hay un llamado a la misericordia muy fuerte. De paso, Hitler decía que “la compasión es una debilidad cristiana”. Creo todo lo contrario: es una de sus fortalezas.
Pero, ¿tiene nuestro amigo razón? Para ello debemos preguntarnos si la solidaridad de la que habla el gobierno es la misma de la que habló Jesús. El Diccionario de la Real Academia Española define solidaridad como “adhesión circunstancial a la causa o a la empresa de otros”. No habla de obligación ni de fuerza: adherir es una decisión voluntaria. Hace muchos años Samuel Libert, con su habitual lucidez, escribió “Jesús nunca dijo al que tiene dos capas quítale una”. La solidaridad forzada no es solidaridad; es violencia por cuanto obliga bajo pena de castigo al que no cumpla. Repito: es violencia incluso aunque esté dentro de la ley. Por favor, no se me malinterprete. Estoy de acuerdo con pagar impuestos cuando retornan en servicios para todos; incluso en situaciones críticas, entiendo que deban tomarse medidas extraordinarias en favor de “los que menos tienen” (pareciera que para los políticos usar el término pobres solo es oportuno durante la campaña electoral), pero veo mal utilizar falazmente una palabra noble para disfrazar la extracción forzada de bienes de unos -los que trabajan y producen- en favor de otros. Además, parte de esos bienes no irá a sus supuestos destinatarios sino a los bolsillos de políticos corruptos. Creo que el gobierno debería crear trabajo en lugar de los famosos planes.
Ya hemos demostrado que la bandera de la solidaridad es falsa. Nos queda preguntarnos si el impuestazo es justo. Comencé diciendo que era necesario, entendiendo que situaciones extraordinarias requieren medidas extraordinarias. La necesidad no implica justicia. ¿Tiene el Estado el derecho de imponernos cualquier tipo de impuestos? Alguien diría que si el Congreso representa al pueblo y aprueba una ley enviada por el Ejecutivo entonces sería justa. Yo diría que es legal, pero no necesariamente justa. Si bien la justicia es subjetiva, ¿hasta qué punto un gobierno tiene derecho de tomar de la propiedad privada de sus ciudadanos, de su trabajo y de su esfuerzo, para darlos a otros sin exigir nada a cambio? ¿Acaso no lo usa para clientelismo? ¿Su única forma de ayudar es castigar a los que trabajan y producen? ¿No sería mejor administrar reduciendo el gasto público? No me refiero a despedir gente (lo que en este momento agravaría el problema) sino a realizar compras más eficientes y desprenderse de activos que no producen. ¿No sería mejor poner incentivos a la exportación en lugar de castigarla? Aunque es tabú en la Argentina, ¿no sería mejor flexibilizar las condiciones de contratación para generar pleno empleo? Las actuales leyes claramente favorecen al que tiene empleo, pero castigan al que no lo tiene pues nadie quiere contratar a personas que pueden demandar por razones banales sin que haya una legítima causa. ¿Por qué en lugar de pagar subsidios de desempleo el Estado no da trabajo temporal a esas personas a cambio de ese dinero?
Nadie puede ignorar la precaria situación en la que viven personas. Hace poco me llamó un hermano que vive en el Partido de La Matanza, contándome la persecución que estaba padeciendo a causa de un préstamo que no pagó puntualmente a un usurero. La necesidad obliga a muchas familias a entrar a círculos de deudas de las cuales no pueden salir. Ante esa realidad, la iglesia tiene la oportunidad de dar testimonio de su fe. Muchas ya lo están haciendo: abren sus templos en la semana, sirven almuerzos y meriendas, proveen ropa, dan alojamiento temporal y cubren necesidades espirituales y emocionales de las personas que se acercan. No hay mayor contradicción que hablar de Jesús y cerrar los ojos a la necesidad. Aunque veamos la política en general como un negocio y a la mayoría de los políticos a delincuentes con licencia para robar, eso no nos da derecho a estar ausentes donde hay una necesidad real. No se trata de lo que quita por la fuerza un gobierno sino de lo que estamos dispuestos a dar solidariamente a los demás.
Serie GRANDES EDIFICIOS DE BUENOS AIRES – Sección TEMPLOS E IGLESIAS
IGLESIA PRESBITERIANA SAN ANDRÉS, Av. Belgrano 579, Barrio de Monserrat, Ciudad Autónoma de Buenos Aires
LOS PIONEROS
La Iglesia Presbiteriana surge en Escocia durante el siglo XVI como heredera de una notable tradición religiosa que comienza con los albores de la fe cristiana. Liderada inicialmente por el reformador John Knox, es una iglesia protestante que luchó contra la monarquía inglesa en reiteradas ocasiones.
La firma en Buenos Aires del Tratado de Amistad, Comercio y Navegación entre las Provincias Unidas del Río de la Plata y Su Majestad Británica el 2 de febrero de 1825 permitió la inmigración de súbditos británicos, reconociéndoles derechos religiosos que incluían la construcción de sus propios templos.
Bajo este marco y como parte del acuerdo entre el Ministro
de Gobierno Bernardino Rivadavia y los hermanos John y William Parish
Robertson, en agosto de ese año arribó a tierras argentinas un contingente de
escoceses para formar la Colonia Agrícola
Ganadera de Monte Grande en la Provincia de Buenos Aires. La travesía en la
goleta “Symmetry”,que duró tres meses, fue documentada
por William Grierson, abuelo de Cecilia Grierson, primera médica mujer egresada
de la Universidad de Buenos Aires, que hoy es recordada por una calle de Puerto
Madero[1].
Estos primitivos colonos establecidos en la zona sur de lo
que hoy llamamos el Gran Buenos Aires
al año siguiente de su llegada pidieron a la Iglesia de Escocia el envío de un
ministro religioso, por lo que fue enviado el reverendo William Brown, quien
arribó a la Argentina a fines de 1826.
Sin embargo, tras un inicio prometedor, hacia 1828 la
colonia cayó en el fracaso económico. Algunos colonos se radicaron en la zona
de lo que hoy es Florencio Varela, San
Vicente y zonas cercanas, y otros en la zona de Chascomús. El Rev. William
Brown y otros colonos prefirieron, en cambio, establecerse en la ciudad de
Buenos Aires.
El 22 de diciembre de ese año un grupo de escoceses
presbiterianos autoconvocados decidieron formar una iglesia en Buenos Aires,
bajo “la doctrina y disciplina de la
Iglesia Establecida de Escocia”. Para ello acordaron compartir los buenos
oficios del Rev. William Brown con los colonos de Monte Grande, dando origen a
la Iglesia Presbiteriana San Andrés en la Argentina, que fue constituida
formalmente el 15 de marzo del año siguiente.
Parte del memorial de los miembros de la Iglesia caídos en la Primera Guerra Mundial
Ese esa ocasión el culto inaugural se llevó a cabo en lo que
se llamó “Capilla Presbiteriana Escocesa”
(“Scotch Presbyterian Chapel”) en
la calle México al 300, según su antigua numeración, que probablemente
correspondiera al cruce actual entre la calle mencionada y la Avenida 9 de
Julio o a sus cercanías.
Su ministro fue el mismo Rev. William Brown y los primeros
presbíteros “elders” o “ancianos”, que constituían el cuerpo
formado por laicos al que la autoridad pastoral estaba sujeta, fueron John
McClymont, Hugh Robson y James Brown.
EL TEMPLO DE LA CALLE
PIEDRAS Y SU ARQUITECTO
Con la anuencia del Gobierno de Buenos Aires encabezado por Juan Manuel de Rosas, el 25 de febrero de 1833 se colocó la piedra fundamental del nuevo templo en un predio adquirido por la comunidad. Se encontraba ubicado en la calle Piedras 55, entre las actuales calles Rivadavia e Hipólito Yrigoyen, que en aquel entonces se llamaba Victoria. El edificio fue inaugurado el 25 de abril de 1835, con el nombre de “Iglesia Presbiteriana Escocesa San Andrés” (“St. Andrew’s Scotch Presbyterian Church”)
Templo de calle Piedras 55 diseñado por Richard Adams.
El templo era de diseño neoclásico, con un atrio al que se llegaba ascendiendo tres escalones; tenía al frente seis columnas con capiteles jónicos sobre las que se levantaba un frontón triangular. El interior era más modesto, aunque lucía dos pares de columnas con capiteles corintios entre los cuales se alineaban los bancos de madera para los feligreses. Décadas después, en 1884, detrás del altar se ubicaron los majestuosos tubos del órgano, el mismo que con sus sucesivos arreglos, modificaciones y ampliaciones aún perdura en el actual templo sobre la Avenida Belgrano.
Interior del templo de la calle Piedras 55
El edificio fue diseñado por Richard Adams, un escocés que
había arribado a la Argentina como parte del contingente de la goleta “Symmetry” y había trabajado en la
colonia escocesa de la zona sur de Buenos Aires. Allí este arquitecto y pintor
había levantado en 1828 más de 30 edificios de mampostería con 145 habitaciones,
47 ranchos, la casa principal, y un detalle que no es menor: una capilla
presbiteriana, de la cual, sin embargo, nada se conoce[2].
Ese pequeño templo desaparecido fue la primera iglesia protestante erigida en
Argentina.
Casa de los hermanos Parish Robertson en la Estancia Santa Catalina. En ese predio se instalaron los colonos escoceses y Adams construyó el primer templo protestante de la Argentina.
En 1829 Adams se estableció en Buenos Aires donde le encargaron la construcción de la actual Catedral Anglicana de San Juan Bautista, inaugurada en 1831, cuya fachada sirvió de referencia para la Iglesia Presbiteriana San Andrés. Además, estuvo a cargo del proyecto y dirección del Segundo Cementerio de Disidentes de Buenos Aires, sobre la actual plaza 1º de Mayo, limitada por las calles Alsina, Pasco, Hipólito Yrigoyen y edificios para vivienda que dan a la calle Pichincha. En el centro del camposanto ubicó la capilla, “diseñada según el lineamiento neogótico correspondiente al tipo de iglesia rural inglesa del siglo XVIII, con ábside central y naves laterales”[3]. Este importante arquitecto escocés murió en 1835 a los 43 años en Buenos Aires.
Vista aérea del centro de Buenos Aires en la década de 1890. Encerrada en un círculo se observa el templo de la calle Piedras 55.
A fines de 1841 se colocó la piedra fundamental de la
Escuela San Andrés en el terreno detrás de la Iglesia, bajo diseño de Edward
Taylor, un ingeniero y arquitecto inglés y que había llegado a la Argentina en
1824. Décadas después tuvo a su cargo la creación de la Aduana Nueva[4].
LA DEMOLICIÓN DEL
TEMPLO
La congregación presbiteriana fue creciendo con el paso del tiempo. En la década de 1880, luego de un encendido debate en Buenos Aires, se decidió la apertura de una gran arteria en el centro de la ciudad, la Avenida de Mayo, que comunicaría la Casa Rosada y la Plaza de Mayo con el Congreso de la Nación. El proyecto inicialmente fue muy resistido pues implicaba la expropiación y demolición de importantes edificios de ubicación privilegiada, entre ellos el de la Iglesia Presbiteriana San Andrés y su escuela. Tras su aprobación, las obras se iniciaron en 1888. Fueron lentas debido a la magnitud del proyecto. Finalmente, le llegó el turno a la iglesia de la calle Piedras 55, que fue expropiada y demolida cinco años después. El último servicio religioso allí se realizó el 8 de octubre de 1893.
EL NUEVO EDIFICIO Y
SUS ARQUITECTOS
En 1894 la Iglesia Presbiteriana Escocesa, que había adquirido el terreno actual con accesos por la avenida Belgrano y la calle Perú, convocó a varios arquitectos para el diseño y construcción de su nuevo templo, adjudicando el proyecto al estudio de los arquitectos Edwin Arthur Merry y Charles T. Raynes[5]. E.A. Merry fue un importante proyectista de la comunidad británica en Buenos Aires[6], que en 1872, asociado con Carlos Ryder, había levantado la Iglesia Anglicana de la Santísima Trinidad en Lomas de Zamora y en 1874 la Primera Iglesia Metodista en la avenida Corrientes 718, que aún subsisten.
Colocación de la piedra fundamental del templo de la calle Belgrano 579
En 1895 se inauguraron las oficinas de la Iglesia en la calle Perú 352; allí el lote ofrecía un pequeño acceso, que en la actualidad se considera el segundo frente más estrecho de la ciudad.
Actual frente sobre la calle Perú
Finalmente el 10 de abril de 1896 se consagró la nueva Iglesia Presbiteriana San Andrés (“St. Andrew’s Scotch Church”) en Belgrano 579, que en ese momento era una calle angosta.
La iglesia de la calle Belgrano 579 con su espléndida torre. Detrás, el bellísimo edificio Otto Wulff con su doble cúpula
La construcción original era dominada por una espléndida torre de 35 metros de alto, con base cuadrada, que lucía en su techo agujas y almenas.
Ensanche calle Belgrano, Antiguo Bar Colonial y Torre de la Iglesia Presbiteriana
Lamentablemente esta joya arquitectónica porteña también se perdió: fue demolida en 1950 durante la ampliación de la calle Belgrano que pasó a ser avenida. Por segunda vez la congregación presbiteriana veía truncado su derecho a conservar intacta la espléndida arquitectura de sus edificios.
Demolición de la torre de la Iglesia Presbiteriana Escocesa por ampliación de la calle Belgrano que pasaba a ser avenida
Tanto la demolición de la torre y los vestíbulos contiguos como la construcción del nuevo frente inaugurado en 1962, estuvo a cargo del arquitecto inglés Sydney Follett, quien había arribado a la Argentina en 1911 y años atrás había estado a cargo de los trabajos de ebanistería en el interior de la Catedral Anglicana[7] entre otros edificios importantes de la comunidad británica. Follet falleció en 1968[8].
Vista de la Iglesia Presbiteriana San Andrés del centro de Buenos Aires desde la demolición de su torre en 1950 hasta su nueva fachada en 1962
El resto del templo se mantuvo sin mayores cambios, conservando la mayor parte de su extraordinario interior hasta el día de hoy.
Nueva fachada en construcción
Cuenta con una gran nave central de 16 metros de largo por 13 metros de ancho, flanqueada por dos pasillos laterales. Por delante tiene un transepto, -suerte de nave transversal- que junto a la nave central conforman una planta en cruz latina.
En el interior tiene numerosos arcos neogóticos; los de los costados sirven como separadores entre la enorme nave central y los pasillos laterales. Por encima de ellos se encuentran bellos vitrales con temas bíblicos. El techo es de madera.
El hermoso ábside de piedra gris labrada cuya forma también corresponde al del arco neogótico, cuenta con cinco placas de bronce y con el hermoso rosetón que permite el ingreso de luz natural desde lo alto.
El púlpito de madera, al cual se accede por una pequeña escalera, se encuentra a la izquierda mientras que la pila bautismal a la derecha, lo mismo que el órgano y sus tubos.
Tanto el órgano como la pila bautismal habían sido inaugurados en la Iglesia de la calle Piedras.
Toda la capilla tiene detalles e inscripciones que habla de su fe y de su historia.
Atrio occidental, con el busto del Rev. Dr. James Smith, segundo pastor de la Iglesia. El busto es obra del escultor Arturo Dresco. Tanto este busto como la Iglesia de Belgrano, que lleva el nombre del Dr. Smith, fueron parte de los memoriales después de su fallecimiento.
LOS VITRALES
Se conservan cuatro bellos vitrales del templo de la calle Piedras que fueron reubicados dos en cada uno de los dos vestíbulos del nuevo templo de la entonces calle Belgrano. Cuando estos vestíbulos se demolieron junto con la torre para dar lugar a la Avenida Belgrano, estos cuatro vitrales fueron reubicados nuevamente uno en cada vestíbulo nuevo y en cada transepto. El más antiguo de los vitrales está en el transepto occidental frente al púlpito. Estos vitrales llevan los nombres de sus donantes o las personas a cuya memoria están dedicados.
El vitral Wilson,
“Jesús y María Magdalena en la tumba”, dedicado en 1874 por William Wilson en
memoria de su esposa Ann Margaret, fallecida a los 24 años a causa de una
diabetes.
El vitral Black,
“Las tres Marías junto a la tumba vacía”, dedicado en 1876 por G. C. Black en
memoria de sus padres.
El vitral Bell,
“Jacob bendiciendo a sus hijos”, dedicado por la viuda e hijos de George Bell
en 1879.
El vitral McClymont,
“La agonía de Jesús en el jardín de Getsemaní” en memoria de William McClymont,
fallecido en 1883.
El Rosetón es el único vitral dentro del templo que perdura de la inauguración del segundo templo, en 1896; fue donado por los niños de la iglesia que hicieron una colecta especial. Se lo conoce como Rose Window o Children’s Window.
Al año siguiente se inauguró el segundo vitral que se encuentra al fondo del templo, en memoria de Thomas Drysdale, un importante miembro de la congregación.
En los siguientes años fueron colocados otros vitrales en memoria de otros miembros, donados por parientes y amigos, todos ellos realizados por la firma John and William Güthrie de Glasgow, Escocia.
LA IGLESIA ACTUAL
Como sucede en casi todas las iglesias étnicas, por
cuestiones de idioma y asimilación cultural, ya son pocos los escoceses y sus
descendientes que asisten a los cultos; sin embargo, se ha conformado una
interesante comunidad de fe, integrada por personas de diferentes orígenes que
adhieren a los principios presbiterianos. Además, hay un trabajo mancomunado
con la Iglesia Presbiteriana de Olivos, que integra la comunidad San Andrés, de
la cual forman parte también el colegio y la universidad del mismo nombre.
Detrás del templo hay oficinas, otras dependencias, un pequeño museo y un amplio salón, al que se accede más fácilmente desde la entrada de la calle Perú que ha sido utilizado por el Coro Gospel Argentina como sala de ensayos.
Pasillo de entrada al edificio por la calle Perú. En este pasillo se ha instalado el MuPSA. (Museo Presbiteriano San Andrés).
Los autores de esta nota: William D. Grant a la izquierda; Pablo R. Bedrossian a la derecha
La Iglesia Presbiteriana San Andrés de la Ciudad de Buenos Aires, actualmente conocida como Iglesia Presbiteriana San Andrés del Centro, ubicada en la Avenida Belgrano entre las calles Perú y Bolívar, es especial para mí: cursé el Secundario en el vecino Colegio Nacional de Buenos Aires por lo que pasaba diariamente frente a ella. Luego en 1979 y 1980 participamos allí junto a mi hermano Alejandro en unos festivales de rock con nuestra banda “Propuesta”. Finalmente, en 1993 contraje enlace con mi amada esposa Graciela en su maravillosa capilla. A propósito, suelo llamar a esta iglesia “el cementerio de los elefantes” porque allí sucumbimos al matrimonio varios amigos “duros de casar”. Pero detrás de esos recuerdos, este imponente edificio tiene una rica historia digna de contar.
Pablo R. Bedrossian
Mis contactos con la Iglesia Presbiteriana San Andrés de la Argentina, en esa época Iglesia Escocesa San Andrés, se iniciaron en el Salón de Actos de la Escuela Escocesa San Andrés en Nogoyá 550, Olivos. Yo había sido alumno de dicha escuela, y empecé a asistir a los Cultos Religiosos que se hacían allí cuando tenía 16 años. Poco tiempo después me confirmaron como miembro de la Iglesia y empecé a asistir a los cultos en la Iglesia de Belgrano R, Dr. Smith Memorial, que estaba cerca de casa. Al año siguiente se reinaguró la Iglesia de la Avenida Belgrano con su nueva fachada. Y se iniciaron unos cultos mensuales corales a la tarde noche a los que asistía siempre. En 1977 fui ordenado Presbítero Gobernante (Elder) de la Iglesia Dr. Smith Memorial. Pero el cargo era para toda la Iglesia. Y en 1989 me trasladé a la Iglesia del Centro debido a que en esa época vivía en San Telmo. No enumero la cantidad de actividades desempeñadas en ambas congregaciones ya que sería muy largo hacerlo. Pero debo decir que, si bien las otras Iglesias Presbiterianas fundadas originalmente por los escoceses y sus descendientes me maravillan, siento algo muy especial por la Iglesia de la Avenida Belgrano…
William D. Grant
REFERENCIAS:
[1] El
diario fue publicado por primera vez en la Revista de la Iglesia Presbiteriana
Escocesa “San Andrés” en 1958.
[3]
Liemur, Jorge Francisco y Fernando Aliata, Op. cit., p.20
[4]
Liemur, Jorge Francisco y Fernando Aliata, Op. cit., Tomo s/z, p.97
[5]
Petrina, Alberto , Alberto Nicolini y Julio Cacciatore, “Patrimonio
Arquitectónico Argentino – Memoria del Bicentenario (1810-2010)”, Tomo II
(1880-1920), Ministerio de Cultura, Presidencia de la Nación, Argentina, 2010,
p.92.93
[6] Liemur, Jorge Francisco y Fernando Aliata,
Op. cit., Tomo i/n, p.134
[8] Liemur, Jorge Francisco y Fernando Aliata, Op. cit., Tomo e/h, p.88
CRÉDITOS MULTIMEDIA
Todas las fotografías a color fueron tomadas por Pablo Bedrossian, uno de los autores de esta nota y es el dueño de todos sus derechos. Las fotos en blanco y negro fueron cedidas por William D. Grant, el otro coautor de esta nota, de su archivo personal, cuya fuente principal es de la revista de la Iglesia Presbiteriana San Andrés.
AGRADECIMIENTO ESPECIAL
Quiero agradecer muy especialmente a William D. Grant por su admirable trabajo de recopilación histórica sobre la Iglesia Presbiteriana Escocesa San Andrés. Espero que alguna vez su investigación pueda verse reflejada en un libro. Buscando información sobre el templo de la avenida Belgrano, todos los consultados me refirieron a Willie, como lo llaman sus amigos, a quien definen como el historiador de la iglesia. ¡Gracias, Willie, por tu generosidad, entusiasmo y aportes! Pablo Bedrossian.
Uno de mis primeros lugares de trabajo estaba ubicado en un edificio de cúpula imponente levantado en Callao y Lavalle, al que se accedía por Lavalle 1790. Cruzando la avenida Callao, justo donde debía formarse la esquina sudoeste se abría una curiosa callecita. No era una diagonal, sino una calle en S que perforaba la manzana. Se llamaba Rauch y el tránsito vehicular en su única cuadra iba de Callao y Lavalle hasta Riobamba y Corrientes, donde desembocaba.
Me gustaba recorrerla y dos detalles cautivaban mi atención: una placa que recordaba el paso por esa calle de la primera locomotora que hubo en el país, La Porteña, y el Teatro del Picadero, donde en 1980 había asistido a un recital del legendario tecladista Carlos Cutaia, cuyos invitados especiales habían sido nada menos que Charlie García y León Gieco.
Hoy la calle se llama Enrique Santos Discépolo y se ha
convertido en uno de los pasajes peatonales más anchos de Buenos Aires. Tiene
una peculiaridad: debido a su serpenteante trayecto, si uno se sitúa en
cualquiera de sus extremos no podrá ver el otro, a pesar de tener una sola
cuadra. Además, es un lugar extraño donde conviven vagos con oficinistas,
bohemios con estudiantes y comerciantes con vecinos.
LA EDAD DE HIERRO
En septiembre de 1853 un grupo de argentinos se unió para
crear el primer ferrocarril local; una ley de enero de 1854 les otorgó la
concesión para explotarlo. Tres años y medio después, el 29 de agosto de 1857 realizaron
el viaje inaugural. El trayecto original comprendía diez kilómetros de líneas
férreas, desde la Estación Parque,
ubicada donde hoy se encuentra el Teatro Colón, hasta la Estación (La) Floresta.
Cuenta el historiador ferroviario Jorge Tartarini “Al salir de la estación, las vías hacían una suave curva cruzando la Plaza del Parque, para luego seguir por calle Lavalle hasta Callao. Allí tomaba por la curva de los olivos u ‘hornos del señor Bayo’ para entrar en la calle Corrientes, desde donde se dirigía hasta Centroamérica (hoy Pueyrredón)”[1]. El 15 de octubre de 1856, don Rosendo Bayo había cedido estas tierras al Ferrocarril Oeste, habiendo constancia de la escritura[2]. A esa curva también se la conoció después como “curva de los Jesuitas”, por la cercanía con la Iglesia y el Colegio del Salvador, levantados en la década de 1860, o “curva de la muerte” por las dificultades que les generaba a los flamantes maquinistas.[3]
Recordemos que el recorrido del primer tren criollo, encabezado por la mítica locomotora “La Porteña” era más bien rural. El país recién acababa de salir del rosismo; Buenos Aires, que aún no había adherido a la reciente Constitución Nacional, todavía estaba dominada por la arquitectura colonial; su población, según el censo de 1855, era de alrededor de 92,000 habitantes, cuya mayoría no sabía leer[4].
La Calle del Parque
(hoy Lavalle)[5]
que atravesaba el tren en sus primeros kilómetros era una zona de quintas, tal
como lo señala un plano de mensura de firma ilegible realizado en 1864, que
además contiene la primera mención que encontramos sobre la breve sección
sinuosa: “Se observa un tramo de vías de
ferrocarril en forma de curva, expresado en línea punteada, sobre la calle
Parque a la altura de Callao”[6].
NACE UNA ESTRELLA
Buenos Aires se sumó a la Confederación Argentina en 1860, mediante el Pacto de San José de Flores (de paso, la Provincia de Buenos Aires siguió emitiendo su propia moneda hasta 1861). A partir de allí el país se abrió camino hacia la modernidad a un ritmo vertiginoso. La ciudad creció “desde el núcleo del antiguo radio del municipio, hoy Casco Histórico, pasando por la expansión en las direcciones Norte y Oeste (desde 1870), hasta la incorporación e integración de los Municipios de Flores y Belgrano (1887)”[7].
El crecimiento del transporte ferroviario fue exponencial. En 1871 -debido también al éxodo masivo generado por la epidemia de fiebre amarilla que azotó la ciudad- se vendieron un millón de boletos. Cuentan Jorge Schvarzer y Teresita Gómez, director e investigadora respectivamente del CEEED (Centro de Estudios Económicos de la Empresa y el Desarrollo) de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires que “Diez años más tarde (1881), la empresa se vio obligada a construir vías dobles a partir del Once, para atender el intenso tráfico de la zona; la ampliación llegó a Liniers en 1883…. Ese mismo año se terminaba de desmontar el ramal que nacía en el Parque y llegaba al Once, debido a las demoras y accidentes que provocaba el servicio en dicho tramo, ya densamente poblado y donde la franja disponible para las vías era demasiado angosta para encarar mejoras de cualquier orden”[8].
El crecimiento urbano desde el Centro hasta el Once llevó,
entonces, a levantar las vías entre las dos primeras estaciones, dejando libre
el paso en la vieja Curva de los Olivos,
dondemencionamos que antiguamente se
hallaban los hornos de ladrillos de Bayo. Lo que había sido un camino de trenes
se convirtió en una calle transitable. Diez años después, y mencionada como Curva del Ferrocarril en el texto, la
Ordenanza Municipal del 27/11/1893 le impone el nombre de Rauch[9].
LOS AÑOS OSCUROS Y EL
REGRESO DE LAS LUCES
Muy pocos datos hemos podido obtener de las décadas que siguieron, todos aportados por Vicente Cutolo en su libro sobre calles de Buenos Aires. Cuenta que a principios de siglo en su extremo que da la Avenida Callao había un bebedero para caballos, que luego hubo prostíbulos de cortinas rojas y que hacia 1930 existió también una feria al aire libre[10].
Sin embargo, pudimos hallar por nuestra cuenta algunos datos interesantes sobre cuatro edificios que aún sobreviven. El primero es que uno de los laterales de la Escuela Normal Superior N°9 Domingo Faustino Sarmiento, cuya entrada principal se encuentra en la Avenida Callao 450, da a la ex calle Rauch. Este centro educativo fue inaugurado en 1886 como Escuela Primaria y en 1914 elevado a Escuela Normal (que en aquel entonces indicaba nivel Secundario con orientación a la docencia). El edificio con fuertes influencias del neorrenacimiento italiano fue creado por el arquitecto italiano Carlos Morra (1854-1926), especialista en edificios escolares[11] . Hoy está catalogado como APH (Área de Protección Histórica). De todos modos, su relevancia arquitectónica para la actual calle Enrique Santos Discépolo es baja.
Mucho más interesante es el edificio art deco de once plantas levantado en la esquina norte de Rauch y Callao; fue diseñado por el arquitecto croata de origen húngaro Andrés Kalnay[12] y construido por Lorenzo Bursese en 1935.
También en la esquina que une este pasaje con Corrientes y Riobamba se encuentra el edificio apodado “La Porteña”, ex sede del Banco Mercantil Argentino, hoy ocupada por Swiss Medical. Es un edificio de ocho pisos, planta baja y dos subsuelos, construido a mediados del siglo XX, cuyo diseño, casi triangular, obedece a las medidas del terreno. Ha sido reciclado en 2005[13].
Pero, sin duda el jugador distinto del pasaje es el Teatro del Picadero. Fue creado por el arquitecto Gastón Breyer en 1980, recuperando una fábrica de bujías levantada en la mano norte de la cuadra en 1926[14] bajo diseño del arquitecto italiano Benjamín Pedrotti. En 1981 se desarrolló allí Teatro Abierto, un proyecto cultural surgido como una reacción a la dictadura militar. En la madrugada del 6 de agosto de ese año estalló una bomba que dejó el edificio inutilizable. Años después fue reconstruido y utilizado con diversos fines, pero en 2007 se comenzó a demolerlo para unirlo a un terreno vecino y levantar allí unas torres comerciales. El intento logró frustrarse gracias a la reacción de la comunidad y organizaciones que defendían el patrimonio edilicio porteño. En mayo de 2012, fue reinaugurado bajo ideas del arquitecto Gustavo Keller; la sala del primer piso puede albergar casi 300 personas. Su dirección es Enrique Santos Discépolo 1849.
PRIMERO EL TREN,
LUEGO LOS AUTOS, AHORA LOS PEATONES
Desde que se levantaron los rieles la curva en forma de S, la vía pasó a ser utilizada primero por carros y luego por autos. Sin embargo, en octubre de 2003 el legislador porteño Carlo Campolongo presentó un proyecto de ley proponiendo convertir el pasaje Enrique Santos Discépolo en peatonal. La Legislatura lo acompañó con una declaración para que “se arbitren las medidas necesarias a los efectos de convertir el tramo en un espacio de atracción histórico, cultural y turístico”[15]. La ley 1157 fue sancionada el 3 de noviembre de 2003[16] y publicada el 20 de noviembre de ese año[17]. Finalmente, dos años después, la ex Rauch se convirtió en peatonal[18], con una superficie embaldosada, con cestos y árboles.
En 2008 fue declarada Sitio de Interés Cultural por la Resolución 179/08. A fines de 2013, con la participación de la comunidad educativa de la vecina Escuela Domingo Faustino Sarmiento se inauguraron los trabajos de recuperación que incluyeron lugares de descanso para que los padres de los alumnos puedan esperar con mayor comodidad a sus hijos y la colocación de luces blancas para iluminar el piso de noche[19].
EL MURAL DE SANTA MARÍA
En 2007 Marino Santa María, cuyas intervenciones artísticas sobre la calle Lanín[20] de Barracas y el pasaje Hugo del Carril en la Estación Flores son ampliamente conocidas, creó el mural “Uno, Once y Nosotros”. Se trata de una composición de 120 m2 en mosaico veneciano y trencadís catalán (una suerte de picadillo hecho a base de piezas rotas de cerámica esmaltada) sobre el contrafrente del Escuela Normal Superior N°9 Domingo Faustino Sarmiento que da al pasaje y en los canteros de esa vereda.
El proyecto se llevó a cabo con el apoyo de la Cámara de Comerciantes del Once (CADMIRA) y la Fundación Armonía y alude al paso de la histórica locomotora La Porteña por esa vía, al tango Uno con letra de Discépolo y a Teatro Abierto, aquel proyecto escénico contestatario llevado a cabo en el Teatro del Picadero[21].
LA FERIA FRANCA
Recuperando la idea de aquel mercado que existió en los años
’30 del siglo XX, la Fundación Sabe la
Tierra ha creado el Mercado Balvanera
que funciona todos los miércoles en el pasaje, salvo que llueva. Consta de
treinta puestos que ofrecen productos naturales, orgánicos y sustentables
directamente del productor al consumidor[22].
EL BAR MORDISQUITO
En 2016 cerró el bar cultural Mordisquito, que funcionaba en el pasaje[23]. Era un lugar para la poesía, la música y las artes plásticas. Además, contaba con una biblioteca con clásicos y literatura de vanguardia. Nos da tristeza que se haya perdido un espacio donde los artistas podían mostrar lo que hacían y compartir sus creaciones. Funcionó durante más de cinco años; existía la Radio Mordisquito, la radio del bar.
EL PASAJE EN LA
LITERATURA
Vicente Cutolo cita una breve cuarteta que atribuye a un poeta de Buenos Aires:
“En viñeta
caprichosa, / el Pasaje Rauch conserva / la curva que dibujó / el humo de “La
Porteña”[24].
Baldomero Fernández Moreno el que le dedica un breve pero
significativo poema:
Callejuela
apartada,
humilde callejuela
que ofreces a mi espíritu cansado
de tanta calle recta,
el sencillo misterio de tu curva…
Gracias, hermana callejuela.
También es mencionado como Pasaje Rauch dos veces en “Restos
Humanos”[26], novela de Álvaro Abós. No encontramos ninguna
referencia literaria citando al pasaje como Enrique
Santos Discépolo, salvo como dirección del Teatro del Picadero.
LOS NOMBRES DESPUÉS
DE LAS CURVAS
Nuestro pasaje recibió el nombre de Rauch, como hemos escrito antes, por la Ordenanza Municipal del 27/11/1893. Sin embargo, en 1988 hubo un doble cambio de nombre: Por la Ordenanza Nº 43.388-1988[27], la calle Rauch pasó a llamarse Enrique Santos Discépolo y el pasaje Salónica, ubicado entre Medrano y Salguero, recibió el nuevo nombre de Rauch. En realidad, fue casi un trueque. Presentamos brevemente la historia.
El pasaje Salónica originalmente se consideraba parte de la
calle Rocamora. Sin embargo, y razonablemente porque no constituía una
verdadera continuación de aquella calle, en 1933 pasó a llamarse Salónica. En 1973 fue rebautizado como Enrique Santos Discépolo por la
Ordenanza Nº 28.124/1973; en 1976, tras el golpe militar, recuperó el antiguo
nombre de Salónica (Ordenanza Nº 1.665/1976)[28].
Por lo tanto, en 1988 el pasaje que alguna vez se llamó Enrique Santos Discépolo pasó a llamarse Rauch, y el pasaje Rauch donde pasaba La Porteña pasó a llamarse Enrique
Santos Discépolo.
QUIÉNES FUERON
Federico Guillermo Rauch fue un militar nacido en 1790[29] en el Gran Ducado de Baden, territorio en la actual Alemania. Fue oficial de loe ejércitos napoleónicos. Llegó a la Argentina en 1819 donde se incorporó al ejército argentino. Intervino en las primeras campañas al desierto durante la década de 1820 al ‘30. Ascendido a coronel, fue confirmado como como jefe del Regimiento de Húsares que desde entonces fue el 5to. de Caballería. Desplazado de su cargo por el gobernador Dorrego, se volvió unitario. Peleó junto a Lavalle[30] y fue muerto en una emboscada por los indios. A Rauch lo recuerda también un Partido y su ciudad cabecera de la Provincia de Buenos Aires.
Perdura un encendido
debate sobre los merecimientos de Rauch para que su nombre se recuerde en
ciudades y calles. El escritor Osvaldo Bayer, autor de La Patagonia Rebelde, ya en 1963 había propuesto un plebiscito para
cambiar el nombre de la ciudad bonaerense por el de Arbolito, el indio que
decapitó a Rauch. “Ese coronel prusiano
era de una crueldad terrible. A los indios les hacía el degüello corbatita para
ahorrar en balas”[31].
El periodista Rolando Hanglin, en franca oposición a Bayer, cuenta el otro lado
de la historia en un reciente artículo. Dice de Rauch: “fue derrotado en el combate de las Vizcacheras, el 28 de marzo de
1829, y en una emboscada le bolearon el caballo y luego lo lancearon y
degollaron. El autor material de su muerte fue el ranquel Nicasio Maciel (ya
muchos indios llevaban nombres cristianos), apodado Arbolito. Decapitaron a Rauch,
abatido junto al coronel Nicolás Medina, y arrojaron su cabeza en la puerta de
casa de la madre de su enemigo, Prudencio Arnold, como gesto cordial. Luego la
pasearon por Buenos Aires hasta tirarla por ahí, en señal de desafío a los
unitarios de la ciudad”[32].
Un detalle: Rauch es
nombrado por Ernesto Sábato, en “Sobre
héroes y tumbas”, a través de uno de sus personajes: “Soy el comandante Alejandro Danel… Y después cuando al fin, cuando
Francia ya no era más la tierra de la Libertad y yo soñaba con combatir por los
pueblos oprimidos, me embarqué hacia estas tierras, junto con Brauix, Viel,
Bardel, Brandsen y Rauch, que habían combatido al lado de Napoleón”[33].
No hay discusión, en cambio, sobre la figura de Enrique Santos Discépolo (1901-1951). Discepolín, como se lo conocía, dejó en su corta vida letras esenciales en la Historia del Tango, tales como Cambalache, Cafetín de Buenos Aires, Yira-Yira y Uno. Además de poeta, fue actor y dramaturgo. También lleva su nombre la placita que está en el centro de la calle Butteler[34] en Boedo.
Quiero agradecer muy especialmente a Beatriz Bursese, nieta de Lorenzo Bursese, constructor del edificio art deco de once plantas en la esquina norte de Rauch y Callao, quien tras leer la versión original de esta nota me proveyó el nombre correcto de su abuelo, tal como ahora aparece. Los constructores muchas veces pasan inadvertidos a pesar que tienen el enorme mérito de hacer realidad los sueños de los arquitectos.
[2] “Memoria
del Ministerio de Hacienda de la Provincia y de las diversas reparticiones que
de él dependen correspondientes al año 1866 y presentadas a la Legislatura de
1867”, Imprenta Buenos Aires, Calle Moreno, Frente a la Casa de Gobierno, 1867,
p.222
[3] García
Costa, Víctor, “Los Ferrocarriles”, Centro Editor de América Latina, 1971, p.41
[4]
“Antecedentes del Censo de la Ciudad de Buenos Aires de 1855”, Población de
Buenos Aires, vol. 3, núm. 4, octubre, Dirección General de Estadística y
Censos, Buenos Aires, Argentina, 2006, pp. 91-103
[5] Cutolo, Vicente Antonio, “Buenos Aires: historia de las calles y sus nombres”, Editorial Elche, Buenos Aires, 1988, p.691
[6] Barela,
Liliana, “Guía de Cartografía Histórica de Buenos Aires (1854-1900)”, Instituto
Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires,
2003, p.29
[8] Schvarzer,
Jorge y Gómez, Teresita, “El Ferrocarril del Oeste en la Argentina: entre las
demandas de la ciudad y el campo (1854-1870)”, Revista TST (Transportes,
Servicios y Telecomunicaciones), Dossier, p.204
[9] Piñeiro, Alberto Gabriel, “Las calles de Buenos Aires, sus nombres desde su fundación hasta nuestros días”, Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, 2ª Edición, 2005, p.349
[11]
Liemur, Jorge Francisco y Aliata, Fernando , Diccionario de Arquitectura en la
Argentina, Clarín – Arquitectura, Buenos Aires, Argentina, Tomo i/n, 2004,
p.168
[12] Böhm.
Mimi, Grementieri, Fabio y Verstraeten, Xavier, “Buenos Aires – Art Deco y
Racionalismo”, Ediciones Xavier Verstraeten, 2008, p.117
[28] Piñeiro,
Alberto Gabriel, “Las calles de Buenos Aires, sus nombres desde su fundación
hasta nuestros días”, Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, 2ª
Edición, 2005, p
[29] Iusem,
Miguel, “Diccionario de las calles de Buenos Aires”, Instituto Rioplatense de
Ciencias, Letras y Artes (IRCLA S.A.), Buenos Aires, Argentina, ” 1971, p.151.
Es la fecha más aceptada. Cutolo dice 1794.
En 13 de octubre de 1972 una noticia sacudió al mundo: un avión de la Fuerza Aérea Uruguaya con cuarenta pasajeros y cinco tripulantes había caído en la Cordillera de Los Andes. En aquel vuelo viajaba hacia Chile un equipo de rugby de un colegio católico junto a algunos de los familiares. Se inició un intenso rastrillaje para dar con su paradero. Diez días después el SAR (Servicio de Rescate Aéreo) chileno decidió suspender la búsqueda. La inmensa mayoría los dio por muertos pensando que, si no murieron en el accidente, el frío, la nieve y la montaña habían acabado con ellos.
Ignoraban que el avión había caído lejos de su ruta. En el accidente había perdido la cola y las dos alas, pero la trompa y el fuselaje habían parcialmente sobrevivido a la caída y con ellos 28 personas.
Como si semejante calamidad no bastara, el 29 de octubre un alud cubrió a los jóvenes refugiados en los restos de la nave; la nieve que había ingresado por el boquete posterior del avión se llevó ocho vidas más. Los que sobrevivieron tuvieron que quitar en forma desesperada la gruesa capa de nieve que los sepultaba para no morir asfixiados, y enfrentar nuevamente frente un panorama desolador de muerte, frío, hambre y soledad extremos. En las semanas siguientes el grupo se fue reduciendo a causa de las heridas y las enfermedades, quedando vivos solo 16.
Cómo sobrevivieron a esa tragedia está documentado en el libro “Viven” que leí con avidez durante mi adolescencia. Probablemente aquellos que no leyeron el libro vieron la película.
EL LIBRO
Décadas después llega a nosotros “Tenía que sobrevivir”, escrito en primera persona por uno de los protagonistas, Roberto Canessa, con la ayuda literaria de Pablo Vierci.
El libro está dividido en dos partes. La primera desarrolla la experiencia vivida en los Andes por la sociedad de la nieve, ese grupo de muchachos que enfrentó con fe y resignación el cruel destino que les había tocado. También habla de la búsqueda incesante de los padres que nunca dieron por perdidos a sus hijos y del sufrimiento en el Uruguay por los ausentes.
El relato detalla la terrible caminata final que el autor hizo junto a Fernando “Nando” Parrado hasta encontrar un baqueano, cuyo aviso a las autoridades permitió el inicio del rescate. Sin duda, es un texto épico que uno no puede parar de leer. Ni el primer libro ni la película revelaron en toda su intensidad ese esfuerzo final; era algo que en aquella lectura adolescente sentí que faltaba. El ascenso por pendientes sumamente empinadas, las noches en el hielo y el enorme sacrificio físico que exigió a los cuerpos desnutridos son presentados no solo como adversidades extremas sino como modeladoras de ese espíritu de lucha puesto a prueba que solamente la voluntad, cuando el físico ya no resiste, insiste en mantener.
LO QUE VINO DESPUÉS
La segunda parte del libro deja de ser una experiencia colectiva para volverse un relato personal donde el autor, ya convertido en cardiólogo infantil, aborda el subtítulo de su obra: “Cómo el accidente en los Andes inspiró mi vocación para salvar vidas”.
La supervivencia lo convirtió en una celebridad. Pudo viajar por todo el mundo contando la gesta de los Andes y eso le abrió puertas extraordinarias. Graduado de médico, aprovechó la fama adquirida para hacer contacto con los mejores cardiólogos y cirujanos cardiovasculares infantiles del mundo y se propuso llevar la cardiología infantil uruguaya a otro nivel. Comenzó a trabajar para que todos los niños con cardiopatías graves, sin importar su estatus socioeconómico, accedieran al menos a un diagnóstico cierto que pudiera dejar claras sus posibilidades de vida.
Tal como la primera parte que incluye los relatos de los protagonistas de la búsqueda, esta sección incluye conmovedores testimonios de madres y padres de pacientes. De algún modo, perciben al Dr. Roberto Canessa como una especie de santo al que rinden devoción por todo lo que desinteresadamente ha hecho por ellos. Desde luego, Canessa no se ve a si mismo como lo ven sus pacientes. Más bien siente que puede darle un significado a lo padecido en la montaña sirviéndolos. Si junto a sus compañeros en la nieve sintió el abandono, él se pregunta “¿qué puedo hacer para asegurarme que las víctimas de tragedias con las que tropiezo en el curso de mi vida no queden solas?”
Otra lección importante la deja para el final: “simplemente aprendí que no puedo rehuir los problemas que se atraviesan en mi camino, como la Cordillera de los Andes se interpuso en nuestro camino”. Coraje para enfrentar lo que a uno le toque y resistir hasta el final.
En un mundo donde el arte obedece más a una moda que al talento, muchas creaciones extraordinarias pasan inadvertidas porque simplemente no cuentan con una agencia de marketing. Sin embargo, la revolución producida por las redes sociales ha permitido que algunas de aquellas obras lleguen hasta nosotros y nos sorprendan. Tal es el caso de los dibujos de Claudia Rizzoli.
Maserati monofaro
Nacida en Buenos Aires, Argentina, se ha dedicado a recrear en lápiz vehículos deportivos con un altísimo grado de detalle. Es difícil determinar cuánto de su hiperrealismo es producto de su capacidad innata y cuánto de su obsesión por la perfección.
Motocicleta Famel Foguete
A diferencia de la enorme mayoría de los artistas plásticos, Claudia Rizzoli comenzó a dibujar tardíamente y sin formación académica. A pesar de ello, decidió asumir riesgos aún mayores: ingresar con su arte al mundo del automovilismo y el motociclismo, un ámbito altamente masculino, y a puro talento, sin sponsors ni mecenas. Prescindió de los prejuicios y los agoreros para dejar que sus obras hablaran por ella.
Lotus Seven 1986
Hoy sus dibujos aparecen en exposiciones, son adquiridos por coleccionistas e ilustran tapas de libros. Sin embargo, no la encandilan las luces del éxito. Trabaja como el primer día sabiendo que los “fierros”, como se llama cariñosamente a los vehículos deportivos en la Argentina, no son tema preferido de museos y galerías de arte. Para ella lo que cuenta es trasmitir sentimientos: darle vida a cada auto, moto o piloto que retrata en sus dibujos.
Coupé Chevrolet 1933
Claudia Rizzoli ha expuesto en lugares tan diversos como la tradicional Confitería La Biela, de Recoleta, Autoclásica en San Isidro, la Estación Retiro, la Bolsa de Comercio de Buenos Aires y el Museo Fangio de Balcarce. Además, ha sido entrevistada en el Suplemento Autos del Diario Clarín de Argentina.
Torino 380W
LA ENTREVISTA
Para conocer más de su arte, la entrevistamos en una de nuestras visitas a Buenos Aires. Compartimos aquí sus respuestas:
¿Cómo y cuándo comenzaste a dibujar? ¿En qué momento lo viste como tu vocación o pasión?
En 1976 quise estudiar Bellas Artes, pero mi papá me lo impidió. Era una época muy complicada en el país, por lo que me propuso dejarlo para más adelante. En el 2000 nos fuimos a vivir a una isla en la costa entrerriana, sobre el rio Paraná Guazú, y, como no tenía otra que hacer, un día me puse a dibujar. Mi papá me preguntó “¿No te animás a dibujar autos? No hay mujeres que dibujen autos”. Le dije que no tenía problema para dibujar lo que fuera, así que me compró un libro de autos clásicos. Me proveyó de todo lo que necesitaba y comencé a dibujar. Paralelamente alguien me sugirió que creara mi propia página web. Así nació “Autos y Arte”. Tomaba fotos de mis dibujos y los subía al sitio web. Una periodista que trabajaba en el suplemento de Autos del Diario Clarín los vio, me contactó y me hicieron un reportaje a doble página; así comenzó a darse a conocer lo que hacía.
Claudia Rizzoli
¿Cuáles fueron las primeras reacciones de los que veían tus trabajos?
Los trabajos generalmente sorprendían. La gente me decía “¡Uy! ¡Mirá lo que dibujaste!”. Recordemos que el auto es un elemento muy masculino. Siempre dibujo con lápiz, en negro sobre blanco, y luego solo le doy un toque de color. Entonces, esa característica mía llama mucho la atención porque, en general, todos pintan. Y también creo que llama la atención el tema: los autos.
Maserati MC12
¿Cómo diste a conocer tus creaciones?
Cada que vez que mostraba o exponía un cuadro, la devolución de la gente era muy buena; las obras eran muy aceptadas y el trabajo reconocido. Los autos son algo que no les interesa ni a los marchands ni a las galerías de arte, que prefieren paisajes o retratos, sin embargo, a través de la página web muchas personas comenzaron a contactarse. En 2014 una persona de Entre Ríos que había conocido por esa vía y también dibujaba autos, me comentó que un amigo suyo estaba montando una muestra en AutoClásica, una exposición que se hace todos los años en el hipódromo de San Isidro, y quería llevar artistas que pintaran autos, por lo que preguntó si estaba interesada en participar, y allí expuse. Por otro lado, un ex compañero del colegio me puso en contacto con un escritor que estaba terminando un libro titulado “La última hazaña de Fangio” sobre los Torino en la carrera de Nürburgring, y dibujé la tapa del libro. Fui a la presentación en el Automóvil Club Argentino, allí conocí al Ing. Heriberto Pronello, que se convirtió en uno de mis grandes impulsores. Lo adoro porque él me dijo “¡Hacelo!”; como siempre digo, la vida me fue llevando y yo me dejé llevar. Hoy doy a conocer mis obras por Facebook e Instagram y me conecté con gente del ambiente, como el gran artista plástico del automovilismo Jorge Ferreyra Basso, un genio cuyas obras son una explosión de color; trabajaba como diseñador de General Motors y estuvo 30 años en Opel en Alemania. Él es también en uno de mis grandes impulsores. Hicimos incluso un cuadro entre ambos: dibujé a Fangio sentado en el auto y él pintó alrededor la Maserati.
Claudia Rizzoli trabajando
¿Cómo definís tu arte? En tus propias palabras, ¿qué es lo que hacés?
Dicen que lo mío es hiperrealismo. Yo digo que casi hiperrealista pues no tengo formación artística formal. Descubrí que podía ser fiel a mí misma, con mis gustos y mis convicciones, y volcar en lo que hago todo lo que siento. Muchas veces me dicen que mis dibujos tienen vida; yo siempre pensé que los autos tienen vida. Incluso le hablo a mi auto, que heredé de mi papá. Una vez por Internet presenté unos dibujos y el nombre que le di a la expo fue “El Espíritu de los Fierros”, porque para mí tienen sentimiento y trato de volcarlo en mis dibujos. Intento poner ese sentimiento que me transmite un auto, que para mí no es un pedazo de metal. Hay un ida y vuelta entre lo que estoy dibujando y lo que siento.
Ducati Scrambler
¿Qué deseás comunicar en tus dibujos? ¿Cómo esperás que el observador se sienta al contemplarlos?
Quisiera que perciba el espíritu que hay detrás del dibujo: que no es simplemente una moto o un auto. Además, también hago retratos. Dicen que tengo la capacidad de transmitir lo que siente el personaje a través de la mirada. Eso vino conmigo. A mí me encanta que el observador perciba lo que la persona sentía en ese momento, como en los retratos de Fangio. A mi me subyuga dibujar ojos: en realidad, no dibujo ojos: dibujo miradas.
Juan Manuel Fangio con Stirling Moss
¿Cuáles son tus mayores anhelos como artista?
Hace unos días alguien me preguntaba si me asombrara lo que me estaba pasando. Acababa de exponer en el Museo Fangio y la gente me llama cada vez más para encargarme dibujos. Mi respuesta fue que no me asombraba pues no es algo que yo busqué, sino que se generó espontáneamente. Por supuesto, si dibujé, si trabajé, pero no esperaba que tuviera esta devolución, pero se produjo espontáneamente, con naturalidad. Y me atengo a lo que venga. Mi papá siempre decía: “ni muy eufórico ni muy deprimido”; era una de sus frases de cabecera. Las propuestas que surjan las tomo con tranquilidad; no me voy a enloquecer ni pongo demasiada expectativa. Yo voy caminando.
Para aquellos que siendo niños vimos en blanco y negro a Neil Armstrong poner el pie sobre la superficie lunar, este documental tiene un doble valor: histórico y emocional. Trata sobre Gene Cernan, quien en el vuelo de la Apolo 17 fue el último hombre en cerrar un glorioso ciclo espacial.
Corrían los tiempos de la Guerra Fría y el mundo se dividía en dos bloques: el capitalista liderado por Estados Unidos y el comunista, liderado por la extinta Unión Soviética. Los soviéticos tenían la iniciativa: en octubre de 1957 habían puesto en órbita el primer satélite de la historia, el Sputnik I. Un mes después lanzaron el Sputnik II con el primer ser vivo lanzado al espacio, la perrita Laika, que murió en la travesía. Finalmente, El 12 de abril de 1961 el ruso Yuri Gagarin fue el primer humano en realizar un vuelto orbital tripulado, a bordo de la nave Vostok. Se hizo famosa su frase “Aquí no veo a ningún Dios”.
John F. Kennedy en un conocido discurso dado en 1962 dijo “Elegimos ir a la Luna en esta década y hacer las otras cosas, no porque sean fáciles, sino porque son difíciles”. La NASA había sido creada en 1958 y desarrolló progresivamente tres programas espaciales para competir con los soviéticos: el Mercury (1959-1963), el Gemini (1961-1966) y el Apollo (1961-1972). La carrera por la conquista el espacio despertaba pasiones y los astronautas eran celebridades, tal como los Beatles, Pelé o Martin Luther King. Incluso en los álbumes de figuritas que coleccionábamos aparecían las naves y sus tripulantes. Recuerdo la enorme tristeza que nos produjo la muerte de los pilotos de la Apollo I, cuyo capitán era Virgil “Gus” Grissom, en una prueba de lanzamiento, algo que recuerda el documental.
Por eso, aquel 20 de julio, cuando la Apollo 11 llegó a la luna y a las pocas horas descendieron Armstrong y Aldrin, todos quedamos conmovidos. Fue un día épico para la humanidad. El primer hombre en la luna pronunció la famosa frase “Un pequeño paso para un hombre, un gran salto para la Humanidad”. Setenta y tres países dejaron mensajes durante la misión en la luna y uno de ellos era el Salmo 8, que en una frase dice: “Cuando veo tus cielos, obra de tus dedos, La luna y las estrellas que tú formaste, digo: ¿Qué es el hombre, para que tengas de él memoria, y el hijo del hombre, para que lo visites?”.
El “The Last Man on the Moon” repasa buena parte de esta historia a través del testimonio en primera persona de Gene Cernan, quien, además de la última travesía a la luna realizada en 1972 participó de otros vuelos espaciales, como el de la cápsula Gemini 9A en 1966 y el de la Apollo 10 en 1969. Ver a este anciano de digno porte compartiendo su experiencia, a muchos nos llena de nostalgia. Cuenta en el film que dejó grabadas las iniciales de su hija en la superficie lunar, un rasgo de humanidad que nos sorprende en medio de una situación regida por la propaganda política y el poder tecnológico. Definitivamente vale la pena verlo, sobre todo si vivió esa época.
Desde hace algunos años Arturo Pérez-Reverte es uno de los escritores más leídos de España, no solo por su extensa trayectoria periodística sino por sus novelas.
“El Oro del Rey” es la cuarta entrega de las aventuras del capitán Diego Alatriste[1]. La obra trata sobre la secreta pugna por el oro proveniente de América que financiaba las empresas de la corona española durante el reinado de el cuarto Felipe, como los personajes llaman a aquel que conocemos como el rey Felipe IV.
Si bien no soy amante de las novelas de época, el mayor mérito literario de esta obra reside -me parece- en la extraordinaria capacidad del autor de transportarnos a la Sevilla de principios del siglo XVII mediante el florido lenguaje utilizado en sus minuciosas descripciones. No sabemos a ciencia cierta cómo se hablaba en la España de aquel tiempo, salvo por la obra literaria de Luis de Góngora o Francisco de Quevedo, quien es uno de los personajes de la obra; sin embargo, la pluma de Pérez-Reverte nos convence que se hablaba tal cual él escribe.
Hay un párrafo atribuido a Íñigo Balboa, ahijado de Alatriste, donde sentimos la impronta autobiográfica del autor: “Todos los personajes de esta historia, el capitán, Quevedo, Gualterio Malatesta, Angélica de Alquézar, murieron hace mucho; y sólo en estas páginas puedo hacerlos vivir de nuevo, recobrándolos tal y como fueron. Sus sombras, entrañables unas y detestadas otras, permanecen intactas en mi memoria, con aquella época bronca, violenta y fascinante que para mí será siempre la España de mi mocedad, y la España del capitán Alatriste”.
“El Oro del Rey” no posee ni una alta carga emotiva, ni una tensión creciente; tampoco ofrece un sorprendente desenlace; sin embargo, hay tres o cuatro momentos de acción, incluyendo la escena final, muy bien relatados. Es una obra para aquellos que aman los combates a espada, las historias románticas y las fiestas populares.
La historia es la excusa para ser testigos y a la vez protagonistas de hechos que sucedieron mucho antes que hubiéramos nacido.
[1] Las aventuras del capitán Alatriste constan de siete entregas: El capitán Alatriste (1996), Limpieza de sangre (1997), El sol de Breda (1998), El oro del rey (2000), El caballero del jubón amarillo (2003), Corsarios de Levante (2006) y El puente de los Asesinos (2011).
Por recomendación de mi hermano Alejandro, vi la miniserie “Deadwid”, un thriller finlandés presentado por Netflix. Se trata de la investigación de la muerte de una mujer llamada Anna Bergdahl a cargo de la detective local Sofia Karppi y el novato en Homicidios Sakari Nurmi, desarrollada en doce capítulos.
Durante el proceso investigativo se proponen múltiples hipótesis al espectador entre las que se encuentran la crianza de la víctima en grupo religioso radical, un drama en su pareja y el espionaje corporativo, entrando en juego múltiples intereses. Obviamente, la tensión va creciendo en los últimos capítulos hasta llegar al desenlace. Sin embargo, es una historia interesante que vale la pena ver desde el principio.
Las actuaciones son creíbles y revelan una agresividad contenida debajo de una nórdica corteza de frialdad, discreción y diplomacia. Además, hay dos factores que, en mi opinión, valen la pena resaltar porque proveen a Deadwind de un toque diferente:
Del punto de vista cinematográfico, el relato es lento y se desarrolla como si todo transcurriera en un ámbito sórdido y oscuro. En las numerosas tomas de Helsinski, la capital de Finlandia donde acontece la mayor parte de la historia, se presenta una ciudad desierta, casi sin autos ni personas.
Del punto de vista cultural, se desnuda la enorme diferencia entre la policía finlandesa y la de nuestros países latinos. Alguna vez vi un reality show protagonizado por la Policía de la Provincia de Buenos Aires y no puede ser mayor el contraste. Deadwind comunica un reflexivo ambiente minimalista, donde el jefe más que un directivo es un facilitador, y las reuniones una suerte de terapia de grupo. No hay ni prepotencia, ni hostilidad.
Concluyendo, pruebe a verla, abra los ojos a la historia y a sus detalles y forme su propia opinión.
Las redes sociales como Facebook, Twitter o Whatsapp han traído nuevas oportunidades y nuevos desafíos. Sin embargo, como toda novedad, toma tiempo conocerlas; en ocasiones su uso indebido en lugar de vincular a las personas las desconecta.
Los debates en los foros y grupos a veces parecen batallas encarnizadas. Desde luego, la discusión es buena y necesaria, pero debe haber reglas que garanticen las mismas oportunidades de participación para todos y eviten que unos pocos monopolicen la conversación. La única manera de prevenirlo es estableciendo acuerdos y reglas que no permitan la incontinencia digital, esa práctica indecorosa caracterizada por el envío reiterado a contactos, grupos y redes de mensajes, de todo tipo de fotos, chistes, comentarios políticos, oraciones cristianas, noticias, videos y archivos, aunque nadie se los pida.
Contribuyendo a prevenir estos males, así como ya hemos escrito sobre “Reglas de Etiqueta en Facebook”[1] e “Incontinencia Digital”[2], ahora proponemos reglas de etiqueta para foros y grupos en redes sociales.
REGLAS DE ETIQUETA PARA FOROS Y GRUPOS EN REDES SOCIALES
1. Sea prudente. No canse a los demás posteando varios mensajes y archivos en un mismo día. Puede saturar.
2. Enfóquese en el tema del foro o grupo: publique contenidos exclusivamente relacionados con el propósito para el que fue creado. No envíe imágenes con saludos, chistes, videos o cadenas.
3. No responda todo lo que reciba. No hay tal necesidad.
4. Cuide su ortografía.
5. No caiga en la vulgaridad: puede obtener la risa de un momento y el desprecio en el siguiente.
6. Cuestione ideas, no personas.
7. Los debates no son concursos para definir quién tiene la razón, sino que, a través del intercambio de puntos de vista, sirven para iluminar la verdad. Deje que cada participante decida qué creer y qué pensar.
8. No utilice el sarcasmo. Si quiere que lo respeten, respete a los demás.
9. No se victimice ni culpe sistemáticamente a los demás.
10. Una vez que expresó su posición sobre un tema, puede debatir con quien lo cuestiona, pero recuerde que nadie lee respuestas largas, y si opina o responde más de cuatro veces generalmente aburre a los demás.
11. Si quiere discutir con alguien en particular, hay herramientas en las redes sociales que permiten responder exclusivamente a esa persona o, si no, hágalo por vía privada para no cansar, molestar o quitarle espacio a los demás.
12. No deje que sus emociones lo dominen; si se siente agredido, respire hondo y piense bien si va a responder y qué va a decir. Tenga en cuenta que el hombre es dueño de las palabras que calla y esclavo de las que pronuncia.
Por favor, no lo olvide: un debate no es la final del Mundial de Fútbol ni de su opinión depende el futuro del planeta. Disfrute de la comunicación y de la polémica sin dejar que la agresión, la hostilidad o la soberbia que puede percibir en otros, se apoderen de Ud. y proceda del mismo modo.
La vida comienza en el momento de la concepción, cuando un espermatozoide de los 250 millones (sic) que libera el hombre en cada eyaculación se une a un óvulo, dentro de la mujer.
Tanto el espermatozoide como el óvulo aportan 23 cromosomas (las demás células humanas tienen el doble), por eso cada célula del nuevo ser posee 46 cromosomas. En esos 23 pares de cromosomas está toda la información genética de la persona, que se mantendrá hasta la adultez. El genoma, que es el conjunto de genes contenidos en los cromosomas, de cada persona es único y está determinado por las secuencias del ADN. Por tanto, desde el primer instante de la vida intrauterina está determinado quién eres, incluyendo, por ejemplo, tu color de ojos y la forma de los dedos de tus pies.
Además, desde el mismo momento de la concepción queda determinado el sexo. En esos 23 pares de cromosomas, hay uno especial, conocido como par 23 cuyo contenido genético determinará si eres hombre o mujer, si tendrás pene o vagina, si tendrás testículos y próstata o útero y ovarios y si en la adolescencia te crecerá la barba y tu voz se volverá más gruesa o si te crecerán los pechos y comenzarás a menstruar. Los hombres tienen el par 23 formado por un cromosoma X y uno Y; las mujeres, por dos cromosomas X. Por eso, al momento de la concepción la mujer siempre aportará un cromosoma X y el hombre uno X o uno Y. Dependiendo de cuál de los dos aporte el espermatozoide, el nuevo ser será varón (XY) o mujer (XX) desde el principio.
A partir de la concepción, las primeras células comienzan a multiplicarse a un ritmo extraordinario, mostrando una vitalidad asombrosa. Se adhieren al útero de donde reciben nutrientes y oxígeno a través de un órgano que se desarrolla en el embarazo llamado placenta.
Luego las células comienzan a diferenciarse formando tejidos y órganos. Por ejemplo, se creía que el corazón comenzaba a funcionar alrededor del día 21 después de la concepción, pero un estudio de la British Heart Foundation (BHF) de la Universidad de Oxford sugiere que el corazón humano podría comenzar a latir ya en el día 16[1]. Dicho trabajo científico está accesible en la web y, si alguno lo desea, puedo enviarle una copia en pdf.
Resumiendo, la vida no comienza en la semana 12 o la semana 14, por lo que es absurdo legalizar el aborto poniéndole un límite de tiempo: el bebé intrauterino estuvo vivo desde el mismo momento que fue concebido.
Además, el aborto es un asesinato. Para que un homicidio se considere un asesinato deben cumplirse al menos una de estas tres condiciones: 1) se sabe que la persona no puede defenderse, 2) se paga por cometerlo, 3) se aumenta deliberadamente el sufrimiento. Aunque solo hace falta una de las tres razones, en el aborto se cumplen las dos primeras.
Elegir quién debe morir jamás debe ser una decisión de los padres ni del Estado. No importa si el bebé aún se encuentra en el seno materno o fuera de él, es un ser vivo desde el primer instante, con toda la identidad genética que mantendrá en su adultez. No permitamos que se viole el primero de todos los derechos: el derecho a la vida. Recordemos que estamos hablando de los más indefensos.
Una comentario adicional: Vi una publicidad absurda de los conocidos como pañuelos verdes, calificando a senadores que votan en contra de la despenalización del aborto en la Argentina como “A favor del aborto clandestino”. Nadie sabe quién los financia, pero suenan a grito desesperado. Es como decir que si alguien no despenaliza el asesinato está a favor de los asesinos.
No se trata de estar a favor o en contra del aborto legal o clandestino, sino de cuidar las dos vidas: la de la mamá y la del bebé.
Desde hace algunos años Arturo Pérez-Reverte es uno de los escritores más leídos de España, no solo por su extensa trayectoria periodística sino por sus novelas.
Hay un párrafo atribuido a Íñigo Balboa, ahijado de Alatriste, donde sentimos la impronta autobiográfica del autor: “Todos los personajes de esta historia, el capitán, Quevedo, Gualterio Malatesta, Angélica de Alquézar, murieron hace mucho; y sólo en estas páginas puedo hacerlos vivir de nuevo, recobrándolos tal y como fueron. Sus sombras, entrañables unas y detestadas otras, permanecen intactas en mi memoria, con aquella época bronca, violenta y fascinante que para mí será siempre la España de mi mocedad, y la España del capitán Alatriste”.
Por recomendación de mi hermano Alejandro, vi la miniserie “Deadwid”, un thriller finlandés presentado por Netflix. Se trata de la investigación de la muerte de una mujer llamada Anna Bergdahl a cargo de la detective local Sofia Karppi y el novato en Homicidios Sakari Nurmi, desarrollada en doce capítulos.
Las actuaciones son creíbles y revelan una agresividad contenida debajo de una nórdica corteza de frialdad, discreción y diplomacia. Además, hay dos factores que, en mi opinión, valen la pena resaltar porque proveen a Deadwind de un toque diferente:
Del punto de vista cultural, se desnuda la enorme diferencia entre la policía finlandesa y la de nuestros países latinos. Alguna vez vi un reality show protagonizado por la Policía de la Provincia de Buenos Aires y no puede ser mayor el contraste. Deadwind comunica un reflexivo ambiente minimalista, donde el jefe más que un directivo es un facilitador, y las reuniones una suerte de terapia de grupo. No hay ni prepotencia, ni hostilidad.
