SABIDURÍA PURA: SIN EL 1 DELANTE NO VALE NADA (por Pablo R. Bedrossian)

“Si una persona tiene valores entonces póngale un 1. Si además es inteligente, agréguele un cero y valdrá 10. Si también es rico, añádale otro cero y su valor será 100. Si además tiene bello aspecto, súmele otro cero y su valor será 1000. Pero si pierde el 1 que está delante, esa persona no vale nada”.

Este extraordinario pensamiento se atribuye a un genial matemático llamado en castellano Al-Juarismi, Al-Kharismi o Al-Khwarizmi. Su nombre en árabe debe sonar parecido pues de él se derivan dos palabras en nuestro idioma: guarismo y logaritmo. Además, de su obra más importante nace la palabra álgebra, rama de la matemática de la cual es considerado el padre. No se sabe si este brevísimo relato es de su autoría o simplemente se le ha atribuido para darle una merecida autoridad.

El persa Al-Juarismi nació en 780 en algún lugar de Oriente que algunos ubican en Bagdag, en el actual Irak, y falleció en 850; sus obras se seguían estudiando en Occidente siete siglos después.

© Pablo R. Bedrossian, 2019. Todos los derechos reservados.

EL COMIENZO DE LA VIDA HUMANA (por Pablo R. Bedrossian)

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La vida comienza en el momento de la concepción, cuando un espermatozoide de los 250 millones (sic) que libera el hombre en cada eyaculación se une a un óvulo, dentro de la mujer.

Tanto el espermatozoide como el óvulo aportan 23 cromosomas (las demás células humanas tienen el doble), por eso cada célula del nuevo ser posee 46 cromosomas. En esos 23 pares de cromosomas está toda la información genética de la persona, que se mantendrá hasta la adultez. El genoma, que es el conjunto de genes contenidos en los cromosomas, de cada persona es único y está determinado por las secuencias del ADN. Por tanto, desde el primer instante de la vida intrauterina está determinado quién eres, incluyendo, por ejemplo, tu color de ojos y la forma de los dedos de tus pies.

Además, desde el mismo momento de la concepción queda determinado el sexo. En esos 23 pares de cromosomas, hay uno especial, conocido como par 23 cuyo contenido genético determinará si eres hombre o mujer, si tendrás pene o vagina, si tendrás testículos y próstata o útero y ovarios y si en la adolescencia te crecerá la barba y tu voz se volverá más gruesa o si te crecerán los pechos y comenzarás a menstruar. Los hombres tienen el par 23 formado por un cromosoma X y uno Y; las mujeres, por dos cromosomas X. Por eso, al momento de la concepción la mujer siempre aportará un cromosoma X y el hombre uno X o uno Y. Dependiendo de cuál de los dos aporte el espermatozoide, el nuevo ser será varón (XY) o mujer (XX) desde el principio.

A partir de la concepción, las primeras células comienzan a multiplicarse a un ritmo extraordinario, mostrando una vitalidad asombrosa. Se adhieren al útero de donde reciben nutrientes y oxígeno a través de un órgano que se desarrolla en el embarazo llamado placenta.

Luego las células comienzan a diferenciarse formando tejidos y órganos. Por ejemplo, se creía que el corazón comenzaba a funcionar alrededor del día 21 después de la concepción, pero un estudio de la British Heart Foundation (BHF) de la Universidad de Oxford sugiere que el corazón humano podría comenzar a latir ya en el día 16[1]. Dicho trabajo científico está accesible en la web y, si alguno lo desea, puedo enviarle una copia en pdf.

Resumiendo, la vida no comienza en la semana 12 o la semana 14, por lo que es absurdo legalizar el aborto poniéndole un límite de tiempo: el bebé intrauterino estuvo vivo desde el mismo momento que fue concebido.

Además, el aborto es un asesinato. Para que un homicidio se considere un asesinato deben cumplirse al menos una de estas tres condiciones: 1) se sabe que la persona no puede defenderse, 2) se paga por cometerlo, 3) se aumenta deliberadamente el sufrimiento. Aunque solo hace falta una de las tres razones, en el aborto se cumplen las dos primeras.

Elegir quién debe morir jamás debe ser una decisión de los padres ni del Estado. No importa si el bebé aún se encuentra en el seno materno o fuera de él, es un ser vivo desde el primer instante, con toda la identidad genética que mantendrá en su adultez. No permitamos que se viole el primero de todos los derechos: el derecho a la vida. Recordemos que estamos hablando de los más indefensos.

Una comentario adicional: Vi una publicidad absurda de los conocidos como pañuelos verdes, calificando a senadores que votan en contra de la despenalización del aborto en la Argentina como “A favor del aborto clandestino”. Nadie sabe quién los financia, pero suenan a grito desesperado. Es como decir que si alguien no despenaliza el asesinato está a favor de los asesinos.

No se trata de estar a favor o en contra del aborto legal o clandestino, sino de cuidar las dos vidas: la de la mamá y la del bebé.

© Pablo R. Bedrossian, 2018. Todos los derechos reservados.


REFERENCIAS

[1] https://elifesciences.org/articles/17113

HUNDERTWASSERHAUS, CREATIVIDAD PARA TODOS (por Pablo R.Bedrossian)

Si piensa viajar a Viena, no puede dejar de ver la Hundertwasserhaus (en español, la Casa Hundertwasser). Es un caso curioso, pues concebida como un edificio de vivienda popular, se transformó en una atracción turística. Alejado del glamour imperial, este complejo habitacional es fácilmente reconocible por su fachada asimétrica, dividida en ondulantes secciones de colores intensos.

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Su construcción se inició en 1983 pero su historia comenzó mucho antes, en 1977, cuando Leopold Gratz, alcalde de Viena encargó el proyecto al artista Friedensreich Hundertwasser, quien desarrolló la idea. El diseño técnico corrió por cuenta del arquitecto Joseph Krawina, quien luego fue sucedido por el arquitecto Peter Pelikan. Quizás exagerando, puede decirse que es una suerte de expresión gaudiana tardía en tono menor, menos bella pero más divertida.

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Si desea visitarla, se encuentra en Kegelgasse 34-38 en el distrito 3 de Viena. El edificio cuenta con 52 viviendas, 4 locales comerciales, 16 terrazas privadas, un jardín de invierno, 3 azoteas comunitarias y 2 áreas de juegos infantiles. En frente hay un pequeño centro comercial, el Hundertwasser Village, que incluye una tienda de regalos, con recuerdos alegóricos.

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SU HISTORIA

Friedensreich Hundertwasser (1928 – 2000) fue un original artista, interesado en la naturaleza. Pintor en sus inicios, y luego de haber publicado varios manifiestos estéticos, en 1972 presentó un conjunto de maquetas en el programa Wünsch dir was, emitido por Eurovision, que testimoniaban su preocupación por una arquitectura en armonía con el hombre y el medio ambiente. A partir de allí ganó notoriedad.

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A fines de noviembre de 1977, Bruno Kreisky, Canciller de Austria -máxima autoridad del Poder Ejecutivo- le escribió una carta al influyente alcalde de Viena, Leopold Gratz, sugiriendo que Hundertwasser debería tener la posibilidad de materializar sus ideas en el campo de la vivienda. 15 días después, Gratz invitó a Hundertwasser a crear un edificio de apartamentos de acuerdo a sus propios criterios, que abarcaban lo estético, lo social y lo ambiental.

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Encontrar un terreno donde hacer realidad su sueño tomó algunos años. La propuesta de Hundertwasser era construir “un edificio para humanos y árboles”. Como era artista, y no arquitecto, se escogió un experto convirtiera esas ideas en un proyecto formal. Primero fue el arquitecto Joseph Krawina, pero posteriormente fue reemplazado por Peter Pelikan, quien terminó siendo socio de Hundertwasser en otros proyectos.

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Hundertwasser acudía diariamente a la obra para constatar los avances. Cuando se hizo el Open House se recibieron 70,000 visitantes. El edificio fue concluido en 1985, durante el mandato del alcalde Helmut Zilk, e inaugurada el 17 de febrero de 1986.

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EL EDIFICIO

La Casa Hundertwasser es una construcción de bloques de ladrillo cuyo diseño se aleja de los patrones reconocidos. Posee apartamentos de una y dos plantas. En algunos sobresalen balcones, pérgolas o terrazas. Se utilizó tierra negra para la forestación de sus numerosas áreas verdes internas. Durante nuestra visita no pudimos ingresar a las viviendas, pero sí a las áreas comunes, donde sobresalen los mosaicos en las paredes, en las escaleras y en los pasillos, creados por los trabajadores.

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Hundertwasser demostró que una arquitectura más humana y en armonía con la naturaleza es posible sin tomar más tiempo que otras obras, y que es posible realizarlo bajo los límites que impone el presupuesto de un proyecto público y sujeto a las leyes vigentes en su país, sin ningún tipo de permisos especiales.

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Para más información puede visitar: http://www.hundertwasser-haus.info

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BONUS: LE PALAIS DES BEAUX ARTS

A una cuadra, exactamente en Löwengasse 47, se encuentra el Palais des Beaux Arts  (en español, Palacio de Bellas Artes); como se observa, se prefiere denominarlo en francés pese a la que la lengua de Austria es el alemán.

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Desde 1994 alberga las embajadas de Lituania y Moldavia. Fue construido entre 1908 y 1909, por Anton Drexler (1858-1940) y Josef Drexler (1850-1922).

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Diseñado originalmente para ser un centro de la moda parisina, combina de manera original elementos del historicismo tardío con motivos art nouveau. En la esquina posee una torre coronada por una cúpula de tres niveles, flanqueada por un globo que sostiene personajes femeninos.

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Para más información puede visitar: http://www.palaisdesbeauxarts.at

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© Pablo R. Bedrossian, 2016. Todos los derechos reservados.


CRÉDITOS MULTIMEDIA

Todas las fotografías fueron tomadas por el autor de esta nota y es el dueño de todos sus derechos.

LAS ASOMBROSAS ESCULTURAS DE RON MUECK (por Pablo R. Bedrossian)

Serie “GRANDES ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS”

“Las esculturas de Ron Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano y si no fuese por el tamaño serían confundidas sin dudas con personas” .  Carlos Alberto Gouvêa Chateaubriand. (Presidente del  Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro)

“En las obras de Ron Mueck uno observa las criaturas por fuera y las intuye por dentro”.

Vimos por primera vez las esculturas de Ron Mueck en 2006, en una presentación en PowerPoint, de esas que llegaban en cadenas por correo electrónico, antes que Facebook universalizara la comunicación de nuestras preferencias. Quedamos conmovidos. La extraordinaria humanidad de sus figuras contrastaba con la monumentalidad o pequeñez de su tamaño.

Nacido en Australia en 1958, este original artista se radicó en el norte Londres para crear obras cuyos temas son esencialmente humanos. Más que figuras construye personajes, cuyo mundo interior se revela a través de sus expresiones, modeladas con silicona, fibra de vidrio o acrílico. 

Sus esculturas no muestran pasión o histrionismo sino las emociones corrientes, disimuladas bajo una corteza de neutralidad pero reveladas en una mirada, una posición o en el gesto de las manos. Una excepción la constituye una naturaleza muerta, un gigantesco pollo desplumado, que cuelga como si estuviera listo para la venta.

Durante una visita a Buenos Aires en 2014 pudimos admirar personalmente sus obras cuya realismo (o, como algunos insisten, hiperrealismo) supera largamente todo lo que pudimos admirar en las fotografías mencionadas al principio. No sería aventurado proponer que Ron Mueck cultiva una suerte de ilusionismo escultórico, pues sus personajes parecen tener vida, una vida latente que en cualquier momento puede ponerse en movimiento,  mientras que su volumen nos advierte que no pertenecen al mundo biológico, sino más bien al mundo de los sueños, que es el de los símbolos.

Buenos ejemplos son su Máscara II, donde la vida se reduce a un rostro dormido con la boca entreabierta, Man in a boat donde un hombre desnudo con los brazos cruzados marcha a la deriva.

Al arco iris de la experiencia humana ha incorporado obras con dos personajes, un arte de relaciones, porque pasa de la sensibilidad individual a la circunstancial, dándole un contexto: La proximidad con otro ser humano ante el cual se reacciona.  Vemos una madre con su bebé, una pareja de adolescentes con sus relaciones conflictivas o dos ancianos tomando sol con un pasado desconocido a cuestas, que a la vez los une y los separa. Parece decir que nada de lo que sentimos puede manifestarse sin el otro.

ALGUNAS ESCULTURAS DE RON MUECK

Las obras de Mueck asombran, porque a pesar de sus proporciones imposibles, se parecen demasiado a nosotros. Presentamos algunas de ellas:

"Couple under un Umbrella", en español "Pareja bajo una sombrilla" (2013). Esta obra mide 300 x 400 x 350 cm.
“Couple under un Umbrella”, en español “Pareja bajo una sombrilla” (2013). Esta obra mide 300 x 400 x 350 cm.
Detalle de "Couple under un Umbrella".
Detalle de “Couple under un Umbrella”.
Vista del rostro del anciano de "Couple under un Umbrella". Como se observa, la recreación de los rasgos es perfecta.
Vista del rostro del anciano de “Couple under un Umbrella”. Como se observa, la recreación de los rasgos es perfecta.
"Young couple", en español "Joven pareja" (2013). Mide 89 x 43 x 23 cm.
“Young couple”, en español “Joven pareja” (2013). Mide 89 x 43 x 23 cm.
Detalle de Young couple. ¿No se advierte en la joven una mirada de tristeza o resignación?
Detalle de Young couple. ¿No se advierte en la joven una mirada de tristeza o resignación?
Vista dorsal de "Young couple". Observe el detalle de las manos, que revela el conflicto: El muchacho tiene a la chica tomada de su muñeca mientras ella extiende su mano hacia atrás.
Vista dorsal de “Young couple”. Observe el detalle de las manos, que revela el conflicto: El muchacho tiene a la chica tomada de su muñeca mientras ella extiende su mano hacia atrás.
"Still Life" en español "Naturaleza muerta" (2009). Mide 215 x 89 x 50 cm
“Still Life” en español “Naturaleza muerta” (2009). Mide 215 x 89 x 50 cm
Detalle de "Still Life".
Detalle de “Still Life”.
"Woman with Shopping", en español "Mujer con las compras" (2013). El bebé extrañamente transportado observa a su mamá cuya mirada parece abstraída en sus propias preocupaciones.
“Woman with Shopping”, en español “Mujer con las compras” (2013). El bebé extrañamente transportado observa a su mamá cuya mirada parece abstraída en sus propias preocupaciones.
Detalle de "Youth", en español "Juventud" (2008)
Detalle de “Youth”, en español “Juventud” (2008)
"Man in a boat", en español "Hombre en un bote" (2002). Mide 159 x 138 x 425.5 cm.
“Man in a boat”, en español “Hombre en un bote” (2002). Mide 159 x 138 x 425.5 cm.
"Drift", en español "A la deriva" (2009) rompe el modelo de colores neutros con un colorido traje de baño. El único objeto real es el reloj en la muñeca izquierda (un reloj para niños). Mide 118 x 96 x 21 cm.
“Drift”, en español “A la deriva” (2009) rompe el modelo de colores neutros con un colorido traje de baño. El único objeto real es el reloj en la muñeca izquierda (un reloj para niños). Mide 118 x 96 x 21 cm.
"Drift" visto a la distancia. Los brazos en cruz sugieren un Cristo posmoderno y hedonista, en contraposición con el Jesús que vino a servir.
“Drift” visto a la distancia. Los brazos en cruz sugieren un Cristo posmoderno y hedonista, en contraposición con el Jesús que vino a servir.
"Woman with sticks", en español "Mujer con ramas" (2009). Mide 170 x 183 x 120 cm.
“Woman with sticks”, en español “Mujer con ramas” (2009). Mide 170 x 183 x 120 cm.
"Mask II", en español "Máscara II" (2002). Mide 77 x 118 x 85 cm.
“Mask II”, en español “Máscara II” (2002). Mide 77 x 118 x 85 cm.

ACTUALIZACIÓN 2017:

A fines de 2016 visitamos el Hirshhorn, un museo de arte moderno que pertenece a la Smithsonian Institution, en Washington D.C.. Nos sorprendió encontrar allí, solitaria en un rincón, una colosal creación de Ron Mueck.

DSC02545Aunque no tiene título, se la conoce como “Big Man”. A simple vista, parecería un ser humano, si no fuera por su descomunal tamaño.

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Se trata de un hombre desnudo, obeso y calvo, sentado en el piso con las piernas flexionadas, que parece estar en su madurez.

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El lenguaje corporal de la figura revela preocupación y desconfianza a través de su mirada -dirigida hacia abajo y a la derecha-, del ceño fruncido, y de la posición de los brazos; también el torso, inclinado hacia abajo y adelante, comunica abatimiento.

DSC02450La enorme figura se aproxima a una posición fetal, impactando al observador por el severo contraste entre la fuerza de su volumen y la sensación de impotencia que sugiere su postura.

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Creada en el 2000 en resina de poliéster pigmentado sobre fibra de vidrio, la obra confirma la singular habilidad del genial artista australiano para comunicar estados de ánimo, mediante una perfecta recreación de la anatomía que sin proponérselo se acomoda a las diversas circunstancias.

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© Pablo R. Bedrossian, 2014, 2107. Todos los derechos reservados, a excepción de los correspondientes a las fotografías de la nota original publicada en 2014.


NOTAS:

Recomiendo ver el documental que Gautier Deblonde filmó en el atelier de Ron Mueck, donde se lo observa trabajar con dos asistentes, de un modo sobrio, casi en completo silencio.

También sugiero adquirir el libro o cuadernillo “Ron Mueck” editado por la Fundación Proa, y dentro de él leer el excelente ensayo de Justin Paton sobre esta exhibición, que en total consta de nueve esculturas, las cuales mostramos en su totalidad.


CRÉDITOS MULTIMEDIA:

Como en la exposición que visité en la Fundación Proa, en el barrio de La Boca de Buenos Aires, estaba prohibido tomar fotografías, todas las imágenes fueron descargadas vía Google desde Internet (desconozco quiénes son los autores) y corresponden a las obras exhibidas allí. La mayoría pudo haber sido tomada en la exposición de París (2013), y, las restantes, en otras anteriores.

Todas las fotografías de la obra sin título del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, de Washington DC, fueron tomadas por el autor de esta nota y no está permitida su reproducción sin su autorización escrita.

“TU MANO”: LA HISTORIA DE LA CANCIÓN QUE HABLA DE LA VERDADERA MANO DE DIOS

Cuando Diego Maradona hizo el famoso primer gol a los ingleses en el Mundial ’86, generó la protesta de sus rivales que decían que había convertido con la mano. Al ser entrevistado, en una respuesta ingeniosa por su reveladora ambigüedad, el jugador argentino dijo que hizo el gol “un poco con la cabeza y otro poco con la mano de Dios”. Años después, en un acto de sublime obsecuencia e indudable oportunismo comercial, el periodista Fernando Niembro, publicó un libro sobre Maradona titulado “La mano de Dios”. “Tu mano”, un negro spiritual  presentado en 2013, recupera el sentido original de la frase, que no es religioso y menos aún deportivo, sino testimonial.

House of Blues 01Siempre admiré la música afroamericana. Cuando era niño, en casa había unos discos con negro spirituals que me gustaba escuchar y cantar con mi voz desafinada. Con los años entendí  la enorme carga testimonial que contenían esas canciones de estructura simple y letra repetitiva: Eran cantos de esperanza en medio de circunstancias de peligro extremo, el sueño de una vida libre de toda esclavitud.

Al hurgar en sus raíces, esta música se presentó completamente desnuda, sin nombres famosos o grandes protagonistas. Me encontré con una voz anónima colectiva que expresaba al mismo tiempo dolor y resistencia. Declaraba con fe que Dios terminaría con tanto llanto, dolor y clamor pues traería la aurora de un nuevo día.

“Tu mano” nació de esa idea: Escrito en primera persona, es una oración que reconoce la soberanía divina. Comienza de un modo testimonial: la mano de Dios representa su misericordia, manifestada “cualquiera sea la adversidad”, tal como dice la letra. Al escribirla pensé en las pruebas padecidas no sólo por los esclavos negros en el sur de los Estados Unidos. Pensé en incontables mártires, “de los cuales el mundo no era digno”[1] como dice el autor de la bíblica Epístola a los Hebreos. Pensé en el heroico pueblo armenio, que por su fidelidad a la fe cristiana fue masacrado, y en la gesta de mi abuelo Agop. Para quienes no conocen su historia, fue deportado con su familia durante meses a través del desierto por gendarmes turcos, cuyos líderes organizaron e impulsaron el genocidio. Finalmente, al llegar a la base de una montaña y escuchar los gritos de los que eran asesinados, su madre, que había quedado viuda en el camino, puso un poco de tierra en la boca de cada uno de sus hijos, como si fuera el pan de la Santa Cena, y les dijo “en unos momentos estaremos en la presencia de Dios”. Mi abuelo, dado por muerto y arrojado a una fosa común, logró sobrevivir tras pasar escondido varias horas en la enorme pila de cadáveres. A pesar de tanto sufrimiento, fue un ejemplo de fe. Siempre imputó la crueldad  y la injusticia a la maldad del hombre. Nos enseñó que la comunión con Dios era lo más importante en la vida pues nos permitía hacer frente a la peor adversidad.

Por ello, me indigna escuchar a ciertos predicadores que anuncian una falsa prosperidad a través de la obediencia, una suerte de éxito negociado, no sólo porque se centran en el beneficio material y en el dinero que ellos recogen, sino porque plantean una supuesta retribución divina a la buena conducta, ignorando deliberadamente el sufrimiento de los justos. Sin el menor pudor, ven en los padecimientos ajenos supuestas culpas y merecidos  castigos. Jesús jamás comulgó con esas ideas miserables. Presentó a Dios como “vuestro Padre que está en los cielos, que hace salir su sol sobre malos y buenos, y que hace llover sobre justos e injustos”[2], y habló de “toda la sangre justa que se ha derramado sobre la tierra, desde la sangre de Abel el justo hasta la sangre de Zacarías hijo de Berequías, a quien matasteis entre el templo y el altar”[3]. Él mismo “fue llevado como oveja al matadero”[4].

Los padecimientos de los esclavos negros en el sur de Estados Unidos, los campos de concentración y exterminio nazis, los gúlags soviéticos y las deportaciones y matanzas de armenios  son circunstancias terribles que muestran  al hombre como lobo del hombre. Vivimos en un mundo de violencia y terrorismo que deja al descubierto a las atrocidades a las que estamos expuestos. Agradecer a Dios por esa “mano”, es también reconocer que la necesitamos.

GRITO DE LIBERACIÓN

La mano de Dios 01Cuando dice “Tu mano me ha sanado, mi herida ha curado aunque siga la dificultad”, hace referencia no sólo al dolor físico sino al dolor moral, aquel que surge por el daño que nos ha producido otro ser humano. Dios nos sana del resentimiento y nos mueve a renunciar a la venganza. La frustración, esa herida, ya no nos domina ni ocupa el centro de nuestros pensamientos “aunque siga la dificultad”, pues no han cambiado las circunstancias sino nuestra actitud frente a ellas. Esta experiencia es propia de los spirituals afroamericanos. No son llamados a la revancha o expresiones de rencor, sino un grito de liberación.

La letra termina jugando con el llamado del solista y la respuesta del coro, con rimas que incluyen todas las vocales. Le dicen a Dios que, a pesar de las calamidades y pase lo que pase, confían que su milagrosa presencia estará con ellos hasta el final. No se trata de librarnos de las desgracias sino de ser acompañados y recibir fuerzas en medio de ellas.

Aunque los negro spirituals son cantos eminentemente rurales, este es un salmo urbano. Hoy vivimos en nuestras junglas de cemento y asfalto también una realidad difícil. “Tu mano” es una declaración de fe en medio de los abusos, la impunidad y la opresión,  que siempre terminan teniendo como víctimas a las personas más indefensas, el hombre común, cuyo único interés es servir a su familia y vivir en paz con su prójimo.

SOBRE LA MÚSICA

La mano de Dios He publicado un artículo sobre los negro spirituals donde sostengo que “aunque para algunos no es un género musical, encontramos en esta música rasgos muy definidos que le confiere  identidad propia… Las raíces africanas se advierten  en forma de call and response (llamado y respuesta), donde el solista “dialoga” con el coro enunciando una frase, tras la cual recibe una respuesta colectiva. También hay sílabas que se prolongan, reiteraciones y variaciones melódicas con disminuciones de cuartos de tono”[5]. “Tu mano” es justamente una expresión de ese género. Compuesta en tono menor para crear una atmósfera dramática propia de los spirituals, se nutre también de obras como de “Joshua fit the battle of Jericho”, canción que si bien tiene otro ritmo, siempre me ha inspirado. El “amén” es la respuesta del pueblo a los afirmaciones del solista. El final, con el esquema de sucesivas líneas por solista primero y coro después, unen a ambos  en un solo sentimiento.

LA LETRA

TU MANO

Por Pablo. R. Bedrossian (2012)

Tu mano me ha tomado

y nunca me ha soltado

cualquiera fuera la adversidad.

Tu mano me ha ceñido

siempre me ha sostenido

y cuando hubo dolor puso paz.

Tu mano me ha sanado,

mi herida ha curado

aunque siga la dificultad.

Tu mano me ha guardado

en los momentos malos

por eso en ti yo puedo confiar.

Aunque todo salga mal

sé que Tú me sostendrás

Aunque no pueda entender

sé que buscarás mi bien.

Aunque sienta que no puedo seguir

seguirás actuando en mí

Aunque me agobie dolor

sentiré tu inmenso amor

Aunque cargue con la cruz

siempre me guiará tu luz.

© Pablo R. Bedrossian, 2014. Todos los derechos reservados.


NOTA: VERSIONES GRABADAS

La canción fue grabada en Buenos Aires y presentada en forma digital en 2013, interpretada por:

Gabriela Sepúlveda (voz y coros), Andrés Partamian (saxo), Irhyna Medina y Juan Carlos Marsili (coros), Marcelo Mollo (teclados, arreglo, mezcla y edición), Alejandro Bedrossian (contrabajo), Carlos Cáceres (guitarra).

Se puede escuchar en:

La pista se puede descargar de:


REFERENCIAS

[1] Epístola a los Hebreos 11:38, Santa Biblia, RVA 1960, Sociedades Bíblicas Unidas

[2] Mateo 5:45

[3] Mateo 23:35

[4] Isaías 53:7

[5] https://pablobedrossian.wordpress.com/2013/06/17/por-pablo-r-bedrossian-negro-y-spiritual-son-dos/


CRÉDITOS MULTIMEDIA

Todas las fotografías fueron tomadas por el autor de esta nota y es el dueño de todos sus derechos.

ACERCA DE “EGY VILÁG” (“EL MUNDO” O “UN MUNDO”), UNA PINTURA DE MAXIMILIAN LENZ (por Pablo R. Bedrossian)

SERIE GRANDES OBRAS DE ARTE

Cuando vi la obra “Egy világ” (traducida como “El mundo” o “Un mundo”) en el Museo de Bellas Artes de Budapest, me cautivó a primera vista. Debe ser porque el arte no se piensa: se siente. Con esa misma mirada encendida uno puede profundizar en lo que admira, indagando sobre ese mundo al que fue transportado. Comparto aquí el resultado de mi búsqueda.

Egy Világ 01 (vista completa)Mi primera impresión fue observar un espacio abierto, poblado por verdes y azules y blancos sobre los cuales resaltan pequeñas luminarias marrones y rojas. En ese campo, que parece un enorme jardín, veo tres grupos de etéreas figuras femeninas vestidas de azul:

Grupo de ninfas danzando, atrás, a la derecha.
Grupo de ninfas danzando, atrás, a la derecha.

El primero, al fondo a la derecha, está integrado por cuatro mujeres que danzan formando un círculo tomadas de la mano. A algunos quizás lejanamente les recuerde a “La Dance”, la famosa creación de Henri Matisse, de la cual hizo dos cuadros (una versión preliminar, que vi en el MoMA de New York, de 1909, y la versión definitiva, que está en el Hermitage, en San Petersburgo, de 1910)… pero no tienen ninguna relación, y la de Lenz es diez años anterior, pues es de 1899.

El segundo grupo, siempre en el fondo, está conformado por otras dos mujeres: una de cabello rojizo que mira aparentemente al hombre que está delante, y otra de largo cabello más oscuro que parece hablar con ella.

El grupo de ninfas más importante
El grupo de ninfas más importante

El tercer grupo, adelante a la izquierda, lo constituyen cuatro jóvenes con vestidos semitransparentes -presumiblemente ninfas, lo mismo que las demás mujeres de la pintura- que portan ramas doradas. Las ninfas son divinidades menores de la mitología griega asociadas a paisajes naturales, que con frecuencia se representan como muchachas.

Las miradas de las ninfas que están adelante parecen perderse detrás del hombre, vestido con ropa oscura, sombrero gris, sobretodo marrón y barba también marrón. Claramente ubicado a la derecha, el elegante caballero parece ocupar el centro de la obra. Cabizbajo, con un cigarro en su derecha y la izquierda en el bolsillo, da la impresión de caminar totalmente ajeno al entorno, absorto en sus propios pensamientos. La escena parece situarse en primavera, pero el hombre, ya maduro,  la vive como si fuera su otoño o invierno.

El elegante caballero, presumiblemente el propio Maximilian Lenz
El elegante caballero, presumiblemente el propio Maximilian Lenz

Para mí, como simple espectador, lo único real en esta enigmática obra es precisamente el hombre, que intuyo que es el propio pintor. Eso me lleva a notar una paradoja: A este señor vienés, la escena le resulta indiferente, como si la realidad fuera percibida como pura fantasía; por el contrario, para él, la única realidad es la que no tiene materia, la de los pensamientos.

¿Por qué se llama “El mundo” o “Un mundo”?

Maximilian Lenz, el autor, fue un artista plástico austríaco que adhirió a la Secession, un movimiento artístico de vanguardia en su país, de corte modernista, que tuvo como principal exponente en la pintura a su amigo Gustav Klimt. Como artista innovador, adhirió al simbolismo, que reemplazó la pintura historicista de tipo “objetivo”, por una nueva perspectiva subjetiva, vinculada a lo onírico y a las percepciones idealizadas de la realidad a través del color y la forma. Para los simbolistas, el mundo es un misterio y los objetos mucho más que su apariencia física: buscan lo sobrenatural más allá de la materia y se centran en su imaginación, utilizando los símbolos como medio para revelarla. Su lenguaje pictórico expresa tanto los sueños como las ideas a través de metáforas. Las obras no se centran en su técnica sino en la temática, que permite distintas interpretaciones.

Entonces, bajo este ángulo, “Egy Világ” representa de un modo figurado el sentimiento del hombre (que, como dijimos, creemos que es el propio pintor) que enfrenta el mundo que lo rodea con indiferencia. Cree que existe un solo mundo, el que está dentro de él.

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Vista de la pintura con el marco que luce en el Museo de Bellas Artes de Budapest

Dejo abierto el debate para aquel que quiera expresar su opinión sobre esta magnífica obra y compartir su sentimiento o interpretación.

Detalle de las ninfas

 © Pablo R. Bedrossian, 2014. Todos los derechos reservados.


FICHA

Ubicada en el Museo de Bellas Artes de Budapest , Hungría (en húngaro Szépművészeti Múzeum), la traducimos como complemento informativo.

Artista:

Lenz, Maximilian (1860 – 1948), nacido y fallecido en Viena, Austria

Fecha

1899

Técnica

Óleo sobre tela

Tamaño

121.5 cm x 186 cm

Clasificación

Pintura

Propiedad

Adquirida en 1900

Número de Inventario

20.B

Departmento:

Arte post 1800


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