Acabo de releer “El Hombre en busca de Sentido”, uno de los libros que más han influido en mi vida. Me ha impactado tanto como la primera vez.
Escrito por el Dr. Viktor Frankl, es un relato con alto contenido autobiográfico que va más allá de su propia historia para confrontarnos con nosotros mismos, cualesquiera que sean las circunstancias.
Siendo un joven y brillante neurólogo en Viena, el autor fue privado de su libertad y llevado a un campo de concentración por su condición de judío. Con el propósito de darle un significado a una experiencia tan cruel se dedicó a observar su propio comportamiento y el de los demás, abarcando la psicología de los prisioneros desde su llegada, al ser despojados de todo, hasta el periodo posterior a su liberación. Sus conclusiones son sorprendentes y demuestran que la vida puede tener sentido incluso en condiciones extremas.
En los campos de concentración aquel que perdía las esperanzas canjeaba la comida por cigarrillos, rápidamente se desnutría y, al carecer de fuerzas para trabajar, era enviado a la cámara de gas. No se piense que las personas se daban por vencidas rápidamente, sino que la exposición a situaciones límites terminaba quebrando la voluntad de la mayoría. Cuenta el Dr. Frankl que cierta noche un prisionero gritaba a causa de una pesadilla. Estuvo tentado a despertarlo, pero se frenó a tiempo. ¿Para qué hacerlo si la realidad era seguramente más atroz que aquel sueño?
Calzados que testimonian a los seres humanos cruelmente llevados a la cámara de gas
Aunque aclara que los mejores no regresaron, explica que las personas que sobrevivían eran aquellas que tenían un sueño para realizar. Dice que la frase “yo ya no espero nada de la vida” encierra un error; es la vida la que espera mucho de nosotros. Llega así a lo que creo que es el corazón del libro: según el autor, el prisionero, desde luego, no elegía el sufrimiento, ni la tortura ni el dolor, pero sí tenía la libertad de decidir qué hacer frente a su situación. Concluye entonces que no elegimos las circunstancias, pero sí cómo reaccionamos frente a ellas.
La última parte, añadida a pedido de los editores, es un resumen de la logoterapia, la escuela de psicología creada por el Dr. Viktor Frankl. Según Freud el comportamiento humano está impulsado por la búsqueda de placer; según Adler, por la búsqueda de poder. El autor postula que la primera fuerza motivadora del hombre es la búsqueda de sentido a su existencia. Desde esa premisa rescata el valor del espíritu, al que define no en términos religiosos sino como aquello que nos diferencia de los animales y nos hace humanos.
Los inhumanos baños de Auschwitz
No es un libro lacrimógeno ni sensiblero. Todo lo contrario: la experiencia en los campos de concentración del autor nos pone en perspectiva para mirarnos a nosotros mismos y darnos cuenta que la vida no se trata de lo que nos sucede sino de lo que hacemos con ella.
El libro puede descargarse gratuitamente en formato pdf de diversos sitios. La edición impresa en la que he releído la obra fue publicada por Herder en 2015 y cuenta con un excelente prefacio de José Benigno Freire, Profesor de la Facultad de Educación y Psicología. Universidad de Navarra.
CRÉDITOS MULTIMEDIA
Todas las fotografías fueron tomadas por el autor de esta nota y es el dueño de todos sus derechos a excepción de la portada del libro.
La Bienal de Venecia es la exposición internacional de arte más grande del mundo. Cada dos años se expone una selección de obras creadas por artistas de diversos continentes. Recorrerla toma mínimamente seis horas. Se distribuye en dos grandes áreas: el Arsenale, que fueron los enormes astilleros de la antigua república veneciana, y los Giardini, bellísimos jardines en el extremo oriental de la ciudad, ambos en el sestieri (barrio) de Castello. Allí, en pabellones por país, los visitantes pueden observar las piezas expuestas.
En 2019 la Bienal se desarrolló bajo el lema en inglés “May you live in interesting times”, que traducido significa “Que vivas en tiempos interesantes”, una forma de replantear o, como se dice ahora, resignificar la época que nos toca vivir.
Desde el punto de vista estético, la expo mostró una asombrosa pobreza. Leonardo y Miguel Ángel se revolcarían en sus tumbas si supieran que estas obras supuestamente constituyen la vanguardia creativa del siglo XXI. Pero no nos vayamos tan lejos, creo que Picasso o Dalí vomitarían si -reitero- usáramos como referencia la belleza.
Sin embargo, hace tiempo que el arte se desprendió de ese canon. En realidad, la Bienal de Venecia 2019 es un espejo del mundo en que vivimos, esos interesting times. En nuestra opinión, la exposición refleja el sufrimiento, la vanidad y la decepción que muchas personas sienten ante la existencia; un mundo donde necesidades básicas como el amor y la paz interior quieren resolverse mediante la tecnología y en el que las celebridades se proponen como los modelos a seguir. En ese sentido, la sofisticación termina siendo pura banalidad, tanto en las obras expuestas como en los seres humanos, quizás como resultado de una búsqueda infructuosa de diferenciarse y encontrar una identidad propia.
De todos modos, y aunque crisis es una palabra gastada, en las obras hay muy poca reflexión acerca de problemas que hoy están en la vidriera como el cambio climático o la igualdad de género. Las creaciones -mayormente esculturas- son más bien introspectivas y no de dimensión social.
Presentamos aquí algunas de las obras que más atrajeron nuestra atención, obviando compartir algunas que es preferible no recordar.
1. “Pathos and the twilight of the idle” de Michael Armitage (nacido en Kenya en 1984)
2. “Eskalation” de Alexandra Bircken (nacida en Alemania en 1967), una visión distópica de cómo podría ser el fin de la humanidad.
3. “Life after Bob: First Track” de Ian Cheng (nacido en Estados Unidos en 1984), un preámbulo de Bob (Bag of Beliefs), una curiosa obra de naturaleza tecnológica del mismo creador.
“One eye, too many”, de Rosemarie Trockel (nacida en Alemania en 1952)
5. “Corners of TaJama 1#” de Yu Ji, (nacida en la República Popular China en 1985)
6. “Container” de Ulrike Müller (nacida en Austria en 1971)
LA MEJOR OBRA ESTÁ EMPLAZADA EN EL ARSENALE Y, SIN EMBARGO, NO ES PARTE DE LA MUESTRA
Nuestra crítica a la Bienal 2019 como espejo ligth de la realidad no es extensiva a todo el arte actual. Hemos publicado notas sobre Ron Mueck, Stephan Balkenhol, Mauro Corda, Emily Young, Katharina Fristch, Antonio Azzato, entre otros, a quienes admiramos. Uno de estos talentosos artistas contemporáneos, Lorenzo Quinn, cuyas obras fueron rechazadas en la Bienal 2017, ha producido un verdadero impacto con “Construyendo Puentes”. Son seis enormes pares de manos que se cruzan, se unen y se encuentran sobre una piscina rectangular en el mismo sitio donde se desarrolló la Bienal. “Construyendo Puentes” tiene un mensaje ético centrado, según el autor, en seis valores humanos universales: Amistad, Ayuda, Fe, Sabiduría, Esperanza y reuniendo a todos, Amor. Cuánta falta hace recuperarlos en una humanidad donde la confrontación parece haberse convertido en el estilo de vida.
Simultáneamente a las obras instaladas en el Arsenale y en los Giardini, hay muestras paralelas que embellecen diversos sitios de la ciudad. Una de ellas corresponde a una obra muy curiosa que durante los meses de la Bienal 2019 pudo observarse desde el Puente de la Academia, uno de los tres que cruzan el Gran Canal. Nos referimos a “El hombre que mide las nubes”, creada por el belga Jan Fabre. Es una pieza en bronce, sílice y pan de oro de 9 metros de altura, si incluimos su base.
Según su creador, la obra puede interpretarse como “metáfora para el artista que intenta capturar lo imposible en su trabajo”. En lo personal, creemos que esa intención vale para todos los seres humanos: trabajar por hacer realidad aquellos sueños que nos emocionan o desafían, pero parecen utópicos o irrealizables.
Buenos Aires se ha convertido en la capital del arte latinoamericano. No es sólo por sus numerosos museos o sus variadas actividades culturales, sino por la sinfonía que componen innovadores murales, músicos populares y esculturas clásicas y modernas bajo una glamorosa arquitectura europea. Como decía León Tenenbaum, La Reina del Plata es un museo al aire libre.
Dentro de ese universo creativo se destacan las esculturas, quizás porque resisten mejor las inclemencias del tiempo o, más probablemente, porque perduran más allá de los cambios que modelan nuestra propia historia.
Actualmente existe un renovado interés en las esculturas de la ciudad. Fruto de ello son publicaciones recientes como “Monumentos y esculturas de Buenos Aires. Palermo: espacios simbólicos y arte público” de María del Carmen Magaz (2013), “Mármol y Bronce, esculturas de la Ciudad de Buenos Aires” de Nicolás Gabriel Gutiérrez (2015) y “Monumentos y Esculturas de Buenos Aires” de Martín Comamala (2016). Te invito a descubrir o conocer más de ocho extraordinarias esculturas porteñas.
LA DUDA
Está ubicada en el sector este de la Plaza San Martín, donde la avenida Santa Fe dibuja una curva, justo antes del nacimiento de la calle Maipú. Es una obra de profundo simbolismo: Un anciano interpela a un hombre joven probablemente abrumado por sus propias preguntas. La mirada abstraída, el torso inclinado, la posición de las rodillas entre los brazos expresan la profunda incertidumbre del joven, mientras la elocuencia del anciano -que lo mira a los ojos- parece agobiarlo. El detalle que da un significado más preciso a la obra es el libro abierto a la izquierda del joven, una Biblia, a la cual ha dejado de prestar atención.
Hay quienes han visto en la obra un encuentro entre el Antiguo y el Nuevo Testamento[1], pero más bien parece una lucha entre la fe y la razón, entre la vida y la muerte inevitable.
“La Duda” es creación del artista parisino Louis Henri Cordier (1853-1925), hijo del escultor Charles Henri Joseph Cordier. Está hecha en mármol de Carrara y lleva cincelado su título, el nombre del autor y la fecha. A principios del siglo XX Buenos Aires se estaba convirtiendo en una de las urbes más importantes del mundo y necesitaba embellecer el trazado urbano. Una comisión de la Municipalidad de Buenos Aires viajó especialmente a Europa y adquirió esta bella pieza, que fue emplazada en su actual ubicación en 1906.
FLORALIS GENERICA
Esta inmensa flor es de acero inoxidable, aluminio y hormigón armado es una escultura dinámica: se abre y se cierra con la luz, mientras adquiere distintas tonalidades. Se encuentra en la esquina de la Avenida Figueroa Alcorta y la calle Facundo Quiroga, sobre la Plaza de las Naciones Unidas, muy cerca de la Facultad de Derecho. Asentada sobre una fuente de agua circular, está formada por seis enormes pétalos con cuatro pistilos en el centro. Mide 23 metros de alto, pesa 18 toneladas[2] y en su mayor extensión alcanza los 32 metros de diámetro[3].
Fue donada por su creador, Eduardo Fernando Catalano (1917-2010), un arquitecto argentino con una amplia trayectoria profesional en Estados Unidos. El sitio wikiarquitectura.com cuenta cómo surgió la idea: “La idea surgió un atardecer de verano, cuando trabajando en su jardín de invierno, notó que una gran flor roja de la especie Hibiscos comenzaba a cerrarse. Sin saber por qué, dibujó una flor geométrica, Catalano cuenta que hacía tiempo deseaba crear una estructura móvil que se abriera, se cerrara o se expandiera. Floralis generica, es ese proyecto hecho realidad”[4].
Adoptando la regla para los nombres científicos, cuyo primer término describe el género y el segundo la especie, Floralis generica, es una denominación que homenajea a todas las flores. Lo escribimos sin acento porque es un término en latín.
Lamentablemente el mecanismo ha fallado en varias ocasiones (incluyendo el día de su inauguración). Sin embargo, aún sin el movimiento, es una obra admirable. No sólo constituye probablemente la escultura más grande de la ciudad, sino la más cara: se estima que costó entre 4.5 y 6 millones de dólares.
LA NIÑA DE LA FUENTE
En la pequeña plaza Reina de Holanda, de Puerto Madero, se aloja una de las esculturas más pequeñas de cuerpo entero de la ciudad. Es una niña que mira hacia arriba con la boca, los brazos y las manos abiertos. Aunque puede interpretarse como un reclamo al cielo, el gesto comunica sorpresa y felicidad. Este parece ser el sentido original, según la copia en Apeldoorn, Países Bajos, donde la muchacha parece alegrarse con un chorro de agua que cruza sobre ella[5]; por esa razón, no hay nada mejor que admirarla un día de lluvia. La obra hecha en bronce es creación de la escultora holandesa Tineke Willemse-Steen (1920-2014). También hay otra copia Lüneburg, Alemania.
La niña de la fuente luce un vestido con mangas cortas, un collar y los pies descalzos. Se apoya sobre un podio cuadrado que, a su vez, está dentro de otro cuadrado con agua. A la izquierda hay una fuente de agua formada por tres cuadrados superpuestos a modo de pirámide. Detrás hay un pequeño muro curvo color naranja con el nombre de la plaza, que -suponemos- hace alusión a Máxima Zorreguieta, la esposa argentina del actual monarca de los Países Bajos, el Rey Guillermo, con quien contrajo matrimonio en 2002.
LA JOVEN CON SU MASCOTA
Una de las esculturas más emotivas de Buenos Aires se encuentra en el Cementerio de la Recoleta. Representa a la joven Liliana Crociati y a su perro Sabú, al que acaricia tiernamente con su mano derecha.
La joven se había casado a los 23 años con el húngaro Juan Szaszak. En 1970, dos años después de la boda, viajaron a Austria, donde un alud los sorprendió en el hotel de montaña donde se hospedaban. El marido pudo ser rescatado a los pocos minutos, pero Liliana fue encontrada una hora después y no logró sobrevivir. Se dice que Sabú, su mascota, murió el mismo día que ella[6], como si los hubiera habido entre ellos una conexión invisible.
El escultor Wilfredo Viladrich retrató en bronce a Liliana lánguida y esbelta, con un vestido largo con motivos que se repiten en los bordes de las mangas, debajo del pecho y en el ruedo. El largo pelo lacio cae a ambos lados dejando una raya al medio. Las manos ocupan un lugar central en la obra: son finas y delicadas pero muy alargadas. El dedo anular de la mano izquierda lleva el anillo de bodas.
Según Omar López Mato, el artista, cuyo nombre está grabado en una placa, utilizó como modelos fotos de Liliana con Sabú que, en realidad, había muerto diez años antes[7]. Junto a la sepultura, un escrito en italiano redactado por el padre de Liliana expresa su profundo dolor y se pregunta por qué ha perdido a su amada hija.
Un detalle adicional es que la escultura ha tomado un color verdoso pero la nariz del perrito conserva el color dorado del bronce debido a que muchos la tocan creyendo que da buena suerte.
LA VICTORIA DE SAMOTRACIA PORTEÑA
Junto a la Venus de Milo y la Gioconda, la Victoria de Samotracia conforma la triada de obras maestras más representativas del Museo de Louvre, de París. Sin embargo, pocos saben que existe una réplica en tamaño real en Buenos Aires.
La escultura es del año 190 a.C.. Representa a Niké, la diosa griega de la victoria. Probablemente fue erigida tras una victoria naval. Descubierta en 1863 en la isla de Samotracia se hallaba partida en fragmentos. La cuidadosa reconstrucción estuvo a cargo de los curadores del Louvre, que se basaron en otros modelos de tamaño menor. La altura de la estatua, hecha de mármol blanco de la isla de Paros, es de 2,75 metros. Esta majestuosa figura femenina alada se apoya en la proa de un barco, que a su vez descansa en una base de piedra.
La Victoria de Samotracia porteña se encuentra dentro del Palacio Estrugamou, un monumental edificio de departamentos de lujo muy cerca de la Plaza de Retiro, cuya mejor vista es la esquina formada por Juncal y Esmeralda, calle en la que se encuentra su entrada principal. Aunque ahora por cuestiones de seguridad no se permite el ingreso, la réplica de la Victoria de Samotracia puede admirarse desde uno de los portones de rejas de la calle Juncal. Esta réplica en tamaño real hecha en bronce tiene alas algo más cortas. Corona el patio que sirve de espacio compartido para los cuatro edificios que conforman el palacio. No se sabe quién es su autor, que copió cuidadosamente los detalles de la original: la pierna derecha hacia adelante mostrando poder y movimiento y los pliegues del atuendo y la postura del torso, sugiriendo que avanza contra el viento. Si pasa por allí, deténgase a observarla. Está esperando por usted.
MAFALDA
Uno de los personajes más entrañables, la inefable Mafalda, tiene su propia escultura en Buenos Aires. Ubicada en la esquina de Chile y Defensa, en el barrio de San Telmo, se encuentra sentada sobre un banco blanco para que cualquier visitante pueda tomarse una foto con ella.
La tira de humor de Joaquín Salvador Lavado, más conocido como Quino, vio la luz oficialmente el 29 de septiembre de 1964 en la revista Primera Plana y hoy es conocida en todo el mundo.
La “Mafalda 3D” mide 80 centímetros y luce vestido y moño verdes. El cuello del vestido y las medias son blancas, contrastando con los respectivos botones y zapatos negros. Las manos se apoyan en el vestido a la altura de las rodillas y tiene su eterna sonrisa enmarcada bajo la tupida cabellera negra. La expresión es la del dibujo: una mirada de esperanza a pesar del mundo y sus calamidades.
La escultura de Mafalda fue inaugurada el 30 de agosto de 2009. Al evento asistió el propio Quino, quien fue vecino de la zona. Por ello, se descubrió una placa en el edificio de Chile 371 con un dibujo del personaje y la frase “Aquí vivió Mafalda”.
La obra fue realizada por el artista argentino Pablo Irrgang. Para su creación utilizó resina epoxi reforzada con fibra de vidrio. Los colores están incluidos en el propio material para que resista las no sólo los cambios climáticos sino el vandalismo urbano. Afortunadamente, hasta la fecha la obra ha sobrevivido y luce espléndida. Dice el artista “me resultó interesante la idea de que estuviera solita en un banco, cavilando sobre el mundo. De noche, será otro de los chicos que duermen a la intemperie“.[8]
En 2014, para celebrar el 50º aniversario de su primera publicación, Mafalda quedó acompañada por dos de sus amigos: Manolito y Susanita. Cuenta el escultor “incluso vino Quino al taller y hasta pidió, con toda su humildad, que Manolito llevara su delantal del almacén color ‘marroncito grasa’ y sus zapatos ‘mal lustrados’”[9].
Irrgang es un extraordinario artista contemporáneo. Sus trabajos pueden admirarse en http://www.pabloirrgang.com.
EL PENSADOR
Ubicado cerca del extremo este de la Plaza del Congreso, la robusta figura de un hombre desnudo sentado en actitud reflexiva nos sorprende. Es una inmensa mole de bronce que comunica una extraordinaria humanidad.
Los clásicos experimentos sobre actitudes y sentimientos de Albert Mehrabian demostraron que sólo el 7 por ciento de la información se atribuye a las palabras, mientras que el 38 por ciento se atribuye a la voz y el 55 por ciento al lenguaje. Por eso El Pensador nos habla sin decir una sola palabra: la barbilla apoyada sobre el dorso de la mano derecha, la cabeza inclinada despojada de toda sugestión de movimiento, la mirada abstraída y cavilante.
El autor de esta magnífica obra es nada menos que Auguste Rodin (1840-1917), el más famoso escultor de los tiempos modernos, así como en la antigüedad lo fue Fidias. El Pensador originalmente fue parte de un frustrado proyecto por encargo llamado La Puerta del Infierno, inspirado en La Divina Comedia y correspondía a la imagen de Dante Alighieri. Admirando una imagen de esta magnífica creación[10] se observa la escultura del escritor a una escala mucho menor. Se halla en el centro del panel superior de La Puerta, en la misma pose que El Pensador, pero con la barbilla apoyada sobre el dorso de la mano izquierda. Rodin continuó trabajando en sus ideas tratándolas como piezas individuales, y pasó de representar al poeta italiano a simbolizar al hombre reflexivo, cuyas preguntas demandan respuestas[11].
La Municipalidad de Buenos Aires a través de Eduardo Schiaffino adquirió una de las copias realizadas por el mismo artista en 1906. Aunque se pensó colocarla en las escalinatas del Congreso, desde esa fecha conserva su actual ubicación. Un placa de mármol a los pies de El Pensador informa que el fundidor de la pieza fue Alexis Rudier.
CANTO AL TRABAJO
Canto al trabajo es un espléndido grupo escultórico ubicado en la plazoleta Eva Perón, en la intersección de las Avenidas Paseo Colón e Independencia, en San Telmo. Está conformado por catorce figuras humanas que representan el valor del esfuerzo como puerta al futuro. Todas las piezas están desnudas o tienen cubiertas sus partes íntimas con un paño.
La obra puede descomponerse en dos grupos. El posterior hace un enorme esfuerzo para mover una roca, mientras el que encabeza el conjunto, compuesto por una familia, parece liberado y mira al porvenir. Podría decirse que el primero representa el sacrificio; el segundo, sus beneficios: el padre, erguido, señala el camino, la madre mira el destino y los niños intentan abrazar lo que creemos que es el futuro.
Esta monumental composición en bronce fue creada por Rogelio Yrurtia (1879-1950), considerado el escultor argentino más importante del siglo XX. La obra es de un valor artístico extraordinario y constituye una de las más preciadas joyas de la ciudad.
La obra fue terminada en 1908 y adquirida por la Municipalidad de Buenos Aires. Entre 1927 y 1937 fue exhibida en la Plaza Dorrego y desde esa fecha ocupa su actual emplazamiento.
[1] Gutiérrez, Nicolás Gabriel, “Mármol y Bronce, esculturas de la Ciudad de Buenos Aires”, Olmo Ediciones, Buenos Aires, Argentina, 2015, p.652
[2] Zigiotto, Diego, “Las Mil y Una Curiosidades de Buenos Aires”, Ediciones B, Buenos Aires, 2012, p.272
[3] No todos coinciden con las medidas o pesos de una obra tan enorme. Por ejemplo, Diego Zigiotto dice que mide 25 metros de alto y no 23 como Gutiérrez; una nota de La Nación del 10 de junio de 2015, firmada por Josefina Marcuzzi dice que pesa 24 toneladas y no 18 como Zigiotto,
Todas las fotografías fueron tomadas por el autor de esta nota y es el dueño de todos sus derechos, a excepción de la correspondiente a La Puerta del Infierno, tomada del libro
BIBLIOGRAFÍA
Magaz, María del Carmen, “Monumentos y esculturas de Buenos Aires. Palermo: espacios simbólicos y arte público”, Dirección General de Patrimonio e Instituto Histórico, Buenos Aires, Argentina, 2013
Gutiérrez, Nicolás Gabriel, “Mármol y Bronce, esculturas de la Ciudad de Buenos Aires”, Olmo Ediciones, Buenos Aires, Argentina, 2015
López Mato, Omar, “Ciudad de Ángeles – Guía del Cementerio de l Recoleta”, Grijalbo Mondadori, 2004
Varios autores, “Sculpture – From Antiquity to the Present Day”, Taschen, 1987, 1996, Tomo II (“From the Renaissance to the Present Day”)
Zigiotto, Diego M., “Las Mil y Una Curiosidades de Buenos Aires”, Ediciones B, Buenos Aires, Argentina, 2012
Zigiotto, Diego M., “Las Mil y Una Curiosidades del Cementerio de la Recoleta”, Ediciones B, Buenos Aires, Argentina, 2013
Si piensa viajar a Viena, no puede dejar de ver la Hundertwasserhaus (en español, la Casa Hundertwasser). Es un caso curioso, pues concebida como un edificio de vivienda popular, se transformó en una atracción turística. Alejado del glamour imperial, este complejo habitacional es fácilmente reconocible por su fachada asimétrica, dividida en ondulantes secciones de colores intensos.
Su construcción se inició en 1983 pero su historia comenzó mucho antes, en 1977, cuando Leopold Gratz, alcalde de Viena encargó el proyecto al artista Friedensreich Hundertwasser, quien desarrolló la idea. El diseño técnico corrió por cuenta del arquitecto Joseph Krawina, quien luego fue sucedido por el arquitecto Peter Pelikan. Quizás exagerando, puede decirse que es una suerte de expresión gaudiana tardía en tono menor, menos bella pero más divertida.
Si desea visitarla, se encuentra en Kegelgasse 34-38 en el distrito 3 de Viena. El edificio cuenta con 52 viviendas, 4 locales comerciales, 16 terrazas privadas, un jardín de invierno, 3 azoteas comunitarias y 2 áreas de juegos infantiles. En frente hay un pequeño centro comercial, el Hundertwasser Village, que incluye una tienda de regalos, con recuerdos alegóricos.
SU HISTORIA
Friedensreich Hundertwasser (1928 – 2000) fue un original artista, interesado en la naturaleza. Pintor en sus inicios, y luego de haber publicado varios manifiestos estéticos, en 1972 presentó un conjunto de maquetas en el programa Wünsch dir was, emitido por Eurovision, que testimoniaban su preocupación por una arquitectura en armonía con el hombre y el medio ambiente. A partir de allí ganó notoriedad.
A fines de noviembre de 1977, Bruno Kreisky, Canciller de Austria -máxima autoridad del Poder Ejecutivo- le escribió una carta al influyente alcalde de Viena, Leopold Gratz, sugiriendo que Hundertwasser debería tener la posibilidad de materializar sus ideas en el campo de la vivienda. 15 días después, Gratz invitó a Hundertwasser a crear un edificio de apartamentos de acuerdo a sus propios criterios, que abarcaban lo estético, lo social y lo ambiental.
Encontrar un terreno donde hacer realidad su sueño tomó algunos años. La propuesta de Hundertwasser era construir “un edificio para humanos y árboles”. Como era artista, y no arquitecto, se escogió un experto convirtiera esas ideas en un proyecto formal. Primero fue el arquitecto Joseph Krawina, pero posteriormente fue reemplazado por Peter Pelikan, quien terminó siendo socio de Hundertwasser en otros proyectos.
Hundertwasser acudía diariamente a la obra para constatar los avances. Cuando se hizo el Open House se recibieron 70,000 visitantes. El edificio fue concluido en 1985, durante el mandato del alcalde Helmut Zilk, e inaugurada el 17 de febrero de 1986.
EL EDIFICIO
La Casa Hundertwasser es una construcción de bloques de ladrillo cuyo diseño se aleja de los patrones reconocidos. Posee apartamentos de una y dos plantas. En algunos sobresalen balcones, pérgolas o terrazas. Se utilizó tierra negra para la forestación de sus numerosas áreas verdes internas. Durante nuestra visita no pudimos ingresar a las viviendas, pero sí a las áreas comunes, donde sobresalen los mosaicos en las paredes, en las escaleras y en los pasillos, creados por los trabajadores.
Hundertwasser demostró que una arquitectura más humana y en armonía con la naturaleza es posible sin tomar más tiempo que otras obras, y que es posible realizarlo bajo los límites que impone el presupuesto de un proyecto público y sujeto a las leyes vigentes en su país, sin ningún tipo de permisos especiales.
Para más información puede visitar: http://www.hundertwasser-haus.info
BONUS: LE PALAIS DES BEAUX ARTS
A una cuadra, exactamente en Löwengasse 47, se encuentra el Palais des Beaux Arts (en español, Palacio de Bellas Artes); como se observa, se prefiere denominarlo en francés pese a la que la lengua de Austria es el alemán.
Desde 1994 alberga las embajadas de Lituania y Moldavia. Fue construido entre 1908 y 1909, por Anton Drexler (1858-1940) y Josef Drexler (1850-1922).
Diseñado originalmente para ser un centro de la moda parisina, combina de manera original elementos del historicismo tardío con motivos art nouveau. En la esquina posee una torre coronada por una cúpula de tres niveles, flanqueada por un globo que sostiene personajes femeninos.
Para más información puede visitar: http://www.palaisdesbeauxarts.at
Viena es considerada una de las ciudades más bellas de Europa. Es la tierra de Mozart y de Sissy. Sin embargo, la ex sede de gobierno del Imperio Austro Húngaro y actual capital de Austria tiene una larga historia, pues hasta allí se extendió el Imperio Romano alrededor del siglo I, y, en sus límites, según cuenta Eusebio de Cesarea, se suicidó Poncio Pilatos.
Torres de la ”Stephansdom”, la catedral de San Esteban
En Viena conviven lo antiguo y lo moderno en completa armonía. El punto de partida de cualquier caminata por la zona histórica comienza en la “Stephansdom”, la imponente catedral de San Esteban. Cerca de allí vale la pena visitar el reloj a carillón[1] que suena puntualmente a cada hora mientras uno ve pasar las señoriales figuras. Es imprescindible caminar Graben, una refinada arteria peatonal, y visitar la Peterkirche, la iglesia de San Pedro, de intensa ornamentación barroca.
En Viena no sólo se observa monumentalidad: sorprende la química combinación de modernidad con tradición. El llamativo orden -monumental y fastuoso- es el resultado del espíritu de los Habsburgo, la dinástica familia que gobernó por varios siglos, hasta la Primera Guerra Mundial.
Entrada al Hofburg, frente a la preciosa Michaelplatz
Desde uno de los extremos de la calle Graben, se llega por otra peatonal al Hofburg, el palpitante corazón de Viena. Es un majestuoso complejo que contiene los aposentos imperiales, varios museos, una capilla, una iglesia, la Biblioteca Nacional y la famosa Escuela Española de Equitación. Termina del otro lado en una ancha y rectilínea columnata desde donde uno puede llegar caminando a la zona de los museos (el Muzeum Quartier), donde arte clásico y contemporáneo se conjugan de un modo admirable.
Aunque se dice que la ciudad está a los pies del Danubio, lo que uno ve es un canal. Una noche caminé por su ribera. Como era verano, cientos (probablemente miles) de jóvenes compartían tragos y conversaciones animadas en los diversos barcitos apostados allí uno tras otro. Incluso había uno, llamado Tel Aviv, con arena, para que pareciera una playa.
Mosaico en el frente de un edificio comercial, en una calle peatonal
Veamos un poco la historia. Los Habsburgo son una familia de que reinó Austria de 1279 a 1918. Sus reyes en algunos momentos fueron considerados emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico (al estilo de Carlomagno) y parece que en ocasiones se lo tomaron en serio… En algún punto se entroncan con la Historia que aprendimos en la escuela, pues leo que Felipe de Habsburgo (“El Hermoso”) contrajo matrimonio con la hija de los Reyes Católicos, Juana de Castilla (“La Loca”), de cuya unión nació el primero de los reyes de la casa de Austria que gobernaría los destinos de España, Carlos I, el cual tomó su cargo en 1517. También conocido como Carlos V en el Sacro Imperio Romano Germánico, el cual heredó en 1519, debido a la muerte de su abuelo, Maximiliano I”. Lo que no dice la nota es que Carlos V abdicó al imperio y se conformó con ser Carlos I, rey de España. La mayoría fue acérrimamente católica y apoyó a los jesuitas al introducir la contrarreforma tras ganar la Guerra de los Treinta Años. El último de los Habsburgo fue Francisco José que gobernó por 68 años, de los 18 a los 86 (muere durante la Primera Guerra Mundial en 1916). Era el esposo de la famosa emperatriz Sissy, a quien amo toda su vida, pero no fue correspondido por ella, aunque tuvieron creo que seis hijos.
Edificios Wagner
Sería imposible ahora de hablar en detalle de la Secession, la vanguardia artística que surgió a finales del siglo XIX en Austria y se prolongó hasta las primeras décadas del silgo XX. Su representante más importante fue el genial pintor Gustav Klimt. En la Secession, si bien se busca la elegancia, predomina la sobriedad formal, e incluso cierta severidad. Su mejor expresión arquitectónica se encuentra en los Edificios Wagner, diseñados por el más destacado arquitecto de Viena, Otto Wagner.
Karlskirche frente a la Karlsplatz
Desde los Edificios Wagner se llega caminando a la Karlsplatz, una emblemática plaza vienesa, donde uno puede admirar los pabellones diseñados por Wagner a finales del siglo XIX para la estación de metro, sumamente elegantes, y la Karlskirche, una de las iglesias más representativas de la ciudad, con su suma de estilos y las dos enormes columnas en su frente que remedan a la de Trajano por su motivos esculpidos en espiral ascendente. Esta iglesia constituye una obra maestra del eclecticismo barroco. Tiene una altura de 80 metros por unos 60 de ancho. Muy cerca se encuentra el Palacio Belvedere que tiene dos edificios en los extremos (el Belvedere superior y el inferior) unidos por bellos jardines.
Palacio Schönbrunn
Pero quizás el palacio más admirable de Viena sea el Schönbrunn, también conocido como el Versalles vienés, es uno de los principales edificios históricos y culturales de Austria. Fue la emperatriz María Teresa quien convertiría el palacio en residencia veraniega de los Habsburgo. Finalmente menciono la Hundertwasser Haus, un edificio de varios pisos con fachada ondulante muy colorida, que, aunque inaugurado en 1985, nos recuerda más bien al modernismo de Gaudi. Me encantó como rebelión a la arquitectura funcional contemporánea.
Viena reúne el Imperio y la modernidad haciendo ostentación de un exquisito buen gusto. Si ama los detalles, es el lugar para Ud.
VIENA EN IMÁGENES
Vista de la ”Stephansdom”, con su techo a dos aguas de 230,000 tejas esmaltadas de varios colores.
Reloj con carillón
Torre de la peste, de estilo barroco, erigida en la calle peatonal Graben por el fin de la peste negra
Detalle del mosaico en una céntrica calle peatonal
Vista del Hofburg desde dentro del complejo
Detalle del Hofburg
Columnata del Hofburg
Vista del Mumok, uno de los museos del Muzeum Quartier
Una de las típicas obras de Gustav Klimt
Detalle de uno de los frisos de Gustav Klimt en el Kunsthistorisches Muzeum, dentro del cual se encuentra el Museo de Bellas Artes.
Detalle de otro de los frisos de Gustav Klimt en el Kunsthistorisches Muzeum, dentro del cual se encuentra el Museo de Bellas Artes.
Vista exterior del Edificio de la Secession. Arriba se observa el “repollo de oro”, como lo llaman los vieneses.
Vista pacial de los Edificios Wagner
Edificios Wagner
Edificios Wagner (detalle)
Detalle de una de los pabellones construidos por Otto Wagner para el metro (subterráneo) en la Karlsplatz
Detalle de una de las columnas de la Karlskirche
Fuente entre la Karlsplatz y el Palacio Belvedere
Vista del Belvedere superior
Belvedere superior
Imágenes de la Viena antigua
Imágenes de la Viena antigua
Esquinero – Detalle en una calle de Viena
Palacio Schönbrunn
Vista de los jardines del Palacio Schönbrunn
Vista de la Viena moderna
Vista de la Viena moderna
Vista de la Viena moderna
Detalle del mismo edificio
Vista de la Viena moderna
Urania, uno de los edificios más originales de la ciudad
Uno de los edificios modernos más espectaculares de Viena
