LOS “FIERROS” HIPERREALISTAS DE CLAUDIA RIZZOLI (por Pablo R. Bedrossian)

Serie GRANDES ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS 

En un mundo donde el arte obedece más a una moda que al talento, muchas creaciones extraordinarias pasan inadvertidas porque simplemente no cuentan con una agencia de marketing. Sin embargo, la revolución producida por las redes sociales ha permitido que algunas de aquellas obras lleguen hasta nosotros y nos sorprendan. Tal es el caso de los dibujos de Claudia Rizzoli.

maserati monofaro (lápiz sobre papel)
Maserati monofaro

Nacida en Buenos Aires, Argentina, se ha dedicado a recrear en lápiz vehículos deportivos con un altísimo grado de detalle. Es difícil determinar cuánto de su hiperrealismo es producto de su capacidad innata y cuánto de su obsesión por la perfección.

Motocicleta Famel Foguete
Motocicleta Famel Foguete

A diferencia de la enorme mayoría de los artistas plásticos, Claudia Rizzoli comenzó a dibujar tardíamente y sin formación académica. A pesar de ello, decidió asumir riesgos aún mayores: ingresar con su arte al mundo del automovilismo y el motociclismo, un ámbito altamente masculino, y a puro talento, sin sponsors ni mecenas. Prescindió de los prejuicios y los agoreros para dejar que sus obras hablaran por ella.

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Lotus Seven 1986

Hoy sus dibujos aparecen en exposiciones, son adquiridos por coleccionistas e ilustran tapas de libros. Sin embargo, no la encandilan las luces del éxito. Trabaja como el primer día sabiendo que los “fierros”, como se llama cariñosamente a los vehículos deportivos en la Argentina, no son tema preferido de museos y galerías de arte. Para ella lo que cuenta es trasmitir sentimientos: darle vida a cada auto, moto o piloto que retrata en sus dibujos.

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Coupé Chevrolet 1933

Claudia Rizzoli ha expuesto en lugares tan diversos como la tradicional Confitería La Biela, de Recoleta, Autoclásica en San Isidro, la Estación Retiro, la Bolsa de Comercio de Buenos Aires y el Museo Fangio de Balcarce. Además, ha sido entrevistada en el Suplemento Autos del Diario Clarín de Argentina.

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Torino 380W

LA ENTREVISTA

Para conocer más de su arte, la entrevistamos en una de nuestras visitas a Buenos Aires. Compartimos aquí sus respuestas:

¿Cómo y cuándo comenzaste a dibujar? ¿En qué momento lo viste como tu vocación o pasión?

En 1976 quise estudiar Bellas Artes, pero mi papá me lo impidió. Era una época muy complicada en el país, por lo que me propuso dejarlo para más adelante. En el 2000 nos fuimos a vivir a una isla en la costa entrerriana, sobre el rio Paraná Guazú, y, como no tenía otra que hacer, un día me puse a dibujar. Mi papá me preguntó “¿No te animás a dibujar autos? No hay mujeres que dibujen autos”. Le dije que no tenía problema para dibujar lo que fuera, así que me compró un libro de autos clásicos. Me proveyó de todo lo que necesitaba y comencé a dibujar. Paralelamente alguien me sugirió que creara mi propia página web. Así nació “Autos y Arte”. Tomaba fotos de mis dibujos y los subía al sitio web. Una periodista que trabajaba en el suplemento de Autos del Diario Clarín los vio, me contactó y me hicieron un reportaje a doble página; así comenzó a darse a conocer lo que hacía.

claudia rizzoli
Claudia Rizzoli

¿Cuáles fueron las primeras reacciones de los que veían tus trabajos?

Los trabajos generalmente sorprendían. La gente me decía “¡Uy! ¡Mirá lo que dibujaste!”. Recordemos que el auto es un elemento muy masculino. Siempre dibujo con lápiz, en negro sobre blanco, y luego solo le doy un toque de color. Entonces, esa característica mía llama mucho la atención porque, en general, todos pintan. Y también creo que llama la atención el tema: los autos.

maserati mc12 (lápiz sobre papel)
Maserati MC12

¿Cómo diste a conocer tus creaciones?

Cada que vez que mostraba o exponía un cuadro, la devolución de la gente era muy buena; las obras eran muy aceptadas y el trabajo reconocido.  Los autos son algo que no les interesa ni a los marchands ni a las galerías de arte, que prefieren paisajes o retratos, sin embargo, a través de la página web muchas personas comenzaron a contactarse. En 2014 una persona de Entre Ríos que había conocido por esa vía y también dibujaba autos, me comentó que un amigo suyo estaba montando una muestra en AutoClásica, una exposición que se hace todos los años en el hipódromo de San Isidro, y quería llevar artistas que pintaran autos, por lo que preguntó si estaba interesada en participar, y allí expuse. Por otro lado, un ex compañero del colegio me puso en contacto con un escritor que estaba terminando un libro titulado “La última hazaña de Fangio” sobre los Torino en la carrera de Nürburgring, y dibujé la tapa del libro. Fui a la presentación en el Automóvil Club Argentino, allí conocí al Ing. Heriberto Pronello, que se convirtió en uno de mis grandes impulsores. Lo adoro porque él me dijo “¡Hacelo!”; como siempre digo, la vida me fue llevando y yo me dejé llevar. Hoy doy a conocer mis obras por Facebook e Instagram y me conecté con gente del ambiente, como el gran artista plástico del automovilismo Jorge Ferreyra Basso, un genio cuyas obras son una explosión de color; trabajaba como diseñador de General Motors y estuvo 30 años en Opel en Alemania. Él es también en uno de mis grandes impulsores. Hicimos incluso un cuadro entre ambos: dibujé a Fangio sentado en el auto y él pintó alrededor la Maserati.

claudia rizzoli trabajando
Claudia Rizzoli trabajando

¿Cómo definís tu arte? En tus propias palabras, ¿qué es lo que hacés?

Dicen que lo mío es hiperrealismo. Yo digo que casi hiperrealista pues no tengo formación artística formal. Descubrí que podía ser fiel a mí misma, con mis gustos y mis convicciones, y volcar en lo que hago todo lo que siento. Muchas veces me dicen que mis dibujos tienen vida; yo siempre pensé que los autos tienen vida. Incluso le hablo a mi auto, que heredé de mi papá. Una vez por Internet presenté unos dibujos y el nombre que le di a la expo fue “El Espíritu de los Fierros”, porque para mí tienen sentimiento y trato de volcarlo en mis dibujos. Intento poner ese sentimiento que me transmite un auto, que para mí no es un pedazo de metal.  Hay un ida y vuelta entre lo que estoy dibujando y lo que siento.

ducati scrambler (lápiz)
Ducati Scrambler

¿Qué deseás comunicar en tus dibujos? ¿Cómo esperás que el observador se sienta al contemplarlos?

Quisiera que perciba el espíritu que hay detrás del dibujo: que no es simplemente una moto o un auto. Además, también hago retratos. Dicen que tengo la capacidad de transmitir lo que siente el personaje a través de la mirada. Eso vino conmigo. A mí me encanta que el observador perciba lo que la persona sentía en ese momento, como en los retratos de Fangio. A mi me subyuga dibujar ojos: en realidad, no dibujo ojos: dibujo miradas.

fangio y stirling moss
Juan Manuel Fangio con Stirling Moss

¿Cuáles son tus mayores anhelos como artista?

Hace unos días alguien me preguntaba si me asombrara lo que me estaba pasando. Acababa de exponer en el Museo Fangio y la gente me llama cada vez más para encargarme dibujos. Mi respuesta fue que no me asombraba pues no es algo que yo busqué, sino que se generó espontáneamente. Por supuesto, si dibujé, si trabajé, pero no esperaba que tuviera esta devolución, pero se produjo espontáneamente, con naturalidad. Y me atengo a lo que venga. Mi papá siempre decía: “ni muy eufórico ni muy deprimido”; era una de sus frases de cabecera. Las propuestas que surjan las tomo con tranquilidad; no me voy a enloquecer ni pongo demasiada expectativa. Yo voy caminando.

Lancia Ferrari (óleo sobre tela)
Lancia Ferrari (óleo sobre tela)

© Pablo R. Bedrossian, 2019. Todos los derechos reservados.


CRÉDITOS MULTIMEDIA

Todos los derechos de las imágenes corresponden a Claudia Rizzoli y fueron utilizadas con su permiso.

JAN VAN EYCK: PASIÓN POR EL DETALLE (por Pablo R. Bedrossian)

Serie GRANDES MAESTROS DE LA PINTURA

Los primitivos pintores flamencos fueron un puente entre la oscuridad medieval y la luminosidad renacentista. A Jan van Eyck (1390 – 1441), uno de ellos, se atribuye la creación de la pintura al óleo[1]. Sin embargo, la trascendencia de este artista no proviene de su invención sino de su arte, reflejado magistralmente en sus obras. Le invito a conocer sus creaciones más importantes.

  1. LOS ARNOLFINI (1434)

Los Arnolfini 02

La primera noticia que tuvimos de este pintor que vivió y murió en Brujas, Bélgica, fue en un libro de viajes. Allí aparecía un cuadro que retrataba al próspero matrimonio Arnolfini, pintado por van Eyck en 1434.

Es una de las primeras pinturas que no abordan un tema religioso o de la antigüedad clásica. A la vez, es un símbolo del cambio sociopolítico que se había puesto en marcha: el paso del feudalismo, basado en el poder de las armas y en la economía agrícola, al predominio de las ciudades, cuya principal fuente de riqueza era el comercio.

Giovanni Arnolfini fue un importante mercader que estableció su base de operaciones en Brujas, ciudad del norte de Europa famosa por sus bellos canales, donde Van Eyck tenía su taller. Desde luego, la pintura fue un encargo del comerciante al artista.

Si bien no podemos detenernos en los numerosos detalles de la obra, vamos a señalar algunos que, para nosotros, revisten la mayor relevancia.

Hablemos primero de los protagonistas. Los magníficos atuendos muestran y representan su poderío económico y la consecuente elevación social. La dama, Giovanna Cenami, no está embarazada, sino que viste de acuerdo con los cánones estéticos de la época. Es admirable el grado de detalle que se observan en su tocado y pulseras, así como en los objetos representados detrás de ella

Los Arnolfini 10Su esposo le toma la mano con delicadeza.

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Simultáneamente hace un gesto con la mano derecha. Algunos piensan que es un juramento o promesa matrimonial. Sin embargo, no hay ninguna expresión de afecto entre los esposos que parecen mirar hacia abajo sin alegría.

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Sería casi un oxímoron decir que el perrito humaniza la imagen, pero tampoco puede afirmarse que rompe el severo momento. Más bien parece que, como mascota de la familia, comparte su misma inexpresividad.

Los Arnolfini 04

Pasemos al pintor. Retrata a los personajes posando con solemnidad, carentes de todo movimiento. Sin embargo, no es una escena aburrida. Nótese la magnífica textura y pliegues de las telas, resaltados por el contraste de los colores. La pintura al óleo permitió otorgar una intensa luminosidad a las distintas tonalidades. Esto también fue aprovechado por el pintor para darle más realismo a la obra a través de las sombras. Observe, por ejemplo, los pies del caballero o los zuecos en el piso.

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El espejo detrás, visto en una imagen ampliada, lleva en su marco diez escenas de la pasión mientras que en la superficie se reflejan dos personas y objetos de la sala. La tabla mide 80 cm. por 60 cm. lo que muestra una extraordinaria minuciosidad quirúrgica.

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Arriba del espejo, con bella caligrafía aparece la firma del pintor: dice allí “Johannes de Eyck fuit hic 1434” (“Jan van Eyck estuvo aquí en 1434”).

Los Arnolfini 07.jpg

  1. HOMBRE CON GORRO AZUL (1430)

Hombre con gorro azul 02.jpg

Cuatro años antes, Van Eyck había pintado su “Hombre con gorro azul”, también conocido como “Retrato de un orfebre” por el anillo que el joven sostiene en su mano derecha con el pulgar y el índice.

Hombre con gorro azul 03.jpgEs una obra de pequeño tamaño (22,5 cm. por 16,6 cm. con marco incluido) pero de singular belleza. A diferencia del cuadro anterior, parece una fotografía. Muestra el extraordinario dominio que Van Eyck posee de la técnica hiperrealista, novedosa para su tiempo. Toda la luz en concentra en el rostro y en las manos. El artista retrata cuidadosamente la barba incipiente, prolijas cejas y ojos cuya mirada parece proyectarse más allá del momento.

Hombre con gorro azul 04.jpg

El delicado tocado intensamente azul sobre el cabello contrasta con la oscuridad del fondo y del gabán, sirviendo de marco a la adusta cara iluminada. Todo el conjunto indica que se trata de un hombre de alta posición social, quizás un joyero, por el anillo.

Años después Van Eyck pintaría otro cuadro similar hiperrealista, “Hombre con turbante rojo”. Hombre con Gorro Azul, siendo una pintura de casi seiscientos años de antigüedad, se expone protegida de la luz. Un detalle curioso: en el ángulo superior izquierdo lleva la firma AD -agregada en 1493-, por lo que se atribuyó erróneamente a Albert Durero.

  1. RETRATO DE MARGARETA VAN EYCK (1439)

Retrato de Margareta van Eyck 01.jpg

Nueve años años más tarde de “Hombre con gorro azul”, Van Eyck retrató a su esposa Margareta. Aún en la última etapa de su vida Jan van Eyck se revela como un innovador pues es uno de los primeros casos -quizás el primero- en que un pintor famoso retrata a su propia esposa.

Margareta no es precisamente una mujer bonita. Sin embargo, está representada con mucho amor, algo que se advierte en la dignidad de sus rasgos y en el delicado trabajo de los adornos sobre su cabeza.

Por una convención social las mujeres casadas llevaban la cabeza cubierta[2]. Cuenta Blanche Payne en su “Historia del vestido” que a finales del siglo XIV la crispina, una redecilla de metal para limitar el cabello a ambos lados de la cabeza, se volvió un trabajo de joyería. A medida que las mujeres siguieron la moda de afeitarse frentes y cejas -algo que se observa en el retrato de Margareta- se fue agrandando la crispina -también llamada caul– a la altura de las sienes, tomando formas puntiagudas como cuernos. Nótese que un accesorio similar luce la dama en Los Arnolfini. Sobre este adorno se colocaba un rollo acolchado, a veces en forma de corazón, un velo o ambos, que se apoyaban en los alambres de aquella.

Retrato de Margareta van Eyck 03.jpg

En esta obra nuevamente la luz se concentra en el rostro enmarcado por la blancura del tocado, resaltado por el fondo oscuro y el saco de lana roja con forro de piel animal. En la base superior e inferior del marco, que es original, hay dos inscripciones “Mi esposo Johannes me lo terminó el 17 junio del 1439; mi edad es de treinta y tres años” y su lema personal “Hago lo mejor que puedo”.

  1. LA ADORACIÓN DEL CORDERO MÍSTICO (1432)

La Adoración del Cordero Místico 02Si usted vio la película “Los Hombres Monumento” (en inglés “The Monuments Men”) recordará la primera escena donde unos sacerdotes guardan apuradamente grandes piezas de madera con bellas pinturas. Ocultan nada menos que diversas partes de esta obra, también conocida como el Políptico de Gante, para evitar que caigan en manos nazis.

La Adoración del Cordero Místico es un retablo conformado por doce paneles de madera. Un retablo es una obra de arte con escenas bíblicas que se coloca detrás de un altar. Este retablo es un políptico: un cuadro compuesto de varias tablas pintadas. Está ubicado en la Catedral de San Bavón en Gante (Gent en flamenco), Bélgica. Mide 340 cm. por 440 cm; es plegable y se abre para mostrarlo en todo su esplendor a ciertas horas del día. Según consta en la propia pintura, esta magnífica obra fue iniciada Hubert van Eyck, hermano mayor del artista, fallecido en 1426, y completada luego por Jan.

Es una obra sumamente compleja, de la cual sólo podemos hacer una descripción somera.

El políptico cerrado tiene tres niveles. En el nivel superior muestra cuatro figuras. Las del centro son las sibilas Cuma y Eritrea. Se creía que estas profetizas a pesar de ser paganas habían anunciado el advenimiento de Cristo. A ambos lados están los profetas Zacarías y Miqueas. Las cuatro figuras observan a la Virgen María, ubicada en el nivel medio; sobre ella se posa el Espíritu Santo en forma de paloma mientras que el arcángel Miguel, en el mismo nivel pero lejano, también dirige su atención hacia ella.

La Adoración del Cordero Místico (cerrado) 01

En el nivel inferior se observan en ambos extremos a los donantes, Joos Vyd y su esposa; en el centro, pintadas como si fueran estatuas, Juan el Bautista, y al apóstol san Juan, el discípulo, autor de uno de los evangelios.

La Adoración del Cordero Místico (cerrado) detalle 01Al observarla abierta, en el centro la figura más alta es Cristo pantokrator, triunfante de la muerte que vendrá a juzgar a los vivos y a los muertos[3] y está sentado en el trono a la diestra de Dios[4]. A su derecha aparece la Virgen María con una corona sobre su cabeza, y a su izquierda Juan El Bautista. El color dorado de los nichos resalta las exquisitas figuras cuyos vestidos en azul, rojo y verde, muestran magníficas texturas mientras que los ornamentos, escrupulosamente trabajados, señalan abundancia y autoridad.

La Adoración del Cordero Místico 04

A la izquierda de la triada central hay ocho ángeles cantores, y a la derecha, un grupo de músicos.

La Adoración del Cordero Místico 05.jpgA sus lados aparecen Adán y Eva. Los humanos tienen aspecto realista a diferencia de las figuras celestiales representadas idealmente. Hay una clara separación entre lo divino y lo terrenal, entre la santidad y el pecado.

La Adoración del Cordero Místico 11 (Adán y Eva).jpg

Debajo de estos siete paneles hay otros cinco. El central es el más ancho de toda la obra y muestra distintos grupos procedentes de los cuatro puntos cardinales adorando al Cordero místico. Esa figura, que inspira el título de la obra, recuerda las palabras de Juan El Bautista, quien, al ver a Jesús, exclamó: “He aquí el Cordero de Dios, que quita el pecado del mundo”[5], en alusión a los animales sacrificados en el Templo de Jerusalén para el perdón de los pecados. Jesús también es presentado como un cordero victorioso en el Apocalipsis: “Después de esto miré, y he aquí una gran multitud, la cual nadie podía contar…y clamaban a gran voz, diciendo: La salvación pertenece a nuestro Dios que está sentado en el trono, y al Cordero[6].

La Adoración del Cordero Místico 08La escena muestra una mesa sobre la cual hay un grial que recibe la sangre del cordero herido, simbolizando la eucaristía o Santa Cena que los cristianos celebran recordando la muerte de Cristo.

La Adoración del Cordero Místico 10 (detalle cordero místico)La mesa está rodeada por ángeles, detrás de los cuales aparecen cuatro grupos: judíos y paganos abajo a la izquierda, los apóstoles seguidos de santos y papas (la iglesia) a la derecha, y probablemente mártires masculinos y mártires femeninos, a ambos lados arriba.

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Todos los personajes están retratados con un extraordinario cuidado.

La Adoración del Cordero Místico 11

Los paneles laterales también tienen trabajadas figuras. A la izquierda se ubican los jueces justos y los caballeros cristianos. A la derecha, los ermitaños y a los peregrinos, entre los que se destaca san Cristóbal, el gigante patrono de los viajeros.

Copy of La Adoración del Cordero Místico 01.jpg

La escena está bañada por rayos de luz que surgen de un medio sol donde se observa al Espíritu Santo en forma de paloma. Detrás del pasaje campestre hay edificios que representan a la Jerusalén celestial.

Además, sepa que, por su historia, el Políptico de Gante es considerado por algunos la obra más robada del mundo. Incluso el panel de los jueces justos aún sigue desaparecido y hay dos grupos asignados trabajando desde hace años en su recuperación. El expuesto actualmente es una copia, hecha en 1945 por Jef Vanderveken.

  1. VIRGEN DEL CANÓNIGO VAN DER PAELE  (1436)

Virgen del canónigo Van der Paele 01.jpgSegún se desprende de una inscripción en su marco, esta pintura fue encargada a Van Eyck por el canónigo Joris van der Paele, una de las autoridades de la Catedral de San Donaciano en Brujas, probablemente para ser colocada en su tumba y servir como un pedido de oración por el difunto.

La obra es una conversación sacra, donde la Virgen con el Niño Jesús aparecen en el centro flanqueados por dos santos: a la izquierda Donaciano de Reims, patrono de Brujas, y a la derecha san Jorge, que presenta con su mano izquierda a van der Paele.

Virgen del canónigo Van der Paele 02.jpgDesde el punto de vista técnico, la obra es suprema por la asombrosa precisión en los detalles y su riguroso simbolismo. Para comprobarlo, basta observar los acabados del trono de madera, donde el artista simula tallas de Caín asesinando a Abel y de Sansón matando un león.

Virgen del canónigo Van der Paele 03.jpgLa obesa y anciana imagen del canónigo muestra un extraordinario realismo, con anteojos en las manos y un libro, mientras nuevamente la imagen de la Virgen y el Niño aparecen idealizados.

Virgen del canónigo Van der Paele 04.jpgNótese que van der Paele, un humano, no se dirige a la Virgen directamente sino a través de san Jorge, que aparece como intercesor.

OTRAS OBRAS

Estimamos que las cinco obras que hemos presentado muestran el talento de Jan van Eyck en todo su esplendor. Entre sus pinturas, hay otras tres que no debemos mencionar:

a. HOMBRE CON TURBANTE ROJO (1433)

Algunos creen que es un autorretrato del propio Van Eyck

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b. LA VIRGEN Y EL CANCILLER ROLIN (1435)

Nótese la posición de autoridad del canciller Rolin, a la misma altura que la Virgen  el Niño Jesús.

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c. LA ANUNCIACIÓN

Esta obra seguramente constituía el ala izquierda de un tríptico de madera perdido. Posteriormente fue transferida a lienzo.

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Es nuestro deseo que a través de estas imágenes, pueda descubrir a Jan van Eyck y su obra, cuya la pasión por el detalle, el color y las perspectiva nos siguen asombrando casi seis siglos después.

© Pablo R. Bedrossian, 2017. Todos los derechos reservados.


NOTA: SITIOS DÓNDE SE EXHIBEN LAS OBRAS

Si bien, gracias a los avances de la tecnología, hoy no es imprescindible visitar un museo para observar una obra maestra, el autor de este artículo de divulgación ha visto personalmente todas las obras presentadas. Debajo va el lugar donde se expone cada una:

  • Los Arnolfini: National Gallery, Londres, Inglaterra (en nuestra última visita, en 2017, la pintura no estaba disponible al público pues había sido cedida para una exposición temporal).
  • Hombre con gorro azul: Palacio Brukenthal, Sibiu, Rumania
  • Retrato de Margareta van Eyck: Groningen Museum, Brujas, Bélgica
  • Adoración del Cordero místico: Catedral de san Bavón, Gante, Bélgica
  • Virgen del canónigo Van der Paele: Groningen Museum, Brujas, Bélgica
  • Hombre con turbante rojo: National Gallery, Londres, Inglaterra
  • Virgen del canciller Rolin: Museo del Louvre, París, Francia
  • La Anunciación: National Gallery, Washington, Estados Unidos

REFERENCIAS

[1] Vasari, Girogio, “Vida de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos”, 1550; utilizamos la edición digital de Leer para Crecer, sin fecha, p.154-155

[2] Desconocemos si se basaban en el mandato bíblico.

[3] 2ª Epístola de san Pablo a Timoteo 4:1 (ver también 1ª Epístola de Pedro 4:5)

[4] Evangelio según san Mateo 26:64 (ver también Evangelio según san Marcos 14:62, Epístola de san Pablo a los Colosenses 3:1, Epístola a los Hebreos 10:12)

[5] Evangelio según san Juan 1:29

[6] Apocalipsis 7:9-10 (Ver también, por ejemplo Apocalipsis 17:14, 21:14, 21:23)

 


CRÉDITOS MULTIMEDIA

Todas las imágenes utilizadas son de dominio público.

 

LAS ASOMBROSAS ESCULTURAS DE RON MUECK (por Pablo R. Bedrossian)

Serie “GRANDES ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS”

“Las esculturas de Ron Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano y si no fuese por el tamaño serían confundidas sin dudas con personas” .  Carlos Alberto Gouvêa Chateaubriand. (Presidente del  Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro)

“En las obras de Ron Mueck uno observa las criaturas por fuera y las intuye por dentro”.

Vi por primera vez las esculturas de Ron Mueck en 2006, en una presentación en PowerPoint, de esas que llegaban en cadenas por correo electrónico, antes que Facebook universalizara la comunicación de nuestras preferencias. Quedé conmovido. La extraordinaria humanidad de sus figuras contrastaba con la monumentalidad o pequeñez de su tamaño.

Ancianos 04Nacido en Australia en 1958, este original artista se radicó en el norte Londres para crear obras cuyos temas son esencialmente humanos. Más que figuras construye personajes, cuyo mundo interior se revela a través de sus expresiones, modeladas con silicona, fibra de vidrio o acrílico. Sus esculturas no muestran pasión o histrionismo sino las emociones corrientes, disimuladas bajo una corteza de neutralidad pero reveladas en una mirada, una posición o en el gesto de las manos. Una excepción la constituye una naturaleza muerta, un   gigantesco pollo desplumado, que cuelga como si estuviera listo para la venta.

Durante mi última visita a Buenos Aires en 2014 pude admirar por primera vez personalmente sus obras cuya realismo (o, como algunos insisten, hiperrealismo) supera largamente todo lo que pude admirar en las fotografías que mencioné al principio. No sería aventurado proponer que Ron Mueck cultiva un realismo paradójico, una suerte de ilusionismo escultórico, pues sus personajes parecen tener vida, una vida latente que en cualquier momento puede ponerse en movimiento,  mientras que su volumen nos advierte que no pertenecen al mundo biológico, sino más bien al mundo de los sueños, que es el de los símbolos.

Mask II 01Buenos ejemplos son su Máscara II, donde la vida se reduce a un rostro dormido con la boca entreabierta, Man in a boat donde un hombre desnudo con los brazos cruzados marcha a la deriva.

Al arco iris de la experiencia humana ha incorporado obras con dos personajes. Tendemos a calificar el arte de acuerdo a su forma de expresión: pintura, escultura, música, cine, literatura, teatro, pero también podemos abordarlo desde su temática. Entonces, podemos definir estas piezas como arte de relaciones, porque pasa de la sensibilidad individual a la circunstancial, dándole un contexto: La proximidad con otro ser humano ante el cual reacciona.  Vemos una madre con su bebé, una pareja de adolescentes con sus relaciones conflictivas o dos ancianos tomando sol con un pasado desconocido a cuestas que a la vez los une y los separa. Parece decir que nada de lo que sentimos puede manifestarse sin el otro.

Las obras de Mueck asombran, porque a pesar de sus proporciones imposibles, se parecen demasiado a nosotros.

Algunas fotos:

"Couple under un Umbrella", en español "Pareja bajo una sombrilla" (2013). Esta obra mide 300 x 400 x 350 cm.
“Couple under un Umbrella”, en español “Pareja bajo una sombrilla” (2013). Esta obra mide 300 x 400 x 350 cm.
Detalle de "Couple under un Umbrella".
Detalle de “Couple under un Umbrella”.
Vista del rostro del anciano de "Couple under un Umbrella". Como se observa, la recreación de los rasgos es perfecta.
Vista del rostro del anciano de “Couple under un Umbrella”. Como se observa, la recreación de los rasgos es perfecta.
"Young couple", en español "Joven pareja" (2013). Mide 89 x 43 x 23 cm.
“Young couple”, en español “Joven pareja” (2013). Mide 89 x 43 x 23 cm.
Detalle de Young couple. ¿No se advierte en la joven una mirada de tristeza o resignación?
Detalle de Young couple. ¿No se advierte en la joven una mirada de tristeza o resignación?
Vista dorsal de "Young couple". Observe el detalle de las manos, que revela el conflicto: El muchacho tiene a la chica tomada de su muñeca mientras ella extiende su mano hacia atrás.
Vista dorsal de “Young couple”. Observe el detalle de las manos, que revela el conflicto: El muchacho tiene a la chica tomada de su muñeca mientras ella extiende su mano hacia atrás.
"Still Life" en español "Naturaleza muerta" (2009). Mide 215 x 89 x 50 cm
“Still Life” en español “Naturaleza muerta” (2009). Mide 215 x 89 x 50 cm
Detalle de "Still Life".
Detalle de “Still Life”.
"Woman with Shopping", en español "Mujer con las compras" (2013). El bebé extrañamente transportado observa a su mamá cuya mirada parece abstraída en sus propias preocupaciones.
“Woman with Shopping”, en español “Mujer con las compras” (2013). El bebé extrañamente transportado observa a su mamá cuya mirada parece abstraída en sus propias preocupaciones.
Detalle de "Youth", en español "Juventud" (2008)
Detalle de “Youth”, en español “Juventud” (2008)
"Man in a boat", en español "Hombre en un bote" (2002). Mide 159 x 138 x 425.5 cm.
“Man in a boat”, en español “Hombre en un bote” (2002). Mide 159 x 138 x 425.5 cm.
Detalle de "Man in a boat". El protagonista navega en un enorme bote completamente desnudo, con una intensa palidez, cruzado de brazos como y mirando algo que parece convocar su interés.
Detalle de “Man in a boat”. El protagonista navega en un enorme bote completamente desnudo, con una intensa palidez, cruzado de brazos como y mirando algo que parece convocar su interés.
"Drift", en español "A la deriva" (2009) rompe el modelo de colores neutros con un colorido traje de baño. El único objeto real es el reloj en la muñeca izquierda (un reloj para niños). Mide 118 x 96 x 21 cm.
“Drift”, en español “A la deriva” (2009) rompe el modelo de colores neutros con un colorido traje de baño. El único objeto real es el reloj en la muñeca izquierda (un reloj para niños). Mide 118 x 96 x 21 cm.
"Drift" visto a la distancia. Los brazos en cruz sugieren un Cristo posmoderno y hedonista, en contraposición con el Jesús que vino a servir.
“Drift” visto a la distancia. Los brazos en cruz sugieren un Cristo posmoderno y hedonista, en contraposición con el Jesús que vino a servir.
"Woman with sticks", en español "Mujer con ramas" (2009). Mide 170 x 183 x 120 cm.
“Woman with sticks”, en español “Mujer con ramas” (2009). Mide 170 x 183 x 120 cm.
"Mask II", en español "Máscara II" (2002). Mide 77 x 118 x 85 cm.
“Mask II”, en español “Máscara II” (2002). Mide 77 x 118 x 85 cm.

 


ACTUALIZACIÓN 2017:

A fines de 2016 visité el Hirshhorn, un museo de arte moderno que pertenece a la Smithsonian Institution, en Washington D.C.. Me sorprendió encontrar allí, solitaria en un rincón, una colosal creación de Ron Mueck.

DSC02545Aunque no tiene título, se la conoce como “Big Man”. A simple vista, parecería un ser humano, si no fuera por su descomunal tamaño.

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Se trata de un hombre desnudo, obeso y calvo, sentado en el piso con las piernas flexionadas, que parece estar en su madurez.

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El lenguaje corporal de la figura revela preocupación y desconfianza a través de su mirada -dirigida hacia abajo y a la derecha-, del ceño fruncido, y de la posición de los brazos; también el torso, inclinado hacia abajo y adelante, comunica abatimiento.

DSC02450La enorme figura se aproxima a una posición fetal, impactando al observador por el severo contraste entre la fuerza de su volumen y la sensación de impotencia que sugiere su postura.

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Creada en el 2000 en resina de poliéster pigmentado sobre fibra de vidrio, la obra confirma la singular habilidad del genial artista australiano para comunicar estados de ánimo, mediante una perfecta recreación de la anatomía que sin proponérselo se acomoda a las diversas circunstancias.

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© Pablo R. Bedrossian, 2014, 2107. Todos los derechos reservados, a excepción de los correspondientes a las fotografías de la nota original publicada en 2014.


NOTAS:

Recomiendo ver el documental que Gautier Deblonde filmó en el atelier de Ron Mueck, donde se lo observa trabajar con dos asistentes, de un modo sobrio, casi en completo silencio.

También sugiero adquirir el libro o cuadernillo “Ron Mueck” editado por la Fundación Proa, y dentro de él leer el excelente ensayo de Justin Paton sobre esta exhibición, que en total consta de nueve esculturas, las cuales mostramos en su totalidad.


CRÉDITOS MULTIMEDIA:

Como en la exposición que visité en la Fundación Proa, en el barrio de La Boca de Buenos Aires, estaba prohibido tomar fotografías, todas las imágenes fueron descargadas vía Google desde Internet (desconozco quiénes son los autores) y corresponden a las obras exhibidas allí. La mayoría pudo haber sido tomada en la exposición de París (2013), y, las restantes, en otras anteriores.

Todas las fotografías de la obra sin título del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, de Washington DC, fueron tomadas por el autor de esta nota y no está permitida su reproducción sin su autorización escrita.


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