Hay dos tipos de cambio: el que uno elige y el que a
uno le ha sido impuesto. Mafalda, la inefable creación de Quino, decía: “si uno no se apura a cambiar el mundo,
después es el mundo el que lo cambia a uno”.
Cuando las circunstancias se vuelven adversas, cambiamos
porque no hay opción, pero son pocos los que se atreven a cambiar cuando las cosas
van bien. Por eso alguien ha dicho que “no
hay peor enemigo del éxito futuro que el éxito presente”. La comodidad y la
seguridad aparente nos juegan en contra. Confiados en una ingenua sensación de
control, olvidamos que no somos dueños de las circunstancias y que lo único que
podemos manejar, y solo a veces, es a nosotros mismos.
Pero es posible cambiar a tiempo. Comparto “El halcón y la rama”, un relato popular de autor desconocido que he reescrito.
EL HALCÓN Y LA
RAMA
Un halcón habitaba el jardín del palacio. El rey lo llevaba
a todas sus cacerías. Bastaba un mínimo gesto suyo para que el ave se lanzara hacia
la presa. Su vuelo era admirado por la corte,
y su instinto cazador temido por el pueblo. Funcionarios y visitantes se detenían
para elevar la mirada y observar la majestuosa estela que sus alas dibujaban en el aire. Sin proponérselo,
se había convertido en un símbolo del reino.
Cierto día, mientras se alistaba para salir de caza con príncipes de naciones vecinas, el rey pidió que trajeran al halcón ante su presencia. Luego de una desacostumbrada demora, el jefe de los sirvientes le informó:
– Su alteza, el halcón se niega a volar.
Sorprendido, el rey envío a uno de los miembros de su guardia al jardín. Efectivamente, halló el ave con sus garras aferradas a una rama dura y oscura. La sacudió, y sólo obtuvo como respuesta una mirada amenazante. –
– Su alteza, el halcón se niega a volar.
Mientras el soldado se retiraba, el rey pidió a uno de sus mejores ministros que se ocupara de resolver la situación, porque la hora de la partida se acercaba.
Este ministro era un hombre sabio, acostumbrado a
manejar situaciones delicadas del reino. Primero quiso informarse y convocó al
jefe de los sirvientes y al guardia para que le explicaran lo sucedido. Luego
de escucharlos, les pidió que lo acompañaran al jardín. Encontró al halcón
sobre un ciprés, tal como le habían relatado. Les propuso un plan y dio las
órdenes para ejecutarlo de inmediato.
Consistía en tres acciones. Comenzó ordenando al jefe de la servidumbre que se arrojaran sobre el halcón grandes cantidades de agua. Ágiles criados treparon sobre el árbol y derramaron dos enormes tinajas. Nada sucedió. Luego le indicó al soldado que amenazara al ave con su espada. Con el filo plateado trazó lances en el aire, pero el halcón no se inmutó. Finalmente el ministro realizó su última jugada. Hizo encender un fuego debajo de la rama esperando que el calor obligara al ave a emprender su vuelo. Luego de unos minutos de intensa temperatura desistió, porque temía convertir al halcón en un platillo asado que sería servido junto a su propia cabeza. Decidió regresar con la intención de pronunciar la fatídica frase:
– Su alteza, el halcón se niega a volar.
Pero en el camino lo detuvo el grito de un campesino que a través de las rejas que rodeaban el parque había observado el agua, la espada y el fuego.
– ¡Ministro, puedo ayudarlo!
El sorprendido dignatario hizo pasar al hombre cuyo aspecto llevaba las marcas de una dura vida de trabajo.
– He visto lo sucedido y quisiera que me dé la oportunidad de probar. Sólo le pido que me deje solo en el jardín.
El ministro miró con desconcierto al jefe de los
sirvientes y al soldado, pero tras un breve momento de duda se dijo que no
tenía nada que perder, y ordenó dejar al hombre a solas con el ave.
Cuando se dirigía al salón del trono, encontró al rey con su séquito que se dirigía al parque, presto a salir de cacería. Iba por su halcón y nada ni nadie lo detendrían. Se cruzaron las miradas y el miedo le heló la sangre.
Mientras su mente buscaba una salida, lo sorprendió el vuelo rasante del ave que planeaba con sus brillantes alas extendidas. Asombrado vio cómo el halcón aterrizó en un instante sobre el hombro del monarca.
– Felicitaciones, amigo. Por algo te he puesto sobre los negocios de este reino.
La aprobación del rey le devolvió el color al semblante del alto funcionario, aunque gruesas gotas de sudor todavía rociaban su frente. Mientras el monarca se despedía con una amplia sonrisa, el ministro buscó al campesino y le pregunto con ojos agradecidos cómo había hecho para que el halcón volviera a volar.
– Muy sencillo; tomé un hacha y corté la rama.
CAMBIA A
TIEMPO
Todos en algún momento de la vida nos aferramos a algunas
seguridades, creyendo que serán eternas. Cuando se derrumban entramos en
crisis. ¿A qué rama te aferras?
Pero no es cuestión de quedarse solo en el análisis sino pasar a la acción: ¡Corta tu rama! Volemos antes que la realidad tire abajo el brazo de madera al cual nos aferramos. Y si nos sorprende el hacha obligándonos a abandonarlo, démosle gracias que nos obligó al fin a levantar vuelo.
La fotografía de portada fue tomada por el autor de esta nota y es el dueño de todos sus derechos. Corresponde a un halcón murcielaguero, en inglés bat falcon.
Madrid se ha vestido de fiesta gracias a una extraordinaria iniciativa: poner Las Meninas en la calle. No se trata de colocar afiches o carteles con imágenes de la famosa obra de Velázquez, sino de ubicar en las principales calles de la ciudad 80 esculturas diseñadas por el artista venezolano Antonio Azzato que reinterpretan a la Infanta Isabel y a sus acompañantes.
Estas renovadas meninas de fibra de vidrio miden de 180 centímetros de alto, 160 de fondo y pesan unos 30 kilos. Se reconocen inmediatamente por las anchas faldas, los ajustados sayos y los peinados acampanados. Han sido intervenidas por diversos creadores (músicos, pintores, toreros, actores, diseñadores), que las han transformado en una explosión de vida y color, respondiendo a la premisa “¿qué significa Madrid para ti?”. Las personas pueden interactuar con ellas, tomarse fotografías, selfies y videos.
Gracias a la famosa pintura, las meninas se han convertido en íconos nacionales que han trascendido su propia época. Se exponen del 13 de abril a la primera semana de julio de 2018. El proyecto cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid y Acotex[1] en el marco del programa Madrid Capital de Moda.
Algunas de las intervenciones son muy divertidas. Las meninas callejeras pueden parecerse a un personaje de Star Wars, a Mafalda o mostrar su esqueleto.
ENTREVISTA A ANTONIO AZZATO, DISEÑADOR DE LAS MENINAS
Gracias a Consuelo Durán Irazuzta, Directora de Durán Arte y Subastas, a Rocío Núñez, responsable del gabinete de prensa de Meninas Madrid Gallery, y a las nuevas tecnologías, pudimos entrevistar al diseñador de estas Meninas urbanas, Antonio Azzato.
¿Qué es lo que más le ha atraído de Las Meninas, la maravillosa obra Velázquez? ¿Qué ha encontrado en ella que le ha cautivado o sorprendido?
Es una obra con un contenido de información impresionante. Pararse en frente de la obra y ver como Velázquez clava su mirada en la tuya hace que te sientas como en una cuarta dimensión; es imposible no sentirse cautivado y sorprendido por esta obra. Es una obra maestra que habla de la reivindicación, no solo de la profesión de pintor sino de un concepto fundamental en mi vida que es la familia. En aquel momento la definición de familia era “todo aquel que vive en la casa del señor” y Velázquez en ese cuadro incluye a todos los personajes que pertenecían al entorno de la familia real.
¿Por qué razón decidió reinterpretarla? ¿Cuáles su intención al hacerla en su propio estilo?
Velázquez fue un especialista en pintar sobre todo aquello que no vemos, como el alma, el aire, y justamente en el aire nos dejó una incógnita: nunca sabremos lo que hay detrás de ese lienzo que pintaba. Es por eso, que después de analizar las múltiples interpretaciones del cuadro, he llegado a la conclusión de que se trata de un sistema de ecuaciones matemáticas con una variable por despejar, a la que he llamado, el mensaje infinito de Velázquez. Creo que Velázquez necesita seguir transmitiendo algo a través de su obra, por eso creo que el arte contemporáneo y la cultura de las ciudades donde realizaremos las exhibiciones deben ser las encargadas de transmitir ese mensaje.
Las Meninas es una obra dominada por las mujeres. La infanta Margarita y sus pequeñas asistentes utilizan como vestimenta el sayo y la falda sobre guardainfante, mientras que lucen tocados acampanados en sus cabellos ¿por qué decidió tomar esos elementos como patrones para sus esculturas?
Hay algo en la sección áurea de las meninas, en sus proporciones que las hacen protagonistas. No es casual que 200 años después que se pinta el cuadro, cuyo título inicial era “la familia del Rey Felipe IV”, cuando llega al Museo del Prado y se inventaría, se le cambie el nombre y pase a llamarse “Las Meninas”, que eran las sirvientas. Es por eso que decidí crear un lienzo en blanco con la silueta de la menina para que artistas contemporáneos encarnasen a Velázquez y respondieran a la pregunta ¿qué es Madrid para ti? Esto, al finalizar la muestra, nos ayudará a desvelar el mensaje que Velázquez tiene para Madrid.
Dos de los rasgos más llamativos de sus Meninas son los estampados y los colores, mucho más vivos que los utilizados por Velázquez. ¿Por qué los prefirió?
Las meninas son espectaculares y especiales de la manera que sea, las puedes dejar en blanco y lucen igual de bellas. Los colores y estampados son productos de la contemporaneidad y del mensaje que se quiere transmitir con cada una de ellas. Más allá de colores, modas y técnicas de intervención, creo que lo realmente importante es el mensaje que cada una de ellas quiere transmitir, el resultado ha sido maravilloso.
Generalmente las personas van a los museos a admirar obras de arte. ¿Cuál fue la razón de proceder en sentido inverso, llevando las obras de arte hasta donde se encuentran las personas?
Duchamp y su corriente vanguardista decían que si sacas un objeto de su entorno habitual puede llegar a convertirse en una obra de arte, y logró llevar un urinario a un museo. Yo he ido más allá: creo que si sacas una obra de arte de un museo, puedes convertirse en una obra de arte nueva capaz de transmitir un mensaje diferente. Pienso que en la actualidad los niños y jóvenes han perdido mucho interés por el arte, es por eso que llevar el arte a las calles es muy importante para hacerlo más cercano y al alcance de todos. Mi objetivo con esta exhibición es que todo aquel que no haya ido a ver al Museo del Prado el cuadro de “Las Meninas” vaya, y aquel que ya lo haya visto, regrese y saque sus propias conclusiones del porqué. Las meninas han decidido salir a pasear por las calles de la ciudad.
¿Qué retroalimentación ha recibido del público? ¿Qué le comentan cuándo toman conocimiento que es el creador?
Me siento conmovido por la reacción de la gente, se forman colas para hacerse fotos con las meninas. Cuando me reconocen me piden fotos y me felicitan, esa es mi mayor satisfacción. Creo que Velázquez, a quien considero el creador del selfie, debe sentirse orgulloso desde donde esté al ver a millones de personas hacerse selfies con su obra y darle la vuelta al mundo.
[1] Acotex es la Asociación Nacional del Comercio Textil, Complementos y Piel, la entidad más representativa del sector Moda y Retail de España.
AGRADECIMIENTOS
A Consuelo Durán Irazuzta, Directora de Duran Arte y Subastas por haber respondido rápidamente mi consulta y haberme contactado con Meninas Madrid Gallery.
A Rocío Núñez, responsable del gabinete de prensa de Meninas Madrid Gallery, por haberme enviado toda la información y fotografías y gestionar la entrevista.
A Antonio Azzato por su creatividad y por su generosidad, pues accedió a responder todas mis preguntas sin conocerme personalmente.
Al Dr. Guillermo Mahchi, distinguido artista plástico hondureño y querido amigo, quien me contó de este proyecto y me impulsó a conocerlo más.
CRÉDITOS MULTIMEDIA
Todas las fotografías fueron cedidas por Meninas Madrid Gallery, y forman parte del dossier de prensa, que gentilmente me ha enviado.
Buenos Aires se ha convertido en la capital del arte latinoamericano. No es sólo por sus numerosos museos o sus variadas actividades culturales, sino por la sinfonía que componen innovadores murales, músicos populares y esculturas clásicas y modernas bajo una glamorosa arquitectura europea. Como decía León Tenenbaum, La Reina del Plata es un museo al aire libre.
Dentro de ese universo creativo se destacan las esculturas, quizás porque resisten mejor las inclemencias del tiempo o, más probablemente, porque perduran más allá de los cambios que modelan nuestra propia historia.
Actualmente existe un renovado interés en las esculturas de la ciudad. Fruto de ello son publicaciones recientes como “Monumentos y esculturas de Buenos Aires. Palermo: espacios simbólicos y arte público” de María del Carmen Magaz (2013), “Mármol y Bronce, esculturas de la Ciudad de Buenos Aires” de Nicolás Gabriel Gutiérrez (2015) y “Monumentos y Esculturas de Buenos Aires” de Martín Comamala (2016). Te invito a descubrir o conocer más de ocho extraordinarias esculturas porteñas.
LA DUDA
Está ubicada en el sector este de la Plaza San Martín, donde la avenida Santa Fe dibuja una curva, justo antes del nacimiento de la calle Maipú. Es una obra de profundo simbolismo: Un anciano interpela a un hombre joven probablemente abrumado por sus propias preguntas. La mirada abstraída, el torso inclinado, la posición de las rodillas entre los brazos expresan la profunda incertidumbre del joven, mientras la elocuencia del anciano -que lo mira a los ojos- parece agobiarlo. El detalle que da un significado más preciso a la obra es el libro abierto a la izquierda del joven, una Biblia, a la cual ha dejado de prestar atención.
Hay quienes han visto en la obra un encuentro entre el Antiguo y el Nuevo Testamento[1], pero más bien parece una lucha entre la fe y la razón, entre la vida y la muerte inevitable.
“La Duda” es creación del artista parisino Louis Henri Cordier (1853-1925), hijo del escultor Charles Henri Joseph Cordier. Está hecha en mármol de Carrara y lleva cincelado su título, el nombre del autor y la fecha. A principios del siglo XX Buenos Aires se estaba convirtiendo en una de las urbes más importantes del mundo y necesitaba embellecer el trazado urbano. Una comisión de la Municipalidad de Buenos Aires viajó especialmente a Europa y adquirió esta bella pieza, que fue emplazada en su actual ubicación en 1906.
FLORALIS GENERICA
Esta inmensa flor es de acero inoxidable, aluminio y hormigón armado es una escultura dinámica: se abre y se cierra con la luz, mientras adquiere distintas tonalidades. Se encuentra en la esquina de la Avenida Figueroa Alcorta y la calle Facundo Quiroga, sobre la Plaza de las Naciones Unidas, muy cerca de la Facultad de Derecho. Asentada sobre una fuente de agua circular, está formada por seis enormes pétalos con cuatro pistilos en el centro. Mide 23 metros de alto, pesa 18 toneladas[2] y en su mayor extensión alcanza los 32 metros de diámetro[3].
Fue donada por su creador, Eduardo Fernando Catalano (1917-2010), un arquitecto argentino con una amplia trayectoria profesional en Estados Unidos. El sitio wikiarquitectura.com cuenta cómo surgió la idea: “La idea surgió un atardecer de verano, cuando trabajando en su jardín de invierno, notó que una gran flor roja de la especie Hibiscos comenzaba a cerrarse. Sin saber por qué, dibujó una flor geométrica, Catalano cuenta que hacía tiempo deseaba crear una estructura móvil que se abriera, se cerrara o se expandiera. Floralis generica, es ese proyecto hecho realidad”[4].
Adoptando la regla para los nombres científicos, cuyo primer término describe el género y el segundo la especie, Floralis generica, es una denominación que homenajea a todas las flores. Lo escribimos sin acento porque es un término en latín.
Lamentablemente el mecanismo ha fallado en varias ocasiones (incluyendo el día de su inauguración). Sin embargo, aún sin el movimiento, es una obra admirable. No sólo constituye probablemente la escultura más grande de la ciudad, sino la más cara: se estima que costó entre 4.5 y 6 millones de dólares.
LA NIÑA DE LA FUENTE
En la pequeña plaza Reina de Holanda, de Puerto Madero, se aloja una de las esculturas más pequeñas de cuerpo entero de la ciudad. Es una niña que mira hacia arriba con la boca, los brazos y las manos abiertos. Aunque puede interpretarse como un reclamo al cielo, el gesto comunica sorpresa y felicidad. Este parece ser el sentido original, según la copia en Apeldoorn, Países Bajos, donde la muchacha parece alegrarse con un chorro de agua que cruza sobre ella[5]; por esa razón, no hay nada mejor que admirarla un día de lluvia. La obra hecha en bronce es creación de la escultora holandesa Tineke Willemse-Steen (1920-2014). También hay otra copia Lüneburg, Alemania.
La niña de la fuente luce un vestido con mangas cortas, un collar y los pies descalzos. Se apoya sobre un podio cuadrado que, a su vez, está dentro de otro cuadrado con agua. A la izquierda hay una fuente de agua formada por tres cuadrados superpuestos a modo de pirámide. Detrás hay un pequeño muro curvo color naranja con el nombre de la plaza, que -suponemos- hace alusión a Máxima Zorreguieta, la esposa argentina del actual monarca de los Países Bajos, el Rey Guillermo, con quien contrajo matrimonio en 2002.
LA JOVEN CON SU MASCOTA
Una de las esculturas más emotivas de Buenos Aires se encuentra en el Cementerio de la Recoleta. Representa a la joven Liliana Crociati y a su perro Sabú, al que acaricia tiernamente con su mano derecha.
La joven se había casado a los 23 años con el húngaro Juan Szaszak. En 1970, dos años después de la boda, viajaron a Austria, donde un alud los sorprendió en el hotel de montaña donde se hospedaban. El marido pudo ser rescatado a los pocos minutos, pero Liliana fue encontrada una hora después y no logró sobrevivir. Se dice que Sabú, su mascota, murió el mismo día que ella[6], como si los hubiera habido entre ellos una conexión invisible.
El escultor Wilfredo Viladrich retrató en bronce a Liliana lánguida y esbelta, con un vestido largo con motivos que se repiten en los bordes de las mangas, debajo del pecho y en el ruedo. El largo pelo lacio cae a ambos lados dejando una raya al medio. Las manos ocupan un lugar central en la obra: son finas y delicadas pero muy alargadas. El dedo anular de la mano izquierda lleva el anillo de bodas.
Según Omar López Mato, el artista, cuyo nombre está grabado en una placa, utilizó como modelos fotos de Liliana con Sabú que, en realidad, había muerto diez años antes[7]. Junto a la sepultura, un escrito en italiano redactado por el padre de Liliana expresa su profundo dolor y se pregunta por qué ha perdido a su amada hija.
Un detalle adicional es que la escultura ha tomado un color verdoso pero la nariz del perrito conserva el color dorado del bronce debido a que muchos la tocan creyendo que da buena suerte.
LA VICTORIA DE SAMOTRACIA PORTEÑA
Junto a la Venus de Milo y la Gioconda, la Victoria de Samotracia conforma la triada de obras maestras más representativas del Museo de Louvre, de París. Sin embargo, pocos saben que existe una réplica en tamaño real en Buenos Aires.
La escultura es del año 190 a.C.. Representa a Niké, la diosa griega de la victoria. Probablemente fue erigida tras una victoria naval. Descubierta en 1863 en la isla de Samotracia se hallaba partida en fragmentos. La cuidadosa reconstrucción estuvo a cargo de los curadores del Louvre, que se basaron en otros modelos de tamaño menor. La altura de la estatua, hecha de mármol blanco de la isla de Paros, es de 2,75 metros. Esta majestuosa figura femenina alada se apoya en la proa de un barco, que a su vez descansa en una base de piedra.
La Victoria de Samotracia porteña se encuentra dentro del Palacio Estrugamou, un monumental edificio de departamentos de lujo muy cerca de la Plaza de Retiro, cuya mejor vista es la esquina formada por Juncal y Esmeralda, calle en la que se encuentra su entrada principal. Aunque ahora por cuestiones de seguridad no se permite el ingreso, la réplica de la Victoria de Samotracia puede admirarse desde uno de los portones de rejas de la calle Juncal. Esta réplica en tamaño real hecha en bronce tiene alas algo más cortas. Corona el patio que sirve de espacio compartido para los cuatro edificios que conforman el palacio. No se sabe quién es su autor, que copió cuidadosamente los detalles de la original: la pierna derecha hacia adelante mostrando poder y movimiento y los pliegues del atuendo y la postura del torso, sugiriendo que avanza contra el viento. Si pasa por allí, deténgase a observarla. Está esperando por usted.
MAFALDA
Uno de los personajes más entrañables, la inefable Mafalda, tiene su propia escultura en Buenos Aires. Ubicada en la esquina de Chile y Defensa, en el barrio de San Telmo, se encuentra sentada sobre un banco blanco para que cualquier visitante pueda tomarse una foto con ella.
La tira de humor de Joaquín Salvador Lavado, más conocido como Quino, vio la luz oficialmente el 29 de septiembre de 1964 en la revista Primera Plana y hoy es conocida en todo el mundo.
La “Mafalda 3D” mide 80 centímetros y luce vestido y moño verdes. El cuello del vestido y las medias son blancas, contrastando con los respectivos botones y zapatos negros. Las manos se apoyan en el vestido a la altura de las rodillas y tiene su eterna sonrisa enmarcada bajo la tupida cabellera negra. La expresión es la del dibujo: una mirada de esperanza a pesar del mundo y sus calamidades.
La escultura de Mafalda fue inaugurada el 30 de agosto de 2009. Al evento asistió el propio Quino, quien fue vecino de la zona. Por ello, se descubrió una placa en el edificio de Chile 371 con un dibujo del personaje y la frase “Aquí vivió Mafalda”.
La obra fue realizada por el artista argentino Pablo Irrgang. Para su creación utilizó resina epoxi reforzada con fibra de vidrio. Los colores están incluidos en el propio material para que resista las no sólo los cambios climáticos sino el vandalismo urbano. Afortunadamente, hasta la fecha la obra ha sobrevivido y luce espléndida. Dice el artista “me resultó interesante la idea de que estuviera solita en un banco, cavilando sobre el mundo. De noche, será otro de los chicos que duermen a la intemperie“.[8]
En 2014, para celebrar el 50º aniversario de su primera publicación, Mafalda quedó acompañada por dos de sus amigos: Manolito y Susanita. Cuenta el escultor “incluso vino Quino al taller y hasta pidió, con toda su humildad, que Manolito llevara su delantal del almacén color ‘marroncito grasa’ y sus zapatos ‘mal lustrados’”[9].
Irrgang es un extraordinario artista contemporáneo. Sus trabajos pueden admirarse en http://www.pabloirrgang.com.
EL PENSADOR
Ubicado cerca del extremo este de la Plaza del Congreso, la robusta figura de un hombre desnudo sentado en actitud reflexiva nos sorprende. Es una inmensa mole de bronce que comunica una extraordinaria humanidad.
Los clásicos experimentos sobre actitudes y sentimientos de Albert Mehrabian demostraron que sólo el 7 por ciento de la información se atribuye a las palabras, mientras que el 38 por ciento se atribuye a la voz y el 55 por ciento al lenguaje. Por eso El Pensador nos habla sin decir una sola palabra: la barbilla apoyada sobre el dorso de la mano derecha, la cabeza inclinada despojada de toda sugestión de movimiento, la mirada abstraída y cavilante.
El autor de esta magnífica obra es nada menos que Auguste Rodin (1840-1917), el más famoso escultor de los tiempos modernos, así como en la antigüedad lo fue Fidias. El Pensador originalmente fue parte de un frustrado proyecto por encargo llamado La Puerta del Infierno, inspirado en La Divina Comedia y correspondía a la imagen de Dante Alighieri. Admirando una imagen de esta magnífica creación[10] se observa la escultura del escritor a una escala mucho menor. Se halla en el centro del panel superior de La Puerta, en la misma pose que El Pensador, pero con la barbilla apoyada sobre el dorso de la mano izquierda. Rodin continuó trabajando en sus ideas tratándolas como piezas individuales, y pasó de representar al poeta italiano a simbolizar al hombre reflexivo, cuyas preguntas demandan respuestas[11].
La Municipalidad de Buenos Aires a través de Eduardo Schiaffino adquirió una de las copias realizadas por el mismo artista en 1906. Aunque se pensó colocarla en las escalinatas del Congreso, desde esa fecha conserva su actual ubicación. Un placa de mármol a los pies de El Pensador informa que el fundidor de la pieza fue Alexis Rudier.
CANTO AL TRABAJO
Canto al trabajo es un espléndido grupo escultórico ubicado en la plazoleta Eva Perón, en la intersección de las Avenidas Paseo Colón e Independencia, en San Telmo. Está conformado por catorce figuras humanas que representan el valor del esfuerzo como puerta al futuro. Todas las piezas están desnudas o tienen cubiertas sus partes íntimas con un paño.
La obra puede descomponerse en dos grupos. El posterior hace un enorme esfuerzo para mover una roca, mientras el que encabeza el conjunto, compuesto por una familia, parece liberado y mira al porvenir. Podría decirse que el primero representa el sacrificio; el segundo, sus beneficios: el padre, erguido, señala el camino, la madre mira el destino y los niños intentan abrazar lo que creemos que es el futuro.
Esta monumental composición en bronce fue creada por Rogelio Yrurtia (1879-1950), considerado el escultor argentino más importante del siglo XX. La obra es de un valor artístico extraordinario y constituye una de las más preciadas joyas de la ciudad.
La obra fue terminada en 1908 y adquirida por la Municipalidad de Buenos Aires. Entre 1927 y 1937 fue exhibida en la Plaza Dorrego y desde esa fecha ocupa su actual emplazamiento.
[1] Gutiérrez, Nicolás Gabriel, “Mármol y Bronce, esculturas de la Ciudad de Buenos Aires”, Olmo Ediciones, Buenos Aires, Argentina, 2015, p.652
[2] Zigiotto, Diego, “Las Mil y Una Curiosidades de Buenos Aires”, Ediciones B, Buenos Aires, 2012, p.272
[3] No todos coinciden con las medidas o pesos de una obra tan enorme. Por ejemplo, Diego Zigiotto dice que mide 25 metros de alto y no 23 como Gutiérrez; una nota de La Nación del 10 de junio de 2015, firmada por Josefina Marcuzzi dice que pesa 24 toneladas y no 18 como Zigiotto,
Todas las fotografías fueron tomadas por el autor de esta nota y es el dueño de todos sus derechos, a excepción de la correspondiente a La Puerta del Infierno, tomada del libro
BIBLIOGRAFÍA
Magaz, María del Carmen, “Monumentos y esculturas de Buenos Aires. Palermo: espacios simbólicos y arte público”, Dirección General de Patrimonio e Instituto Histórico, Buenos Aires, Argentina, 2013
Gutiérrez, Nicolás Gabriel, “Mármol y Bronce, esculturas de la Ciudad de Buenos Aires”, Olmo Ediciones, Buenos Aires, Argentina, 2015
López Mato, Omar, “Ciudad de Ángeles – Guía del Cementerio de l Recoleta”, Grijalbo Mondadori, 2004
Varios autores, “Sculpture – From Antiquity to the Present Day”, Taschen, 1987, 1996, Tomo II (“From the Renaissance to the Present Day”)
Zigiotto, Diego M., “Las Mil y Una Curiosidades de Buenos Aires”, Ediciones B, Buenos Aires, Argentina, 2012
Zigiotto, Diego M., “Las Mil y Una Curiosidades del Cementerio de la Recoleta”, Ediciones B, Buenos Aires, Argentina, 2013
